Rococo
Saviez-vous ...
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Un style de l'art français du 18ème siècle et design d'intérieur, de style rococo chambres ont été conçus comme des œuvres d'art totales avec un mobilier élégant et fleuri, de petites sculptures, miroirs décoratifs et l'architecture tapisserie de complémentation, des reliefs et des peintures murales. Il a été largement supplanté par le néoclassique de style.
Le mot rococo est considérée comme une combinaison de la rocaille français, ou la coquille et le baroque italien, ou baroque de style. En raison de l'amour rococo de courbes en forme de coquille et se concentrer sur les arts décoratifs, certains critiques ont utilisé le terme impliquer péjorative que le style était frivole ou simplement la mode; Fait intéressant, lorsque a été d'abord utilisé le terme en anglais dans environ 1836, ce était un sens de expression familière "à l'ancienne". Cependant, depuis le milieu du 19ème siècle, le terme a été acceptée par historiens de l'art. Bien qu'il reste encore un débat sur la signification historique du style à l'art en général, Rococo est maintenant largement reconnue comme une période majeure dans le développement de l'art européen.
Développement historique
Rococo d'abord développé dans les arts décoratifs et le design intérieur. La succession de Louis XV a apporté un changement dans les artistes de la cour et de la mode artistique générale. À la fin du règne de l'ancien roi, riches dessins baroques ont été cèdent la place à des éléments plus légers avec plus de courbes et de motifs naturels. Ces éléments sont évidents dans les conceptions architecturales de Nicolas Pineau. Pendant le Régence, la vie de cour se est éloigné de Versailles et ce changement artistique se sont bien établis, d'abord dans le palais royal, puis dans toute la haute société française. La délicatesse et l'enjouement de dessins Rococo est souvent considérée comme parfaitement en phase avec les excès de Le régime de Louis XV.
Les années 1730 représentent la hauteur du développement rococo en France. Le style se était propagé au-delà de l'architecture et du mobilier à la peinture et de la sculpture, illustré par les œuvres de Antoine Watteau et François Boucher. Rococo toujours maintenu le goût baroque pour les formes complexes et des motifs complexes, mais en ce moment, il avait commencé à intégrer une variété de diverses caractéristiques, y compris un goût pour des motifs orientaux et compositions asymétriques.
Le style rococo propage avec des artistes français et publications gravés. Il a été facilement reçu dans les régions catholiques de l'Allemagne , Bohême et en Autriche , où il a été fusionné avec les traditions baroques allemands animés. Rococo allemand a été appliquée avec enthousiasme à des églises et des palais, en particulier dans le sud, tandis que Rococo frédéricien développé dans le Royaume de Prusse. Architectes souvent drapés leurs intérieurs dans les nuages de stuc blanc moelleux. En Italie , la fin des styles baroques Borromini et Guarini a donné le ton pour rococo à Turin, Venise, Naples et la Sicile, tandis que les arts de la Toscane et Rome sont restées plus attachés à baroque.
Rococo en Angleterre a toujours été considéré comme le «goût français». Les stylings architecture n'a jamais pris, mais argenterie, la porcelaine, et les soies ont été fortement influencés par le style continental. Thomas Chippendale transformé Anglais design de meubles grâce à son adaptation et le raffinement du style. William Hogarth a aidé à développer une base théorique pour rococo beauté. Bien que non référencement volontairement le mouvement, il a fait valoir dans son analyse de la beauté (1753) que les lignes ondulées et courbes en S éminents Rococo étaient la base pour la grâce et la beauté dans l'art ou la nature (contrairement à la ligne droite ou le cercle Classicisme). Le développement de rococo en Angleterre est considéré comme ayant été liée à la regain d'intérêt Architecture gothique au début du 18ème siècle.
Le début de la fin pour rococo est venu au début des années 1760 que des figures comme Voltaire et Jacques-François Blondel a commencé à exprimer leur critique de la superficialité et de la dégénérescence de l'art. Blondel a dénoncé le «fatras ridicule de coquillages, dragons, des roseaux, des palmiers et des plantes" dans les intérieurs contemporains . En 1785, Rococo avait passé de mode en France, remplacé par l'ordre et la gravité des artistes néoclassiques comme Jacques Louis David. En Allemagne, fin du 18e siècle a été rococo riduculed que Zopf und Perücke («queue de cochon et perruque"), et cette phase est parfois appelé Zopfstil. Rococo est resté populaire dans les provinces et en Italie, jusqu'à ce que la deuxième phase du néoclassicisme, " style Empire, "est arrivé avec les gouvernements napoléoniennes et a balayé rococo loin.
