Atonalidad

Atonalidad en su sentido más amplio describe la música que carece de un centro tonal, o clave. Atonalidad en este sentido por lo general describe composiciones escritas desde alrededor de 1907 hasta la actualidad, donde una jerarquía de campos se centran en un solo tono en el centro, no se utiliza como base principal para el trabajo. Más estrictamente, el término describe la música que no se ajuste al sistema de jerarquías tonales que caracterizaron la música clásica europea entre los decimoséptimo y decimonoveno siglos.

Más estrechamente aún, el término se utiliza para describir la música que no es ni tonal ni de serie, especialmente el pre música dodecafónica del Segunda Escuela de Viena, principalmente Alban Berg, Arnold Schoenberg, y Anton Webern.

Compositores como Alexander Scriabin, Béla Bartók, Paul Hindemith, Sergei Prokofiev, Igor Stravinsky , Edgard Varèse, sin embargo, han escrito música que se ha descrito, en su totalidad o en parte, como atonal.

Historia

Mientras que la música sin un centro tonal se había escrito con anterioridad, por ejemplo Franz Liszt Bagatela sin tonalidad de 1885, es el siglo 20 que el término atonalidad comenzó a aplicarse en pedazos, particularmente los escritos por Arnold Schoenberg y la Segunda Escuela de Viena.

Su música surgió de lo que fue descrito como la crisis de la tonalidad entre finales del siglo XIX y principios del siglo XX en música clásica. Esta situación se había producido históricamente a través del uso cada vez mayor en el transcurso del siglo XIX de

acordes ambiguos, inflexiones armónicas menos probables y las inflexiones melódicas y rítmicas más inusuales posibles dentro del estilo [s] de la música tonal. La distinción entre lo excepcional y lo normal, se hizo cada vez más borrosa; y, como consecuencia, se produjo un desprendimiento concomitante de los bonos sintácticas a través del cual los tonos y armonías habían sido relacionados entre sí. Las conexiones entre las armonías eran inciertas, incluso en el nivel más bajo de cuerda cuerda-a-ser. En los niveles más altos, de largo alcance relaciones armónicas e implicaciones se hicieron tan tenue que apenas funcionaban en absoluto. A lo sumo, las probabilidades de fieltro del sistema de estilo se habían vuelto oscuros; en el peor, se estaban acercando a una uniformidad que proporciona algunas guías, ya sea para la composición o la escucha.

-Meyer 1967, 241

La primera fase es a menudo descrito como "atonalidad libre" o "cromatismo libre" e implicó el intento consciente de evitar la armonía diatónica tradicional. Las obras de este período incluyen la ópera Wozzeck (1917-1922) de Alban Berg y Pierrot Lunaire (1912) de Schoenberg.

La segunda fase, que se inició después de la Primera Guerra Mundial , fue ejemplificado por los intentos de crear un medio sistemático de componer sin tonalidad, lo más famoso el método de componer con 12 tonos o la técnica dodecafónica. Este período incluyó Berg Lulu y Lyric Suite, Schoenberg Concierto para piano, su oratorio Muere Jakobsleiter y numerosos trozos más pequeños, así como sus dos últimos cuartetos de cuerda. Schoenberg fue el principal innovador del sistema, pero su alumno, Anton Webern, se anecdóticamente afirmó haber comenzado la vinculación dinámica y el tono del color de la fila primaria, haciendo filas no sólo de lanzamientos, pero de otros aspectos de la música, así (Du Noyer 2003, 272; véase también La página de Ircam dedicado a Webern (fr)). Sin embargo, el análisis real de las obras de doce tonos de Webern ha fallado hasta ahora para demostrar la verdad de esta afirmación. Un analista concluyó, después de un minucioso examen de las variaciones para piano, op. 27, que

mientras que la textura de esta música puede superficialmente parecerse a la de una cierta música serial. . . su estructura no lo hace. Ninguno de los patrones dentro características nonpitch separados tiene sentido audible (o incluso numérica) en sí mismo. El punto es que estas características todavía están jugando su papel tradicional de la diferenciación. (Westergaard 1963, 109)

Técnica dodecafónica, combinado con la parametrización de Olivier Messiaen, sería tomado como inspiración para serialismo (du Noyer 2003, 272).

Atonality surgió como un término peyorativo para condenar la música en la que acordes se organizaron aparentemente sin aparente coherencia. En la Alemania nazi , la música atonal fue atacado como " Bolchevique "y etiquetados como degenerar (Entartete Musik) junto con otra música producida por los enemigos del régimen nazi. Muchos compositores tenían sus obras prohibidas por el régimen, no para ser jugado hasta después de su colapso después de la Segunda Guerra Mundial .

La Segunda Escuela de Viena, y en particular composición de 12 tonos, fue tomada por los compositores de vanguardia en la década de 1950 para ser la base de la nueva música, y condujeron a serialismo y otras formas de innovación musical. Compositores posteriores a la Segunda Guerra prominentes en esta tradición son Pierre Boulez, Karlheinz Stockhausen, Luciano Berio, Krzysztof Penderecki, y Milton Babbitt. Muchos compositores escribieron música atonal después de la guerra, aunque antes de que hubieran perseguido otros estilos, incluyendo Elliott Carter y Witold Lutoslawski. Tras la muerte de Schoenberg, Igor Stravinsky comenzó a escribir música con una mezcla de elementos de serie y tonales (du Noyer 2003, 271). Iannis Xenakis genera conjuntos de tono de fórmulas matemáticas, y también vio la expansión de las posibilidades tonales, como parte de una síntesis entre el principio jerárquico y la teoría de los números, los principios que han dominado la música por lo menos desde el momento de la Parménides (Xenakis 1971, 204).

