Música popular americana

Música popular estadounidense tuvo un profundo efecto sobre la música en todo el mundo. El país se ha visto el surgimiento de los estilos populares que han tenido una influencia significativa en la cultura global, incluyendo el ragtime , blues, jazz , rock, R & B , doo wop, evangelio, alma, funk, metal pesado, punky, discoteca, casa, techno, salsa , grunge y hip hop. Además, la industria de la música americana es muy diversa, el apoyo a una serie de estilos regionales como zydeco, klezmer y slack-key. El atractivo de estos estilos se encuentra en sus ágiles, ritmos enérgicos, su atractivo líneas vocales, y en muchos casos sus asociaciones simbólicas con la difícil situación de los más desfavorecidos.

Estilos distintivos de la música popular americana surgieron a principios del siglo 19, y en el siglo 20 la American industria de la música se desarrolló una serie de nuevas formas de música, utilizando elementos de blues y otros géneros de la La música popular americana. Estos estilos populares disponibles country, R & B, el jazz y el rock. La década de 1960 y 70 vieron una serie de cambios importantes de la música popular americana, incluyendo el desarrollo de una serie de nuevos estilos, incluyendo metales pesados, punky, soul y hip hop. Aunque estos estilos no fueron populares en el sentido de la corriente principal, que se grabaron comercialmente y por tanto son ejemplos de música popular en oposición a la gente o música clásica.

Canción popular Temprana

El primer gran compositor de música popular americana, Stephen Foster.

Las primeras canciones que podrían ser considerados música popular estadounidense, en contraposición a la música popular de una región o grupo étnico en particular, eran sentimental canciones de salón de Stephen Foster y sus compañeros, y canciones pensadas para su uso en espectáculos de juglares , producciones teatrales que ofrecieron canto, baile y actuaciones cómicas. Las demostraciones de trovador utiliza generalmente Instrumentos africanos y baile, y destacados intérpretes con sus rostros ennegrecidos, una técnica llamada Blackface . A mediados del siglo 19, las empresas de turismo habían tomado esta música no sólo a todos los rincones de los Estados Unidos, sino también a Inglaterra, Europa Occidental, e incluso a África y Asia. Minstrel shows fueron en general anuncian como si la música de los espectáculos era en un Estilo afroamericano, aunque a menudo esto no era cierto.

Cubierta de la partitura para " Dandy Jim de Caroline "por Dan Emmett, Londres, c. 1844.

Los negros habían tomado parte en la cultura popular estadounidense antes de la época de la Guerra Civil, al menos que se remonta a la África Grove Theatre de Nueva York en la década de 1820 y la publicación de la primera música de un compositor negro, Francis Johnson, en 1818. Sin embargo, todavía se produjo estos hitos importantes en su totalidad dentro de las convenciones de la música europea. La primera canción del trovador extremadamente popular fue " Saltar Jim Crow "por Thomas "papá" Arroz, que se realizó por primera vez en 1832 y fue una sensación en Londres cuando Arroz realizó allí en 1836. El arroz utiliza un baile que copió de un mozo de cuadra con una melodía adoptado de un irlandés plantilla. Los elementos africanos incluían el uso del banjo , que se cree que deriva de instrumentos de cuerda de África Occidental, y ritmos acentuados y aditivos. Muchas de las canciones de los espectáculos de juglares todavía son recordados hoy en día, sobre todo los de Daniel Emmett y Stephen Foster, siendo este último, de acuerdo con David Ewen, "primer compositor importante de Estados Unidos, y uno de los escritores destacados del mundo de las canciones" . Canciones de Foster eran típicos de la era trovador en su sentimentalismo descarada, y en su aceptación de la esclavitud. Sin embargo, Foster hizo más que la mayoría de los compositores de la época de humanizar a los negros que compuso sobre, por ejemplo en "Nelly Was a Lady", una canción melancólica lastimero de un hombre negro de luto por la pérdida de su esposa.

El espectáculo juglar marcó el comienzo de una larga tradición de la música afroamericana siendo apropiado para audiencias populares, y fue la primera forma típicamente americano de música para encontrar la aclamación internacional, en el siglo de mid-19th. Como Donald Clarke ha señalado, las demostraciones de trovador contenía "música esencialmente negro, mientras que los actos más exitosos eran blancos, por lo que las canciones y danzas de origen negro fueron imitados por los artistas blancos y luego absorbidos por artistas negros, que por lo tanto, en cierta medida acabaron imitando a sí mismos ". Clarke atribuye el uso de la cara pintada de negro a un deseo de los americanos blancos para glorificar la existencia brutal de ambos negros libres y esclavos, representándolos como individuos felices y despreocupados, que mejor se adapten a la vida de plantación y el rendimiento de canciones sencillas, alegres que fácilmente apelaban a blanco audiencias.

Minstrel shows Blackface siguieron siendo populares durante la última parte del siglo 19, sólo muriendo poco a poco cerca del principio del siglo 20. Durante ese tiempo, una forma de teatro suntuoso y elaborado llamado espectáculo surgió, a partir de Charles M. Barras ' El Crook Negro . Extravaganzas fueron criticados por los periódicos y iglesias del día porque se consideraron los espectáculos excitante sexual, con mujeres cantando canciones obscenas vestidos de casi transparente. David Ewen describe esto como el comienzo de las "carreras largas y activas en la explotación sexual" del teatro musical americano y la canción popular . Más tarde, extravaganzas tomaron elementos de representaciones burlescas, que eran satírica y producciones paródicas que eran muy populares a finales del siglo 19 .

Al igual que la extravagancia y el burlesque, el espectáculo de variedades fue una producción cómica y procaz, popular desde la mitad hasta el final del siglo 19, momento en el que se había convertido en vodevil. Esta forma fue innovado por los productores como De Tony Pastor que intentó animar a las mujeres y los niños a asistir a sus espectáculos; eran reticentes porque el teatro había sido durante mucho tiempo el dominio de una multitud áspero y desordenado . A principios del siglo 20, el vodevil era un entretenimiento respetado a las mujeres y niños, y cantautores como Gus Edwards escribió canciones que eran populares en todo el país . Los espectáculos de variedades más populares eran, como el Ziegfeld Follies, una serie de canciones y parodias que tuvo un profundo efecto en el desarrollo posterior de Broadway teatro musical y las canciones de Tin Pan Alley.

	"Old Folks at Home" Canciones de juglares populares, como ésta por Stephen Foster, formaron parte del repertorio de las bandas de los campamentos durante la Guerra Civil. Este rendimiento es por la guerra civil re-enactors, la Segundo Sur Carolina String Band.
¿Problemas al reproducir este archivo? Ver ayuda de medios.

Tin Pan Alley

Tin Pan Alley era una zona llamada Union Square en Nueva York, que se convirtió en el principal centro de la edición musical a mediados de la década de 1890. Los compositores de esta época escribieron canciones fórmulas, muchas de ellas baladas sentimentales . Durante esta época, un sentido de conciencia nacional estaba en desarrollo, como los Estados Unidos se convirtió en una potencia mundial formidable, sobre todo después de la Guerra Española-Americana. El aumento de la disponibilidad y la eficiencia de los ferrocarriles y el servicio postal ayudaron a difundir ideas, incluyendo canciones populares.