Il y avait un regain d'intérêt dans le style rococo entre 1820 et 1870. Les Anglais étaient parmi les premiers à relancer le «style Louis XIV», comme il a été improprement au premier abord, et payé des prix gonflés pour la deuxième main Rococo produits de luxe qui ne pouvait guère être vendu à Paris. Mais les artistes de premier plan comme Delacroix et les clients comme Impératrice Eugénie aussi redécouvert la valeur de grâce et d'enjouement dans l'art et le design.
Rococo dans différents modes artistiques
Meubles et objets décoratifs
Les thèmes gaies et dessins complexes de rococo odeur se présentent mieux sur une plus petite échelle que l'architecture baroque imposante et la sculpture. Il ne est pas surprenant, alors, que l'art rococo français était à la maison à l'intérieur. Ferronnerie, figurines en porcelaine, fioritures et en particulier de meubles ont augmenté à nouveau la prééminence que les classes supérieures françaises ont cherché à équiper leurs maisons dans le style à la mode.
Style rococo prenait plaisir à l'asymétrie, un goût qui était nouveau pour style européen. Cette pratique de laisser éléments asymétrique pour effet est appelé contraste.
Dans une conception à part entière rococo, comme le tableau d'appartement (ca. 1730), par le designer allemand juge Meissonnier, travaillant à Paris (illustration ci-dessous), toute référence à la forme tectonique est parti: même le sommet de la plaque de marbre est en forme . Tablier, jambes, civière ont tous été parfaitement intégré dans un flux de c-rouleaux opposés et «rocaille». Le noeud (noeud) de la civière montre le "contraste" asymétrique qui était une innovation rococo.
Pour les petites figurines en plastique de gypse , argile , biscuit, porcelaine ( Sèvres, Meissen), Rococo ne est pas inadapté; en bois, le fer et le métal royale, il a créé des œuvres de grande valeur. Cependant, confessionnaux, chaires, autels, et même des façades conduisent de plus en plus dans le territoire de l'architectonique, qui ne combinent pas facilement avec les courbes de rococo, la lumière et la petite, avec des formes dont où et pourquoi l'enquête de chicane.
Dynasties de ébénistes parisiens, certains d'entre eux d'origine allemande, a développé un style de surfaces courbes en trois dimensions (bombé), où Placages appareillés ( marqueterie étant temporairement dans éclipse) ou vernis Martin vernissage a été complétée par effort bronze doré («bronze doré») monte: Antoine Gaudreau, Charles Cressent, Jean-Pierre Latz, François Oeben, Bernard van Risenbergh II sont les noms en circulation.
Designers français comme François de Cuvilliés, Nicolas Pineau et Bartolomeo Rastrelli exporté styles parisiens en personne pour Munich et Saint-Pétersbourg , tandis que l'allemand Juste-Aurèle Meissonnier trouvé sa carrière à Paris. Les esprits directeurs du rococo parisien étaient un petit groupe de marchands merciers, les précurseurs de décorateurs modernes, dirigés par Simon-Philippenis Poirier.
En France le style est resté un peu plus réservé, depuis les ornements étaient pour la plupart en bois, ou, après la mode de la sculpture sur bois, moins robuste et naturaliste et moins exubérante dans le mélange de naturel avec des formes artificielles de toutes sortes (motifs, par exemple végétales, représentations stalactites, grotesques, masques, instruments de diverses professions, des badges, des peintures, des pierres précieuses).
Anglais rococo avait tendance à être plus sobre. Les créations de meubles de Thomas Chippendale gardé les courbes et se sentent, mais se arrêtaient des hauteurs français de fantaisie. Le représentant le plus de succès de l'anglais rococo était probablement Thomas Johnson, un sculpteur et designer de meubles doués travaillant à Londres dans les milieu des années 1700.
Architecture D'Intérieur
Solitude Palace à Stuttgart et Palais de Chine en Oranienbaum, le Église bavaroise de Wies et Sanssouci à Potsdam sont des exemples de la façon dont rococo fait son chemin dans l'architecture européenne.
