Violon
Renseignements généraux
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Le violon est un inclina instrument à cordes avec quatre cordes à l'écoute quintes parfaites. Il est le membre le plus petit et le plus aigu de la famille du violon d'instruments à cordes, qui comprend également l' alto et violoncelle .
Un violon est parfois officieusement appelé violon, quel que soit le type de musique joué sur elle. Le mot «violon» vient à nous à travers la langues romanes de la Mot vitula latine Moyen, qui signifie «instrument à cordes"; ce mot peut également être à l'origine de la Germanique "bricoler".
Une personne qui joue du violon est appelé un violoniste ou violoniste, et une personne qui fabrique ou répare les est appelé luthier, ou tout simplement un luthier.
Histoire
Les premiers instruments à cordes pincées ont été la plupart du temps (par exemple grec lyre). Instruments à cordes ont peut-être son origine dans les cultures équestres de l'Asie centrale, un exemple étant la Mongolie instrument Morin Huur:
- Cavaliers mongols et turcs de l'Asie intérieure étaient probablement premiers violoneux du monde. Leurs violons verticaux à deux cordes sont enfilées avec des cordes en crin, joué avec des arcs de crin, et souvent dotées d'une tête de cheval sculptée à la fin de la nuque. ... Les violons, altos, violoncelles et nous jouons aujourd'hui, et dont les arcs sont encore nerveux de crin, sont des nomades un héritage ..
On croit que ces instruments se est finalement étendue à la Chine, l'Inde et le Moyen-Orient, où ils ont développé des instruments tels que la erhu (Chine) et rebab (Moyen-Orient), et esraj (Inde). Le violon dans sa forme actuelle a émergé au début du 16ème siècle dans le nord de l'Italie, où les villes portuaires de Venise et Gênes maintenu des liens étroits à travers les routes commerciales de l' Empire mongol .
Le violon européenne moderne a évolué de divers instruments à cordes frottées qui ont été portées à partir du Moyen-Orient. Très probablement les premiers fabricants de violons empruntés à trois types d'instruments actuels: la rebec, en usage depuis le 10ème siècle (elle-même dérivée de la Arabe rebab), le violon de la Renaissance, et de la lira da braccio. Une des premières descriptions explicites de l'instrument, y compris son accord, était dans la comédie musicale par Epitome Jambe de Fer, publié en Lyon en 1556. A cette époque, le violon avait déjà commencé à se répandre dans l'Europe .
Le plus ancien violon documentée d'avoir quatre cordes, comme le violon moderne, a été construit en 1555 par Andrea Amati. (Autres violons, documentés beaucoup plus tôt, ne avait que trois chaînes.) Le violon est immédiatement devenu très populaire, tant chez les musiciens de rue et la noblesse, illustré par le fait que le roi français Charles IX ordonné Amati de construire 24 violons pour lui en 1560. Le violon survivre plus ancienne, datée à l'intérieur, est de cet ensemble, et est connu comme le «Charles IX," made in Cremona c. 1560. «Le Messie» ou «Le Messie» (également connu sous le nom "Salabue") faite par Antonio Stradivari en 1716 demeure vierge, ne ayant jamais été utilisé. Il se trouve maintenant dans le Ashmolean Museum d' Oxford .
Le plus connu luthiers ( luthiers) entre la fin du 16ème siècle et le 18ème siècle inclus:
- Famille Amati de luthiers italiens, Andrea Amati (1500-1577), Antonio Amati (1540-1607), Hieronymus Amati je (1561-1630), Nicolo Amati (1596-1684), Hieronymus Amati II (1649-1740)
- Guarneri famille de luthiers italiens, Andrea Guarneri (1626-1698), Pietro de Mantoue (1655-1720), Giuseppe Guarneri (Joseph filius Andreae) (1666-1739), Pietro Guarneri (de Venise) (1695-1762), et Giuseppe (del Gesu) (1698-1744)
- La famille Stradivari (1644-1737) de Cremona
- Famille Gagliano de luthiers italiens, Alexander, Nicolo I et Ferdinand sont en circulation de ces
- Giovanni Battista Guadagnini de Piacenza (1711-1786)
- Jacob Stainer (1617-1683) de Absam dans Tyrol
Des changements importants se sont produits dans la construction du violon dans le 18ème siècle, en particulier dans la longueur et l'angle du cou, ainsi que d'un bar de basse lourde. La majorité des instruments anciens ont subi ces modifications, et sont donc dans un état très différent de quand ils ont quitté les mains de leurs décideurs, sans doute avec des différences de son et la réponse. Mais ces instruments dans leur état actuel fixé la norme pour la perfection dans l'artisanat et son violon et des luthiers du monde entier tentent de se rapprocher de cet idéal que possible.