Algunos de los editores más notables de Tin Pan Alley incluido Willis Woodward, el Casa Witmark de la edición, Charles K. Harris, y Edward B. Marks and Joseph W. Stern. Stern y marcas estaban entre los compositores de Tin Pan Alley más conocidos; comenzaron a escribir juntos como amateurs en 1894 . Además de los convencionales, baladas populares y otras canciones de corte limpio, algunos editores de Tin Pan Alley se centraron en bruto y subidas de tono. Canciones Coon eran otra parte importante de Tin Pan Alley, derivado de las canciones suavizada de la serie juglar con el "entusiasmo y la electricidad" interpuesto por la "asimilación del ritmo ragtime" . La primera canción coon popular fue "Nueva Coon en la ciudad", introducido en 1883, y seguido por una ola de gritones coon como Ernest Hogan y May Irwin .

Broadway

El siglo 20 también vio el crecimiento de Broadway, un grupo de salas especializadas en musicales. Broadway se convirtió en uno de los lugares preeminentes de teatro musical en el mundo, y produce un conjunto de canciones que llevaron Donald Clarke llamar la era, la era dorada de la composición. La necesidad de adaptar canciones agradables de las limitaciones de un teatro y una parcela habilitada y animó a un crecimiento en la composición de canciones y el surgimiento de compositores como George Gershwin, Vicente Youmans, Irving Berlin y Jerome Kern .

Óperas extranjeras eran populares entre la clase alta a lo largo del siglo 19, mientras que otros estilos de teatro musical incluido operetas, óperas de balada y la ópera bufa. Las operetas inglesas de Gilbert y Sullivan fueron particularmente popular, mientras que las composiciones estadounidenses tuvieron problemas para encontrar una audiencia. George M. Cohan fue el primer notable compositor estadounidense de teatro musical, y el primero en alejarse de la opereta, y también es notable por el uso de la lengua de la lengua vernácula en su obra. A principios del siglo 20, sin embargo, dramaturgos negros, compositores y músicos estaban teniendo un profundo efecto en el teatro musical, comenzando con las obras de Will Marion Cook, James Reese Europa y James P. Johnson; el primer gran éxito musical negro era Arrastrar los pies en 1921.

Operetas importados y producciones nacionales por tanto blancos como Cohan y los negros como Cook, Europa y Johnson todos tenían una influencia formativa en Broadway. Compositores como Gershwin, Porter y Kern hizo teatro musical de comedia en un pasatiempo nacional, con una sensación de que era típicamente americano y no depende de los modelos europeos. La mayoría de estas personas eran judíos, con Cole Porter la única excepción importante; que eran los descendientes de los inmigrantes del siglo 19 que huían de la persecución en el Imperio ruso , se establecieron más influyente en diversos barrios de la ciudad de Nueva York. Muchos de los primeros musicales fueron influenciados por la música negro, que muestra elementos de jazz temprano, como En Dahomey; los compositores judíos de estas obras pueden haber visto conexiones entre el negro tradicional notas azules y su propia gente Música judía.

Canciones de Broadway se registraron alrededor de la vuelta del siglo, pero no llegó a ser muy popular fuera de su contexto teatral hasta mucho más tarde. Jerome Kern "No creían Me" fue una de las primeras canciones que se hizo a nivel nacional popular. Innovaciones posteriores de Kern incluyen una parcela más creíble que las historias más bien sin forma construidos alrededor de las canciones de trabajos anteriores, a partir de Boat Show en 1927. George Gershwin fue quizá el compositor más influyente en Broadway, comenzando con "Swanee" en 1919 y más tarde trabaja por el jazz y orquestas. Su composición más perdurable puede ser la ópera Porgy and Bess , una historia sobre dos negros, que Gershwin pretende ser una especie de "ópera popular", una creación de un nuevo estilo de teatro musical americano basado en idiomas americanos.

Rag-time

Ragtime fue un estilo de música de baile basa alrededor del piano, utilizando ritmos sincopados y cromatismos ; más conocido intérprete y compositor del género fue, sin duda, Scott Joplin. Los ritmos irregulares de ragtime se documentan al menos ya en 1886, en Congo Square en Nueva Orleans, donde las danzas del Caribe y de África mezclan en fiestas salvajes. Autor Gunther Schuller ve ragtime como una mezcla de elementos africanos con el modelo 4.2 de marchas europeas , Mientras que otros apuntan a la importancia de plantillas y otros estilos de baile entre la música de las grandes bandas afroamericanas en muchas ciudades del norte durante el final del siglo 19. Donald Clarke considera ragtime la culminación de canciones coon, utilizados por primera vez en espectáculos de juglares y después vodevil, y el resultado de los ritmos de la juglaría se filtra en la corriente principal; también sugiere que el sonido distintivo de ragtime puede haber venido de un intento de imitar el banjo afroamericano usando el teclado .

Debido a la naturaleza esencialmente afroamericano de ragtime, que es más comúnmente considerado como el primer estilo de la música popular americana de ser una música totalmente negro; sin duda, también fue fuertemente influenciada por elementos europeos, pero ragtime trajo síncopa y un sonido negro más auténtico de la música popular. Canciones populares ragtime fueron anotadas y se venden como partituras, pero el estilo general se jugó de manera más informal en todo el país; estos actores aficionados jugaron una forma más fluida de ragtime que con el tiempo se convirtió en una importante influencia formativa en el jazz .

Temprano grabado la música popular

Thomas Edison invento 's del cilindro fonográfico inició el nacimiento de la música grabada. El primer cilindro para ser lanzado fue " Semper Fidelis "por la Banda de la Marina de Estados Unidos. Al principio, los cilindros fueron puestos en libertad con moderación, pero a medida que sus ventas crecieron más rentable, distribución aumentaron. Estas canciones grabadas a principios eran una mezcla de vodevil, cuartetos de barbería, marchas, ópera, canciones de la novedad, y otras canciones populares. Muchas normas populares, como "Los buenos viejos Summertime", "Shine on Harvest Moon", y "Over There" provienen de este tiempo. También hubo algunos golpes tempranos en el campo del jazz, comenzando por el 1.917 grabaciones de Original Dixieland Jazz Band, y seguidas por Creole Jazz Band de King Oliver, quien jugó en un estilo de jazz de Nueva Orleans más auténtico.

Azules habían sido alrededor de un largo tiempo antes de que se convirtió en una parte de la primera explosión de grabado música popular en la historia de América. Esto se produjo en la década de 1920, cuando Blues clásico femenino cantantes como Ma Rainey, Bessie Smith y Mamie Smith creció muy popular; el primer éxito de este campo era Mamie Smith "Crazy Blues". Estos cantantes de blues urbano cambiaron la idea de la música popular de ser canciones sencillas que podrían ser fácilmente realizadas por cualquier persona para obras asociadas principalmente con un cantante individual. Intérpretes como Sophie Tucker, conocido por "uno de estos días", se asoció estrechamente con sus éxitos, haciendo sus interpretaciones individuales tan importantes como la propia canción.