Dans ces contextes où Continental rococo est en plein contrôle, sportive, fantastique, et les formes sculptées sont exprimées avec ornement abstrait en utilisant flammes, feuilles ou textures en forme de coquille de balayages et fioritures asymétriques et courbes brisées; intérieurs rococo intimes suppriment divisions architectoniques de architrave, frise et la corniche du pittoresque, les curieux et le fantasque, exprimés en matières plastiques comme le bois sculpté et surtout stucco (comme dans le travail de la Ecole Wessobrunner). Murs, plafonds, des meubles et des œuvres de métal et porcelaine présente un ensemble unifié. La palette rococo est plus doux et plus pâle que les riches couleurs primaires et les tonalités sombres favorisées des goûts baroques.
Quelques conseils anti-architecture évolué rapidement dans rococo à part entière à la fin des années 1720 et a commencé à affecter intérieurs et arts décoratifs à travers l'Europe. Les formes les plus riches de l'allemand Rococo sont en Allemagne catholique (illustration ci-dessus).
Plâtres de style rococo par artistes immigrants italo-suisses comme Bagutti et Artari est une caractéristique de maisons par James Gibbs, et Franchini frères travaillant en Irlande égalé tout ce qui a été tenté en Angleterre.
Inauguré dans certaines chambres à Versailles, il déploie sa magnificence dans plusieurs immeubles parisiens (en particulier le Hôtel Soubise). En Allemagne, en français et artistes allemands ( Cuvilliés, Neumann, Knobelsdorff, etc.) effectuée l'équipement digne de la Amalienburg près de Munich , et les châteaux de Würzburg, Potsdam, Charlottenburg, Brühl, Bruchsal, Solitude ( Stuttgart ), et Schönbrunn.
En Angleterre, l'un des Hogarth l'ensemble de 'de peintures formant un conte moral mélodramatique intitulé Mariage à la Mode, gravé en 1745, montre les chambres de parade d'une maison de Londres élégant, dans lequel la seule rococo est en plâtre du plafond du salon. palladien l'architecture est en contrôle. Ici, sur la Manteau kentiste, la foule de vases et de mandarins chinois sont rendus satirique comme de petits monstres hideux, et l'horloge murale rococo est un fouillis de branches feuillues.
Peinture
Bien rococo origine dans les arts purement décoratifs, le style a clairement montré dans la peinture. Ces peintres utilisés couleurs délicates et les formes courbes, la décoration de leurs toiles d'angelots et mythes de l'amour. Portraiture était également populaire parmi les peintres rococo. Certains travaux montrent une sorte de malice ou de l'impureté dans le comportement de leurs sujets, montrant la tendance historique de départ loin de l'orientation église / de l'Etat de l'époque baroque. Paysages étaient souvent représentés pastorale et les sorties tranquilles de couples aristocratiques.
Jean-Antoine Watteau (1684-1721) est généralement considéré comme le premier grand peintre rococo. Il a eu une grande influence sur les peintres plus tard, y compris François Boucher (1703-1770) et Jean-Honouré Fragonard (1732-1806), deux maîtres de la fin de la période. Même Thomas Gainsborough s '(1727-1788) touche délicate et la sensibilité sont le reflet de l'esprit rococo.
Sculpture
Sculpture est un autre domaine que les artistes rococo ramifiés en. Étienne-Maurice Falconet (1716-1791) est largement considéré comme l'un des meilleurs représentants du rococo français. En général, ce style a été mieux exprimée par le biais délicate sculpture en porcelaine plutôt que d'imposer des statues de marbre. Falconet se était directeur d'une usine de porcelaine célèbre à Sèvres. Les thèmes de l'amour et de gaieté se sont reflétées dans la sculpture, tout comme les éléments de la nature, lignes courbes et asymétrie.
Le sculpteur Bouchardon représenté Cupidon engagé à se tailler ses dards d'amour du club de Hercules; ce est un excellent symbole de la rococo style du demi-dieu est transformé en l'enfant doux, le club os devient bouleversant les flèches de coeur cinglante, tout comme marbre est si librement remplacé par stuc. À cet égard, les sculpteurs français, Robert le Lorrain, Michel Clodion, et Pigalle peut être mentionné en passant.
Musique
Le Galante style était l'équivalent de rococo histoire de la musique, aussi, entre baroque et classique, et il ne est pas facile de définir en mots. Le style de musique rococo se est développée à partir de la musique baroque, en particulier en France. Il peut être caractérisée comme la musique intime avec des formes de décoration extrêmement raffinés. Exemples comprennent Jean Philippe Rameau et Louis-Claude Daquin.