Atonalidad libre

La técnica dodecafónica fue precedida por piezas "libremente" atonales de Schoenberg de 1908-1923 que, aunque "libre", a menudo tienen como un "elemento integrador ... una célula interválica minutos", que además de la expansión puede ser transformado como con un fila tono, y en el que las notas individuales pueden "función como elementos fundamentales, para permitir la superposición de estados de una célula básica o la interconexión de dos o más células básicas" (Perle 1977, 2).

La técnica dodecafónica también fue precedida por "composición serial nondodecaphonic" utilizado de forma independiente en las obras de Alexander Scriabin, Igor Stravinsky , Bela Bartok, Carl Ruggles, y otros (Perle 1977, 37). "Esencialmente, Schoenberg y Hauer sistematizados y definidos para sus propios fines dodecafónicas una característica técnica generalizada de la práctica musical" moderno ", la ostinato "(Perle 1977, 37).

Atonalidad Estricto

Los doce tonos técnicas comparte con instalaciones atonalidad gratuitos, como la evitación general de una tecla o el excesivo énfasis de una nota, y algunas de las reglas de la técnica dodecafónica están diseñados para garantizar esto, como la no repetición de un terreno de juego antes de que el declaración de todos los demás campos de la fila. Doce prácticas tono difieren de las prácticas atonales anteriores en dos aspectos importantes: todos los campos son utilizados y ordenados.

La controversia sobre el término en sí mismo

La pertinencia del término "atonalidad" ha sido motivo de controversia. Arnold Schoenberg, cuya música se utiliza generalmente para definir el término, se opuso vehementemente a la misma, argumentando que "La palabra" atonal "sólo podía significar algo totalmente incompatible con la naturaleza de tono.... [T] o llamar a cualquier relación de tonos atonales es tan descabellado como lo sería para designar una relación de colores aspectral o acomplementary. No hay tal antítesis "(Schoenberg 1978, 432). Para algunos, el término sigue llevando a connotaciones negativas.

"Atonal" desarrolló una cierta vaguedad en su significado como resultado de su uso para describir una amplia variedad de enfoques de composición que se desviaban de acordes tradicionales y progresiones de acordes. Los intentos de resolver estos problemas mediante el uso de términos como "pan-tonal", "no tonal", "multi-tonal", "libre tonal", y "sin centro tonal" en lugar de "atonal" no han ganado una amplia aceptación .

Componer música atonal

Partiendo de componer la música atonal puede parecer complicado tanto por la vaguedad y generalidad del término. Además George Perle explica que, "la atonalidad" libre "que precedió opone dodecafonía por definición la posibilidad de, procedimientos compositivos de aplicación general autoconsistentes" (Perle 1962, 9). Sin embargo, se proporciona un ejemplo como una manera de componer piezas atonal, una pre- dodecafónico técnica pieza por Anton Webern, lo que evita rigurosamente cualquier cosa que sugiere la tonalidad, para elegir emplazamientos que no impliquen la tonalidad. En otras palabras, invertir las reglas de la período de práctica común para que lo que no se le permitió que se requiere y lo que se requería no está permitido. Esto es lo que se hizo por Charles Seeger en su explicación de contrapunto disonante, que es una manera de escribir contrapunto atonal (Seeger 1930).

Además, Perle está de acuerdo con Oster y Katz que "el abandono del concepto de una raíz-generador del acorde individuo es un desarrollo radical que hace inútil cualquier intento de una formulación sistemática de la estructura de acordes y la progresión en la música atonal en la línea de teoría tradicional armónica "(Perle 1962, 31). Técnicas de composición atonal y los resultados "no son reducibles a un conjunto de supuestos fundamentales en términos de que las composiciones que son colectivamente designados por la 'música atonal" expresión puede decirse que representa' un sistema 'de composición "(Perle 1962, 1) .

Perle también señala que la coherencia estructural se logra con mayor frecuencia a través de operaciones en las células intervallic. Una célula "puede funcionar como una especie de juego de microcósmica del contenido de intervalos fijos, desviable ya sea como un acorde o como una figura melódica o como una combinación de ambos. Sus componentes pueden fijarse en lo que respecta a la orden, en cuyo caso se pueden emplear , como el conjunto de doce tonos, en sus transformaciones literales.... tonos individuales pueden funcionar como elementos fundamentales, para permitir la superposición de estados de una célula básica o la interconexión de dos o más células básicas "(Perle 1962, 9-10) .

La crítica de la música atonal

Compositor Anton Webern sostuvo que "las nuevas leyes se afirmaron que hizo imposible para designar una pieza como en una llave u otro" (Webern 1963, 51). Compositor Walter Piston, por otro lado, dijo que, de larga costumbre, cada vez que los artistas "juegan ningún frasecita ellos oirán en algunos puede no ser la única que la tecla derecha, pero el punto es que jugarán con un tonal .... el sentido [L] a más siento que conozco la música de Schoenberg, más creo que él pensó que el propio camino Y no son sólo los jugadores;.... que es también los oyentes Oirán tonalidad en todo ". (Westergaard 1968, 15).

Conductor suizo, compositor y filósofo musical Ernest Ansermet, un crítico de la música atonal, escribió extensamente sobre esto en el libro Les fondements de la musique dans la humaine conciencia (Ansermet 1961), donde sostuvo que el lenguaje musical clásico era una condición previa para la expresión musical con sus claros, estructuras armónicas. Ansermet argumentó que un sistema de tonos sólo puede conducir a una percepción uniforme de música si se deduce a partir de un solo intervalo. Para Ansermet este intervalo es el quinto (Mosch 2004, 96). Así que el (a Ansermet) música atonal moderna incomprensible, por la elección de las relaciones de intervalos aparentemente al azar, no pudo lograr un impacto, ethos, o la catarsis como para una audiencia.

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