Al mismo tiempo, las compañías discográficas como Paramount Records OKeh Registros lanzó el campo de la música de raza, que era sobre todo azules destinados a audiencias afroamericanas. El más famoso de estos actos pasó a inspirar géneros gran parte de la popular urbanización posterior de los blues y el blues-derivados, incluyendo Charley Patton, Lonnie Johnson y Robert Johnson.

Jazz Popular (1920-1935) y el swing (1935-1947)

Jazz es un tipo de música que se caracteriza por notas azules, síncopa, swing, llamada y respuesta, polirritmia, y improvisación. Aunque originalmente una especie de la música de baile, el jazz ha sido ahora "considerado durante mucho tiempo un tipo de música popular o vernácula (y también) se convierten en una forma de arte sofisticado que ha interactuado de manera significativa con la música de la sala de conciertos " . Desarrollo de Jazz ocurrió alrededor del mismo tiempo que el ragtime moderna, el blues, el gospel y la música country, todo lo cual puede ser visto como parte de un continuo sin demarcación clara entre ellos; jazz específicamente estaba más estrechamente relacionado con el ragtime, con el que se distinguía por el uso de la más intrincada improvisación rítmica, a menudo colocando notas lejos del ritmo implícito. Las bandas de jazz más antiguos adoptaron gran parte del vocabulario del blues, incluyendo notas dobladas y azules y "gruñidos" instrumentales y manchas.

Paul Whiteman fue el líder de la banda más popular de la década de 1920, y reclamó para sí el título de "El Rey del Jazz". A pesar de su contratación Bix Beiderbecke y muchos de los otros mejores músicos de jazz blancos de la época, las generaciones posteriores de los amantes del Jazz a menudo han juzgado la música de Whiteman tener poco que ver con el verdadero jazz. Sin embargo, su noción de combinar jazz con orquestaciones elaborados ha sido devuelto a repetidamente por los compositores y arreglistas de las décadas posteriores.

Whiteman encargó "Rhapsody in Blue" de Gershwin, que se estrenó por la orquesta de Whiteman. Banda de Ted Lewis fue superado sólo por el Paul Whiteman en popularidad durante la década de 1920, y podría decirse que jugó más real jazz con menos pretensión de Whiteman, especialmente en sus grabaciones de finales de 1920. Algunas de las otras bandas "jazz" de la década incluidas las de: Harry Reser, Leo Reisman, Abe Lyman, Nat Shilkret, George Olsen, Ben Bernie, Bob Haring, Ben Selvin, Earl Burtnett, Gus Arnheim, Rudy Vallee, Jean Goldkette, Isham Jones, Roger Wolfe Kahn, Sam Lanin, Vicente López, Ben Pollack y Fred Waring.

En la década de 1920, la música interpretada por estos artistas fue muy popular entre el público y por lo general fue etiquetado como el jazz. Hoy, sin embargo, esta música se desacreditó y etiquetado como "música dulce" por los puristas del jazz. La música que la gente considera hoy en día como "jazz" tendía a ser desempeñado por las minorías. En la década de 1920 y principios de 1930, sin embargo, la mayoría de la gente escuchó lo que hoy llamaríamos "música dulce" y el jazz de hardcore se categorizó como "música caliente" o "música racial".

En 1935, música swing se hizo popular con el público y rápidamente reemplazado jazz como el tipo más popular de la música (aunque su era cierta resistencia a que en un primer momento). Música swing se caracteriza por una sección rítmica fuerte, por lo general consiste en un contrabajo y batería, tocando en un medio a rápido tempo y dispositivos rítmicos como el nota balanceada. Swing es principalmente una especie de 1930 jazz fusionado con elementos del blues y la sensibilidad pop de Tin Pan Alley . Columpio utilizado bandas más grandes que otras clases de jazz tenían y fue encabezado por los directores de orquesta que bien dispuestas material, desalentando la improvisación que había sido una parte integral de jazz. David Clarke llama oscilación del primer "estilo jazz-orientado (sea) en el centro de la música popular ... en lugar de simplemente dándole columna vertebral" . A finales de la década de 1930, los vocalistas se hicieron más y más prominente, con el tiempo de tomar el centro del escenario después de la Federación Americana de Músicos huelga, lo que hizo la grabación con una gran banda prohibitivamente caro . Oscilación llegó a ser acompañado por un baile popular llamado baile swing, que era muy popular en los Estados Unidos, entre ambas audiencias en blanco y negro, especialmente los jóvenes.

	"Jumpin 'en el Woodside" Esto es por Count Basie y su orquesta, una canción popular de oscilación por una leyenda del jazz.
¿Problemas al reproducir este archivo? Ver ayuda de medios.

Diversificación de Blues y popularización

Además de la popular música de jazz y swing escuchadas por la sociedad estadounidense, había una serie de otros géneros que eran populares entre ciertos grupos de personas, por ejemplo, las minorías o los públicos rurales. A partir de la década de 1920 y acelerar en gran medida en la década de 1940, el blues comenzó a diversificar rápidamente en un amplio espectro de nuevos estilos. Estos incluyen un estilo llamado uptempo, enérgico rhythm and blues (R & B), una fusión de blues y anglo-celta canción llamada música country y la fusión de himnos y spirituals con azules estructuras llamadas música gospel. Después de estos otros estilos, en la década de 1940, un blues, R & B y fusión país finalmente llamaron rock and rollo desarrollado, con el tiempo llegar a dominar popular estadounidense a principios de la década de 1960.

La música country es principalmente una fusión de blues estadounidense africanos y espirituales con Música folk de los Apalaches, adaptado para las audiencias pop y popularizó a partir de la década de 1920. De particular importancia fue irlandesa y escocesa canciones, música de baile, baladas y estilos vocales, así como Nativo Americano, Español, Alemán, Francés y Música mexicana. La instrumentación de campo a primera giró en torno a la deriva europea violín y la proveniente de África banjo , la guitarra añadió más tarde. Orquestación País utilizó elementos africanos como un formato de pregunta-respuesta, la música improvisada y ritmos sincopados. Más tarde aún, los instrumentos de cuerda como el ukelele y guitarra de acero se convirtió en lugar común debido a la popularidad de Música hawaiana en el siglo 20 y la influencia de músicos como Sol y Hoopii Lani McIntyre. . Las raíces de la música country moderna generalmente se remontan a 1927, cuando el caza talentos de la música Ralph Peer registrado Jimmie Rodgers y La familia Carter. Sus grabaciones se consideran las bases de la música country moderna. Había habido música popular antes de 1927 que podría ser considerado país, pero, como Ace Collins señala, estas grabaciones tenían "sólo marginal y muy inconsistente" efectos en los mercados nacionales de música, y sólo eran superficialmente similar a lo que entonces era conocido como música hillbilly . Además de Rodgers y los Carter, un músico llamado Bob Wills fue un artista precoz influyente conocido por un estilo llamado Oscilación occidental, que era muy popular en la década de 1920 y 30 años, y fue responsable de traer una influencia prominente jazz a la música country.