La peinture de Boucher (ci-dessus) donne un aperçu de la société qui reflète rococo. "Courtois" serait prétentieux dans ce cercle bourgeois supérieur, mais le geste de l'homme est galant. L'intérieur, élégant mais confortable, l'intimité décente informelle des mœurs des gens, les curieux et délicieux détails partout on tourne l'œil, le luxe de chocolat sirotant: tous sont «galante».
Rococo "mondanité" et l'Eglise catholique romaine
Une vision critique de l'inadaptation de rococo dans des contextes ecclésiastiques a été repris par la Catholic Encyclopedia:
| " | Pour l'église style rococo peut être, de manière générale, par rapport à la musique d'église mondaine. Son manque de simplicité, sincérité, et le repos est évidente, tandis que son artificialité gênant, non naturel, et trivialité ont un effet de distraction. Sa douceur et joliesse même ne deviennent pas la maison de Dieu. Cependant, dépouillé de ses excroissances les plus graves, il peut avoir été moins gênant lors de son époque appropriée, car il alors harmonisée avec l'esprit de l'âge. Comme un développement de baroque, on trouvera une décoration congrue pour les églises baroques. En général, il fait une grande différence si le style est utilisé avec modération dans la plus fine et la forme plus ingénieux des maîtres français, ou est poussée à l'extrême avec la cohérence de l'allemand. Les artistes français semblent jamais avoir considéré la beauté de l'ensemble de la composition que l'objet principal, tandis que l'Allemand mis plus l'accent sur la vigueur gras des lignes; Ainsi, le manque de symétrie n'a jamais été si exagérée dans les œuvres de l'ancien. Dans l'église rococo peut parfois avoir le charme de joliesse et peuvent plaire par sa technique ingénieuse, à condition que les objets soient petites et subordonné: un crédence avec burettes et la plaque, un vase, un bureau de chœur, des lampes, stylos, clés et serrure, rampes ou balustrade, ne conteste pas trop hardiment l'œil, et de remplir toutes les exigences de la simple beauté de la forme. Rococo est en effet vraiment vide, seul un jeu agréable de la fantaisie. Dans la sacristie (pour les presses, etc.) et les chambres ante il est plus approprié que dans l'église elle-même, au moins autant que son emploi dans endroits bien en vue est concerné. Les accords de style rococo très malades avec le bureau de la solennelle ostensoir, le tabernacle, et de la autel, et même de la chaire. Le naturalisme de certains belges chaires, malgré ou peut-être en raison de leur caractère artistique, a le même effet comme l'ont créations rococo franc-parler. Le but de la confessionnelle et la baptistère semblerait également d'exiger des formes plus sérieuses. Dans le cas des objets plus grands, la sculpture des formes rococo soit semble assez, ou, si cette joliesse être évitée, ressemble baroque. Les fantasmes de ce style se accordent mal avec les hautes murailles et de larges de l'église. Cependant, tout doit être décidé en fonction de l'objet et les circonstances; les stalles de la cathédrale de Mayence susciter non seulement notre approbation, mais aussi notre admiration, tandis que l'autel privilégié célèbre de Vierzehnheiligen nous deux repousse par ses formes et sa décoration en plastique. Il ya certaines calices rococo (comme ça au monastère de Einsiedeln) qui sont, pour ainsi dire, paré de gamme festive choix; il existe d'autres, qui sont plus ou moins déformée en raison de leurs courbes ou chiffres exorbités. Lustres et lampes peuvent aussi être défigurés par rocaille gênant ou veulent de toute symétrie, ou peuvent au milieu de grandes décoratif être maintenus dans des limites raisonnables. La matière et la technique sont également des conséquences dans rococo. Tissés, sculptures sur bois, et travaille à plâtre de Paris sont évidemment moins gênante que les œuvres dans d'autres matériaux, quand ils emploient la sportive rococo. Fer (en particulier dans les balustrades) et bronze perdre leur froideur et la dureté, lorsque animée par le style rococo; dans le cas de ce dernier, dorure peut être utilisé avec avantage. Dorure et peinture appartiennent aux moyens réguliers à travers lequel ce style, dans certaines circonstances, enchante l'œil et de la fantaisie. Tout bien considéré, on peut dire du style rococo que n'a pas été dit de manière déraisonnable du baroque et de la Renaissance qu'il est très apte à introduire un esprit mondain dans l'église, même si nous négligeons les accessoires figuratives, qui sont fréquemment dans aucune façon conduire à des sentiments de dévotion, et sont incompatibles avec la sobriété et la grandeur de l'architecture et de la gravité des fonctions sacrées. |
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