Rhythm and blues (R & B) es un estilo que surgió en los años 1930 y '40, una forma rítmica y uptempo de blues con la instrumentación más compleja. Autor Amiri Baraka describe temprano R & B como "unidades de ritmo enormes rompiendo lejos detrás gritando cantantes de blues (que) tenían que gritar para hacerse oír por encima del estruendo y el rasgueo de los diversos instrumentos electrificados y las secciones de ritmo batiendo . R & B se registró durante este período, pero no mucho y no ha sido ampliamente promovida por las compañías discográficas, que consideraron que no era adecuado para la mayoría de los públicos, especialmente los blancos de clase media, a causa de las letras sugerentes y ritmos de conducción . Directores de orquesta como Louis Jordan innovaron el sonido de principios de R & B. Banda de Jordan aparece una sección pequeña bocina e instrumentación ritmo prominente y canciones utilizadas con temas líricos de blues. A finales de la década de 1940, se había producido diecinueve grandes éxitos, y ayudó a allanar el camino para los contemporáneos como Wynonie Harris, John Lee Hooker y Roy Milton.

Espirituales cristianas y azules rural música fueron el origen de lo que hoy se conoce como la música gospel. A partir de alrededor de los años 1920, las iglesias afroamericanas ofrecieron evangelio precoz en la forma de fieles que proclaman su devoción religiosa (testimonio) de manera improvisada, a menudo musical. Evangelio moderna comenzó con el trabajo de compositores, lo más importante Thomas A. Dorsey, quien "(compuesta) canciones basadas en los espirituales familiares e himnos, fusionado con el blues y ritmos de jazz" . A partir de estas iglesias de principios del siglo 20, la música gospel se extendió por todo el país. Se mantuvo asociado casi exclusivamente con las iglesias afroamericanas, y por lo general aparece un coro junto con uno o más solistas virtuosos.

Rock and roll es un tipo de música popular, desarrollado principalmente de country, blues y R & B. Fácilmente el único estilo más popular de la música en todo el mundo, de roca orígenes exactos y desarrollo de la primera han sido objeto de acalorados debates. El historiador musical Robert Palmer ha señalado que las influencias del estilo son muy diversas, e incluyen la Afro-Caribe " Bo Diddley beat ", elementos de la" banda de swing grande "y La música latina como la cubana hijo y " Ritmos mexicanos " . Otro autor, George Lipsitz afirma que el rock surgió en las zonas urbanas de los Estados Unidos, donde formaron un "políglota, la cultura de la clase trabajadora (donde los significados sociales) transmitieron previamente en el aislamiento de blues, country, polca, zydeco y latinos músicas encontraron nueva expresión, ya que mezclan en un ambiente urbano " .

1950 y 60

La mitad del siglo 20 vio una serie de cambios muy importantes de la música popular americana. El campo de la música pop desarrolló enormemente durante este período, ya que el precio cada vez más bajo de la música grabada estimuló la demanda y mayores beneficios para la industria discográfica. Como resultado, la música comercialización se hizo más y más prominente, lo que resulta en una serie de principales estrellas del pop cuya popularidad era previamente desconocida. Muchas de las primeras estrellas eran crooners italo-americanos como Dean Martin, Rudy Vallee, Tony Bennett, Perry Como, Frankie Laine y, lo más famoso, el "primer vocalista pop para engendrar la histeria entre sus fans" Frank Sinatra. La era moderna de la estrella del pop adolescente, sin embargo, se inició en la década de 1960. Grupos Bubblegum pop como The Monkees fueron escogidos por completo por su apariencia y capacidad de vender discos, sin tener en cuenta la habilidad musical. El mismo período, sin embargo, también vio el surgimiento de nuevas formas de música pop que alcanzaron una presencia más permanente en el campo de la música popular americana, incluyendo rock, soul y pop-folk. A finales de la década de 1960, dos acontecimientos habían cambiado por completo la música popular: el nacimiento de un contracultura, que se opuso explícitamente la música comercial, a menudo en combinación con el activismo político y social, y el cambio de compositores profesionales a artistas que son a la vez cantantes y compositores.

El rock and roll entraron por primera vez la música popular a través de un estilo llamado rockabilly, que fusiona el sonido de rock naciente con elementos de la música country. El rock and roll-Negro realizado previamente había tenido limitado éxito comercial, y algunos observadores de la época creían que un artista blanco que pudiera cantar con credibilidad en un R & B y estilo rural sería un éxito. Sam Phillips, de Memphis, Tennessee de Sun Records, fue el que encontró un intérprete tal, en Elvis Presley , que se convirtió en uno de los músicos más vendidos en la historia, y trajo el rock and roll a audiencias en todo el mundo . El éxito de Presley fue precedida por Bill Haley, un actor blanco cuyo " Rock Around the Clock "a veces es apuntado como el inicio de la era del rock. Sin embargo, la música de Haley era" más arreglado "y" más calculado "que los" ritmos más flojos "de rockabilly, que también, a diferencia de Haley, no utilizaron saxofones o coro de canto .

	"Esta noche Good Rockin '" Esto es por Elvis Presley y es una de las canciones más populares de la era rockabilly.
¿Problemas al reproducir este archivo? Ver ayuda de medios.

R & B sigue siendo extremadamente popular durante la década de 1950 entre el público negro, pero el estilo no se consideró apropiado para los blancos o los negros de clase media respetables debido a su naturaleza sugestiva. Muchas canciones de R & B populares fueron en cambio realizadas por músicos blancos como Pat Boone, en un estilo convencional más aceptable, y se convirtió en éxitos pop . A finales de la década de 1950, sin embargo, hubo una ola de la popular negro de blues-rock y de influencia país I + intérpretes B ganando fama sin precedentes entre los oyentes blancos; éstos incluyeron Bo Diddley y Chuck Berry . Con el tiempo, los productores en el campo de R & B se volvieron hacia gradualmente más actos de base de rock como Little Richard y Fats Domino.

Doo wop es un tipo de música la armonía vocal realizado por grupos que se hizo popular en la década de 1950. Aunque a veces se considera un tipo de roca, doo wop es más precisamente una fusión de vocal de R & B, gospel y jazz con el blues y estructuras pop Sin embargo, hasta la década de 1960, las líneas que separan la roca de doo wop, R & B y otros estilos relacionados era muy borrosa. Doo wop se convirtió en el primer estilo de la música R & B derivada de "a tomar forma, a definirse como algo que la gente reconoce como nuevo, diferente, extraño, la de ellos" (énfasis en el original) . Como doo wop se hizo más popular, se añadieron más innovaciones, incluyendo el uso de un vocalista bajo, una práctica que comenzó con Jimmy Ricks de Los Ravens . Ejecutantes doo wop eran originalmente casi todo negro, pero algunos grupos blancos e integrados pronto se hizo popular. Estos incluyen un número de Grupos italo-americanos como Dion y los Belmont y Frankie Valli & las cuatro estaciones, mientras que otros añaden vocalistas femeninas e incluso formaron grupos de sólo mujeres en el campo casi universalmente masculina; éstos incluyeron El Queens y Los Chantels .

La década de 1950 vio una serie de breves modas que pasó a tener un gran impacto en los futuros estilos de música. Intérpretes como Pete Seeger y Los Tejedores popularizó una forma de renacimiento de los viejos tiempos de Música angloamericana. Este campo finalmente se asoció con la izquierda política y el comunismo , lo que lleva a una disminución de la aceptabilidad como artistas eran cada vez más en la lista negra y criticado. Sin embargo, esta forma de pop-folk ejerció una profunda influencia en la forma de 1950 folk-rock y estilos relacionados. Junto con el éxito más bien esporádica de popularizado la música folk Anglo vino una serie de Modas de baile latino, incluyendo mambo, rumba, chachachá y boogaloo. Aunque su éxito fue de nuevo esporádica y breve, la música latina continuó ejerciendo una influencia continua sobre rock, soul y otros estilos, así como eventualmente evolucionar en la música salsa en la década de 1970.

País: Nashville Sound

A partir de finales de 1920, un estilo distintivo primero llamado "período antiguo" o "hillbilly" música comenzó a ser transmitido y grabado en el sur rural y el medio oeste; primeros artistas incluidos la familia Carter, Charlie Poole y sus North Carolina Ramblers, y Jimmie Rodgers. El rendimiento y la difusión de esta música era regional al principio, pero los cambios de población causados por la Segunda Guerra Mundial se extienden más ampliamente. Después de la guerra, hubo mayor interés en los estilos de la especialidad, y lo que había sido conocido como la raza y la música hillbilly; estos estilos fueron renombrados a rhythm and blues y country y western, respectivamente . Principales etiquetas habían tenido cierto éxito la promoción de dos tipos de actos país: Southern artistas de la novedad como Tex Williams y cantantes como Frankie Laine, quien mezcla el pop y el país en un estilo convencional sentimental . Este período también vio el surgimiento de Hank Williams, un cantante de country blanco que había aprendido el blues de un músico callejero negro llamado Tee-Tot, en el noroeste de Alabama . Antes de su muerte en 1953, Hank Williams grabó once singles que venden por lo menos un millón de copias cada uno y fueron pioneros en la Sonido Nashville.

El sonido Nashville era una especie popular de la música country que surgió en la década de 1950, una fusión de los populares big band de jazz y swing con el lirismo de país honky-tonk . El éxito popular de las grabaciones de Hank Williams había convencido a los sellos discográficos que la música país podría encontrar un público mayoritario. Las compañías discográficas luego trataron de despojar a los elementos, honky-tonk en bruto procedentes de la música country, quitando el sonido sin pedir disculpas rural que se había hecho famoso Williams. Industria de Nashville estaba reaccionando a la subida de rockabilly artista Elvis Presley por artistas de marketing que cruzaron la brecha entre el campo y el pop; . Chet Atkins, director de División de la música country de la RCA, hizo la mayor parte de innovar el sonido Nashville, abandonando los elementos más ásperos de país, mientras que Owen Bradley utilizó sofisticadas técnicas de producción e instrumentación suave que con el tiempo se convirtió en estándar en el sonido Nashville, que también creció para incorporar cuerdas y coros vocales . En la primera parte de la década de 1960, el sonido Nashville fue percibido como suavizada por muchos artistas más tradicionalistas y los aficionados, lo que resulta en una serie de escenas locales como la Sonido Lubbock y, más influyente, el Sonido Bakersfield.

A lo largo de la década de 1950, el tipo más popular de la música country era el sonido Nashville, que era un hábil y estilo orientado emergente. Muchos músicos prefieren un sonido más áspero, lo que lleva al desarrollo de la Lubbock Sonido y Bakersfield Sound. El sonido de Bakersfield se innovó en Bakersfield, California en los mediados a finales de 1950, por artistas como Wynn Stewart, que utiliza elementos de Media vuelta y rock occidental, como el breakbeat, junto con un estilo vocal honky tonk . Fue seguido por una ola de artistas como Buck Owens y Merle Haggard, quien popularizó el estilo.

Alma

Soul es una combinación de R & B y gospel que se inició a finales de 1950 en los Estados Unidos. Soul se caracteriza por el uso de técnicas de gospel con un mayor énfasis en los vocalistas, y el uso de temas seculares. Las grabaciones de 1950 Sam Cooke, Ray Charles y James Brown son comúnmente considerado como el comienzo de la música soul.primeras grabaciones de Salomón Burke para Atlantic Records codificaron el estilo, y como Peter Guralnick escribe, "fue sólo con la unión de Burke y Atlantic Records que se podía ver algo parecido a un movimiento" .

La Motown Record Corporation en [[{Detroit Michigan]] se convirtió en un éxito con una serie de discos de soul fuertemente influenciados emergente, que eran lo suficientemente aceptable para los oyentes blancos a fin de permitir el R & B y alma a cruzado para el público mayoritario. Un importante centro de grabación de la música del alma era Florence, Alabama, donde la Fama Estudios operado. Jimmy Hughes, Percy Sledge y Arthur Alexander registró a la fama; posteriormente en la década de 1960, Aretha Franklin también registraría en la zona. Fama Studios, a menudo referido como Muscle Shoals , después de una ciudad vecina Florencia, disfrutó de una estrecha relación con Stax, y muchos de los músicos y productores que trabajaron en Memphis contribuyó también a las grabaciones hechas en Alabama.

En Memphis, Stax Records Producido grabaciones de pioneros soul Otis Redding, Wilson Pickett y Don Covay. Otros artistas de Stax como Eddie Floyd y Johnnie Taylor también hicieron importantes contribuciones a la música soul. En 1968, el movimiento de la música soul había comenzado a astillarse, como James Brown y Sly & the Family Stone comenzó a ampliar y abstracto el alma y el rhythm and blues en otras formas. Guralnick escribió que más "que cualquier otra cosa ... lo que me parece haber traído la era del alma a una molienda, detener inquietante fue la muerte de Martin Luther King en abril de 1968" .

1960 roca

El primero de los principales nuevos géneros de rock de la década de 1960 era de surf, por primera vez por californiano Dick Dale. Surf fue en gran parte instrumental y basado en la guitarra de rock con un sonido distorsionado y tañido, y se asoció con el sur de California surf basado cultura juvenil. Dale había trabajado con Leo Fender, desarrollando el " amplificador Showman y ... la unidad de reverberación que daría a la música surf su sonido distintivo difusa " .

Inspirado por el enfoque lírico de olas, si no la base musical, The Beach Boys comenzaron su carrera en 1961 con una serie de éxitos como " Surfin 'EE.UU. ". Su sonido no fue decisivo, ni a base de guitarra, pero estaba lleno de "rico, denso y sin duda especial" "flotante voces (con) cuatro armonías-Freshman ish cabalgando sobre un zumbaban, carga propulsora " . compositor de los Beach Boys Brian Wilson crecieron poco a poco más excéntrica, experimentando con nuevas técnicas de estudio como él se asoció con la floreciente contracultura.

La contracultura fue un movimiento juvenil que incluía el activismo político, sobre todo en la oposición a la guerra de Vietnam, y la promoción de diversos ideales hippies. Los hippies se asociaron principalmente con dos tipos de música: el folk-rock y el country rock de gente como Bob Dylan y Gram Parsons y el rock psicodélico de bandas como Jefferson Airplane y The Doors. Este movimiento fue muy estrechamente relacionada con la invasión británica, una ola de bandas procedentes del Reino Unido, que se hizo popular en gran parte de la década de 1960. La primera ola de la invasión británica incluye bandas como The Zombies y los Moody Blues, seguidos por bandas de rock como los Rolling Stones , The Who y, lo más famoso, The Beatles . El sonido de estas bandas de rock fue filo duro, con los Beatles originalmente conocido por canciones que eran prácticamente idénticas a las canciones de rock clásico negro por Little Richard, Chuck Berry, Smokey Robinson, Los Playeros y los Isley Brothers . Más tarde, cuando la contracultura desarrollado , los Beatles comenzaron a utilizar técnicas más avanzadas e instrumentos poco habituales, como el sitar, así como más letras originales.

Joan Baez y Bob Dylan

Folk-rock se basó en el éxito de corriente esporádica de grupos como el Kingston Trio y los Almanac Singers, mientras Woodie Guthrie y Pete Seeger ayudaron a radicalizar políticamente rural música folk blanco . El popular músico Bob Dylan saltó a la fama en el medio de la década de 1960, la fusión folk con el rock y hacer la escena naciente estrechamente conectado con el Movimiento por los Derechos Civiles. Fue seguido por una serie de bandas de country-rock como The Byrds y los Flying Burrito Brothers y cantautores populares orientadas como Joan Baez y el canadiense Joni Mitchell. Sin embargo, a finales de la década, había poca conciencia política o social evidente en la letra de blaciones cantautores como James Taylor y Carole King, cuyas canciones auto-escritas eran profundamente personal y emocional.

El rock psicodélico era un tipo de conducción dura del rock de guitarra, estrechamente asociado con la ciudad de San Francisco, California . Aunque Jefferson Airplane fue la única banda psicodélica de San Francisco a tener un gran éxito nacional, con "Somebody to Love" de 1967 y "White Rabbit", el Grateful Dead, un folk, country y bluegrass con sabor jam band ", encarna todos los elementos de la escena de San Francisco y vino ... para representar la contracultura al resto del país "; Grateful Dead también se hizo conocido por la introducción de la contracultura, y el resto del país, a las ideas de gente como Timothy Leary, especialmente el uso de drogas alucinógenas como el LSD con fines espirituales y filosóficas .

	"Conejo Blanco" Esto es por Jefferson Airplane y es una de las canciones más legendarias delgénero rock psicodélico.
¿Problemas al reproducir este archivo? Ver ayuda de medios.

1970 y 80

Tras los turbulentos cambios políticos, sociales y musicales de la década de 1960 y principios de 1970, la música rock se diversificó. Lo que antes era conocido como el rock and roll , un estilo bastante discreto de la música, se había convertido en una categoría general llamada simplemente la música rock , un término general que eventualmente incluirá diversos estilos como la música heavy metal, punk rock y, a veces, incluso la música hip hop . Durante los años 70, sin embargo, la mayoría de estos estilos no eran parte de la música comercial, y fueron evolucionando en la escena musical underground.

Los principios de 1970 vieron una ola de cantautores que se basó en las letras introspectivas, profundamente emocionales y personales de 1960 folk-rock. Incluyeron James Taylor, Carole King y otros, todos ellos conocidos apenas tanto para la capacidad lírica como para sus actuaciones. El mismo período vio el surgimiento de blues rock y del sur del país los grupos de rock como la Allman Brothers Band y Lynyrd Skynyrd . en la década de 1970, soft rock desarrollado, una especie de forma sencilla, discreta y suave de pop-rock, ejemplificada por una serie de bandas como América y pan, la mayoría de los cuales son poco recordado hoy; muchos eran one-hit wonders . Además, más duras bandas de arena rock como Chicago y Styx también vieron algún éxito importante.

Willie Nelson

Los principios de 1970 vio el surgimiento de un nuevo estilo de música country que era tan áspera y con bordes duros, y que rápidamente se convirtió en la forma más popular de país. Esta fue outlaw country, un estilo que incluía tales estrellas principales como Willie Nelson y Waylon Jennings . Outlaw país era muy orientado al rock, y tenía letras que se centraron en el penal, especialmente de alcohol y drogas relacionadas, travesuras de sus intérpretes, que crecieron a su el pelo largo, llevaba denim y cuero y parecía hippies en contraste con los cantantes de country de corte limpio que estaban empujando el sonido Nashville .

A mediados de los años 70, disco, una forma de música de baile, fue cada vez más popular, evolucionando desde los clubes de baile underground a la Norteamérica. Disco alcanzó su cenit tras la publicación de Fiebre del sábado noche y el fenómeno que rodea a la película y la banda sonora de The Bee Gees. Tiempo de Disco fue corta, sin embargo, y en 1980 fue reemplazado con un número de géneros que se desarrolló fuera de la escena punk rock, al igual que la nueva ola. Bruce Springsteen se convirtió en una gran estrella, por primera vez en los mediados a finales de los 70 y luego a lo largo del ' 80, con densos, letras inescrutables y canciones himnos que resonaron con las clases medias y bajas .

70 funk y soul

A principios de la década de 1970, la música soul fue influenciado por el rock psicodélico y otros estilos. El fermento social y político de los artistas veces inspirados como Marvin Gaye y Curtis Mayfield para liberar declaraciones álbum de larga duración con comentario social contundente. Artistas como James Brown llevaron alma hacia música más orientado al baile, que eventualmente se convirtió en el funk. Funk fue tipificado por 1970 grupos como Parlamento-Funkadelic, The Meters, y el propio James Brown, mientras que los grupos más versátiles como Guerra, The Commodores y Earth, Wind and Fire también se hizo popular. Durante los años 70, algunos altamente pulidos y comerciales soul de ojos azules como actos de Filadelfia Hall & Oates lograron éxito comercial, así como una nueva generación de armonía esquina de la calle o de la ciudad-soul grupos como Los Delfonics y de la Universidad de Howard Unifics.

A finales de los años 70, Philly soul, el funk, el rock y la mayoría de los otros géneros fueron dominados por pistas de discoteca-flexionada. Durante este período, las bandas del miedo como The O'Jays y Las hilanderas continuaron resultan imparables. Después de la muerte de la música disco en 1980, la música soul sobrevivió por un corto tiempo antes de pasar por otra metamorfosis. Con la introducción de influencias de la música electro y funk, soul se volvió menos crudo y producido más hábilmente, dando lugar a un género de la música que fue nuevamente llamado R & B , por lo general distingue del ritmo anterior y el blues identificándola como R & B contemporáneo .

80s pop

Por la década de 1960, el término de rhythm and blues habían dejado de estado en el uso de ancho; en cambio, los términos como la música soul se utilizaron para describir la música popular afroamericana. En la década de 1980, sin embargo, el rhythm and blues llegaron de nuevo en uso, más a menudo en forma de R & B , un uso que ha continuado hasta el presente. R & B contemporáneo surgió cuando sensuales cantantes del miedo como Prince se hizo muy popular, junto con la danza orientado a estrellas del pop como Michael Jackson y vocalistas femeninas como Tina Turner y Whitney Houston .

A finales de la década de 1980, de pop-rock en gran medida consistió en las radio-amigable bandas de glam metal, que utilizaron imágenes derivadas de los británicos movimiento del glam con letras y actitudes machistas, acompañados por la música hard rock y heavy metal solos de virtuosismo. Bandas de esta época incluyen muchos grupos británicos como Def Leppard, así como bandas americanas pesadas de metal con influencias de Mötley Crüe, Guns N 'Roses, Bon Jovi y Van Halen .

A mediados de la década de 1980 también vio la música Gospel ver su pico de popularidad. Una nueva forma de evangelio había evolucionado, llamada música cristiana contemporánea (CCM). CCM había existido desde finales de 1960, y consistió en un sonido pop / rock con ligeras letras religiosas. CCM había convertido en la forma más popular de gospel a mediados de la década de 1980, especialmente con artistas como Amy Grant, Michael W. Smith y Kathy Troccoli. Amy Grant era el MCP más popular, y el evangelio, cantante de la década de 1980, y después de haber experimentado un éxito sin precedentes en CCM, cruzó en el pop corriente principal en los años 1980 y 1990. Michael W. Smith también tuvo un éxito considerable en CCM antes de cruzar a una exitosa carrera en la música pop también. Grant después producir el primer # 1 pop hit de CCM ("Baby Baby"), y el álbum más vendido de CCM ( Heart In Motion ).

En la década de 1980, las listas de música de los países estuvieron a cargo de cantantes pop con influencias sólo tangenciales de la música country, una tendencia que ha continuado desde entonces. La década de 1980 vio un renacimiento del país-estilo honky tonk con el auge de gente como Dwight Yoakam y los nuevos tradicionalistas Emmylou Harris y Ricky Skaggs , así como el desarrollo de artistas de países alternativos como Uncle Tupelo. Ejecutantes país alternativas posteriores, como Whiskeytown de Ryan Adams y Wilco, encontraron cierto éxito mainstream.

	"Killin 'Time" noicon Esta canción es porClint Negro y ganó más premios que cualquier otro, incluyendo seis categorías diferentes de losPremios de la Música Country.
¿Problemas al reproducir este archivo? Ver ayuda de medios.

Nacimiento del subterráneo

Durante la década de 1970, un número de diversos estilos surgió en contraste principio a la corriente principal de la música popular americana. Aunque estos géneros no eran en gran medida popular en el sentido de vender muchos discos a un público mayoritario, eran ejemplos de la música popular , a diferencia de la gente o música clásica. a principios de 1970, los negros y los puertorriqueños en la ciudad de Nueva York desarrollaron la cultura hip hop , que produjo un estilo de música llamado también el hip hop . Más o menos al mismo tiempo, los latinos, especialmente los cubanos y puertorriqueños, en Nueva York también innovó la música salsa , que combina muchas formas de la música latina con R & B y rock. Los géneros de punk rock y heavy metal fueron los más estrechamente relacionados con el Reino Unido en los años 70, mientras que varios derivados estadounidenses evolucionaron más tarde en la década y en los años 80. Mientras tanto, Detroit evolucionó lentamente una serie de géneros de la música electrónica como casa y del techno que más tarde se convirtió en una parte importante de la música popular en todo el mundo.

Hip hop

El hip hop es un movimiento cultural, de la que la música es una parte, junto con el graffiti y el breakdance. La música se compone de dos partes, rapear , la entrega de las voces rápidas, altamente rítmicos y líricos, y DJ, la producción de la instrumentación ya sea a través de muestreo, la instrumentación , turntablism o beatboxing . Hip hop surgió en la década de 1970 en el Bronx, Nueva York Ciudad . jamaicano inmigrante DJ Kool Herc es ampliamente considerado como el progenitor de hip hop; trajo consigo la práctica de tostar en los ritmos de las canciones populares. En Nueva York, DJs como Kool Herc jugó registros de canciones funk, disco y rock populares. Emcees originalmente surgieron de introducir las canciones y mantener a la multitud emocionada y baile; con el tiempo, los DJs comenzaron aislar los breaks de percusión (el clímax rítmico de canciones), produciendo así un ritmo repetido que los maestros de ceremonias rapped terminado.

Rapear saludos incluidos a amigos y enemigos, exhortaciones a bailar y coloridas se jacta, a menudo humorísticas. A comienzos de la década de 1980, se había producido canciones de hip hop populares como " Rappers Delight "por el Sugarhill Gang y algunas celebridades más importantes de la escena, como LL Cool J y Kurtis Blow. Otros artistas experimentaron con letras politizadas y conciencia social, mientras que otros llevan a cabo fusiones con el jazz , metal pesado, techno, funk y soul. Hip hop comenzó a diversificar en la última parte de la década de 1980. Nuevos estilos aparecieron, como el hip hop alternativo y la estrecha relación de fusión jazz rap, iniciada por raperos como De La Soul y Guru. Las tripulaciones de Public Enemy y NWA tenían más durante esta época para llevar el hip hop a la atención nacional; el anterior lo hizo con incendiarias y políticamente cargadas letras, mientras que el segundo se convirtió en el primer ejemplo prominente de gangsta rap.

Salsa

Salsa es una diversa y predominantemente ritmo caribeño que es popular en muchos latinoamericanos países. Salsa incorpora múltiples estilos y variaciones; el término se utiliza para describir la mayoría de cualquier forma de los populares cubanos -derivado géneros musicales (como el chachachá y mambo). Más específicamente, sin embargo, la salsa se ​​refiere a un estilo particular fue desarrollado por mediados de 1970 grupos de la ciudad de Nueva York -Área cubanos y puertorriqueños inmigrantes a los Estados Unidos , y descendientes estilísticos como 1980 salsa romántica .

Música salsa siempre tiene un 4/4 metros. La música está redactada en grupos de dos barras, utilizando recurrentes patrones rítmicos, y el comienzo de frases en el texto de la canción y los instrumentos. Por lo general, los patrones rítmicos jugados en la percusión son bastante complicados, a menudo con varios patrones diferentes jugaron simultáneamente. La ritmo de la clave es un elemento importante que forma la base de la salsa. Aparte de percusión, una variedad de instrumentos melódicos se utilizan comúnmente como acompañamiento, como una guitarra , trompetas , trombones , la de piano , y muchos otros, todo dependiendo de los artistas intérpretes o ejecutantes. Bandas se suelen dividir en cuerno y ritmo secciones, dirigido por uno o más cantantes ( soneros o salseros ) .

Punk y rock alternativo

Punk era una especie de música de rock rebelde que comenzó en la década de 1970, como una reacción en contra de la música popular de la época, sobre todo disco, que fue visto como insípida y aburrida; punky basó en bandas americanas como la Velvet Underground, The Stooges y New York Dolls . Punk era ruidoso, agresivo y por lo general muy simple, que requiere poco entrenamiento musical para jugar. Más tarde, en la década, bandas británicas como el Sex Pistols y The Clash encontraron la fama efímera en el país y, en menor medida, en los Estados Unidos. Bandas americanas en el campo incluyen el más famoso The Ramones, así como grupos como los Talking Heads que jugaron un tipo más artístico de la música que estaba estrechamente asociada con el punk antes de finalmente evolucionando hacia blaciones Nueva Ola . Otros actos importantes incluyen Blondie, Patti Smith y Television.

Henry Rollins, un músico punk rock

Hardcore punk fue la respuesta de los jóvenes estadounidenses a todo el mundo la explosión del punk rock de la década de 1970. Hardcore despojado punk rock y New Wave de sus tendencias a veces elitista y artístico, lo que resulta en canciones cortas, rápidas, e intensos que hablaban de jóvenes descontentos. Hardcore explotado en las metrópolis estadounidenses de Los Ángeles , Washington, DC , Nueva York y Boston y la mayoría de las ciudades estadounidenses tenían sus propias escenas locales a finales de la década de 1980 .

Rock alternativo es una agrupación diversa de las bandas de rock que en América se desarrollaron en gran parte de la escena hardcore en la década de 1980, en marcado contraste con la escena de la música comercial. Subgéneros de rock alternativo que se desarrollaron durante la década incluyen indie rock, el rock gótico, grunge y el rock a la universidad. La mayoría de las bandas alternativas fueron unificados por su deuda colectiva al punk, que sentó las bases de la música underground y alternativo en la década de 1970. Aunque el género es considerado como el rock, algunos estilos fueron influenciados por folk americano, el reggae y el jazz. Al igual que el punk y el hardcore, rock alternativo tuvo poco éxito comercial en Estados Unidos en la década de 1980, pero a través de la creación de base de una escena indie través de giras, radio de la universidad, fanzines, y la palabra de boca en boca, bandas alternativas sentó las bases para el avance de el género en la conciencia pública de Estados Unidos en la próxima República decade.One es una banda de rock alternativo

Metal pesado

Heavy metal es una forma de música que se caracteriza por ritmos agresivos, conducción y guitarras distorsionadas altamente amplificado, generalmente con letras grandiosas e instrumentación virtuoso. Heavy metal es un desarrollo de blues, el rock blues, rock y rock progresivo. Sus orígenes se encuentran en las bandas de hard rock británicos que entre 1967 y 1974 se llevaron el blues y el rock y crearon un híbrido con un sonido pesado centrado en la guitarra-y-tambores. La mayoría de los pioneros en el campo, como Negro Sabbath, eran Inglés, aunque muchos fueron inspirados por artistas americanos como Blue Cheer y Jimi Hendrix.

Bon Jovi

Quizás el cambio más importante en la década de 1990 en la música popular estadounidense fue el surgimiento de rock alternativo a través de la popularidad del grunge. Esto antes era una agrupación explícitamente anti-corriente principal de los géneros que se elevaban a gran comienzo la fama en la década de 1990. El género en sus primeras etapas se encuentra en gran parte en Sub Pop Records, una empresa fundada por Bruce Pavitt y John Poneman. Bandas grunge significativos firmados a la etiqueta eran Green River (la mitad de los miembros de esta banda más tarde se convertiría miembros fundadores de Pearl Jam), Sonic Youth (aunque no es una banda de grunge que eran influyentes en bandas grunge y de hecho estaba sobre la insistencia de Kim Gordon de que la compañía de David Geffen firmó Nirvana) y Nirvana. Grunge es un subgénero del rock alternativo con un "rumiando lodo oscuro, basada en la guitarra" de sonido , a partir de heavy metal, el punk, y los elementos de bandas como Sonic Youth y su uso de "afinaciones no convencionales para doblar las canciones pop de otro modo estándar completamente fuera de forma " . Con la adición de un "elemento de Beatlesque melódica" al sonido de bandas como Nirvana, grunge se convirtió en muy popular en los Estados Unidos . de grunge se convirtió en un éxito comercial a principios de 1990, con un pico entre los años 1991 y 1994. Las bandas de las ciudades en los EE.UU. Pacífico Northwest especialmente Seattle, Washington , fueron los responsables de la creación del grunge y más tarde lo hizo popular entre el público mayoritario. La supuesta Generación X, que acababa de llegar a la edad adulta como la popularidad del grunge alcanzó su punto máximo, se asocia estrechamente con el grunge, el sonido que ayudó a "definir la desesperación de (que) la generación de" . Más tarde, bandas Publicar Grunge como Los Foo Fighters y credo se convirtió en forma popular de Rock alternativo porque era y sigue siendo muy amable a diferencia de radio de la banda de grunge de la que fueron influenciados por musicalmente. bandas pop punk como GreenDay y Blink 182 también ganaron popularidad.

Gangsta rap es una especie de hip hop, lo más importante que se caracteriza por un enfoque lírico sobre la sexualidad machista, lo físico y una imagen peligrosa y criminal. Aunque los orígenes de gangsta rap se remontan a mediados de la década de 1980 golpes de Filadelfia Schoolly D y el de West Coast Ice-T, el estilo se suele decir que ha comenzado en el área de Los Ángeles y Oakland, donde Too Short, NWA y otros encontraron su fama. Este escena del rap de la Costa Oeste dio lugar a la década de 1990 sonido G-funk, que combina letras de rap gangsta con un tono grueso y brumoso, a menudo basándose en muestras de 1970 P-funk; los defensores más conocidos de este sonido fueron los raperos avance Dr. Dre y Snoop Doggy Dogg.

A finales de la década y en el 2000 a principios de la música pop consistió principalmente en una combinación de hip-pop y R & hip pop con tintes-B, incluyendo un número de bandas de chicos y divas femeninas. El sonido predominante en los años 90 la música country era pop con sólo elementos muy limitadas de país. Esto incluye muchos de los artistas más vendidos de la década de 1990, como Clint Negro, Shania Twain, Faith Hill y la primera de estas estrellas de cruce, Garth Brooks .

	"Ven tal como eres" Esta canción es porNirvana, que hizo más que cualquier otro grupo de traer grunge en la corriente principal.
¿Problemas al reproducir este archivo? Ver ayuda de medios.

Impacto internacional y social

La música popular estadounidense se ha vuelto extremadamente popular a nivel internacional. Rock, hip hop, jazz, country y otros estilos tienen ventiladores de todo el mundo. BBC Radio DJ Andy Kershaw, por ejemplo, ha señalado que la música country es muy popular en prácticamente todo el mundo . De hecho, de "todas las aportaciones realizadas por los estadounidenses a la cultura mundial. .. (música popular estadounidense) ha sido tomada (la mayoría) en serio por el mundo entero " . Otros estilos de la música popular estadounidense también han tenido un efecto formativo a nivel internacional, incluyendo el funk, la base para África Occidental Afrobeat, R & B, una fuente importante para jamaicana de reggae y rock, que ha influido profundamente en la mayoría todos los géneros de la música popular en todo el mundo. Rock, country, jazz y hip hop han convertido en una parte arraigada de muchos países, lo que lleva a las variedades locales como la música country de Australia, Tanzania Bongo Flava y rock ruso.

Rock ha tenido una influencia formativa en la música popular, que tenía el efecto de transformar "el concepto mismo de lo que la música popular" esmientras Charlie Gillett ha argumentado que el rock and roll "fue el primero género popular para incorporar el pulso implacable y volumen de la vida urbana en la música en sí " .

Los impactos sociales de la música popular americana se han dejado sentir tanto dentro de los Estados Unidos y en el extranjero. Comenzando ya en las extravagancias de finales del siglo 19, la música popular estadounidense ha sido criticado por ser demasiado sexual excitante y para fomentar la violencia, el abuso de drogas y el comportamiento general inmoral. Las críticas han sido especialmente dirigida a los estilos afro-americanos de la música, ya que comenzaron a atraer a las audiencias blancas, generalmente juveniles; blues, jazz, rock y hip hop todos caen en esta categoría ].