À ce jour, les instruments de la "âge d'or" de la lutherie, notamment celles faites par Stradivari et Guarneri del Gesù, sont les instruments les plus prisés par les collectionneurs et les artistes.
Construction et de la mécanique
Un violon compose généralement d'un table en épicéa (la table d'harmonie, également connu comme la plaque supérieure, table, ou le ventre), les côtes de l'érable et à l'arrière, deux blocs d'extrémité, un cou, un pont, une Âme, quatre cordes, et divers accessoires, y compris éventuellement un mentonnière, qui peuvent être liés directement au-dessus ou à gauche de la cordier. Un trait distinctif d'un corps de violon est sa forme et le "sablier" voûte de son haut et l'arrière. La forme de sablier comprend deux épisodes supérieurs, deux épisodes inférieurs, et deux C-épisodes concaves à la "taille", offrant un dégagement pour le arc.
La «voix» d'un violon dépend de sa forme, le bois est fabriqué à partir, la graduation (le profil d'épaisseur) à la fois en haut et en arrière, et le vernis qui recouvre sa surface extérieure. Le vernis et surtout le bois continuent à se améliorer avec l'âge, ce qui rend l'offre fixe de violons anciens très convoité.
Toutes les parties de l'instrument, qui sont collées ensemble sont fait en utilisant des animaux masquer la colle, un adhésif à base d'eau fort traditionnel qui est réversible, en tant que joints collés peuvent être démontées en cas de besoin. Plus faible, de la colle diluée est généralement utilisé pour fixer le haut pour les côtes, et l'écrou à la touche, car les réparations courantes impliquent la suppression de ces pièces.
Le filets courir autour du bord de la table en épicéa offre une certaine protection contre les fissures en provenance de la pointe. Il permet également le haut de fléchir de façon plus indépendante de la structure nervurée. Peint sur filets de faux sur la partie supérieure est un signe d'un instrument de qualité inférieure. Le dos et les côtes sont généralement faites de érable, le plus souvent avec un rayé correspondant figure, appelé «flamme», «fiddleback» ou «bande de tigre» (techniquement appelé érable madré).
Le le cou est généralement érable flammé avec un chiffre compatible avec celle des nervures et le dos. Il porte le touche, généralement en ébène, mais souvent un autre bois teint ou peint en noir. Ebony est le matériau préféré en raison de sa dureté, de la beauté, et une résistance supérieure à l'usure. Fingerboards sont habillés à un particulier courbe transversale, et ont une petite longueur «scoop», ou concavité, un peu plus prononcé sur les cordes graves, surtout quand destinés à l'intestin ou de cordes synthétiques.
Certains anciens violons (et quelques fait apparaître vieille) ont un greffé défilement, comme en témoigne un joint de colle entre le cheviller et le cou. Beaucoup de vieux instruments authentiques ont eu leurs cous remis à un angle légèrement augmenté, et allongé d'environ un centimètre. La greffe du cou permet le rouleau original est conservé avec un baroque violon lors de la mise de son cou en conformité avec les normes modernes.
Le pont est une pièce découpée de précision érable qui forme le point d'ancrage inférieure de la longueur vibrante des cordes et transmet la vibration des cordes dans le corps de l'instrument. Sa courbe supérieure tient les cordons à la bonne hauteur de la touche en un arc, permettant à chacun d'être émis séparément par l'avant. Le Âme, ou «post âme», se adapte précisément à l'intérieur de l'instrument entre l'arrière et le dessus, au-dessous du pied des aigus du pont, ce qui lui permet de soutien. Il transmet aussi les vibrations entre le haut et l'arrière de l'instrument.
Le cordier ancre les cordes à la période inférieure du violon au moyen de l'attache-cordier, qui fait une boucle autour de la pique, qui se ajuste dans un trou conique dans le bloc inférieur. Très souvent, la chaîne E aura un levier de réglage précis travaillé par une petite vis transformé par les doigts. Tendeurs peuvent également être appliquées aux autres chaînes, en particulier sur un instrument d'étude, et sont parfois construits pour le cordier.
A la fin de défilement, les fils se enroulent autour de la tuning chevilles dans le cheviller. Strings ont généralement une couleur Emballage soie aux deux extrémités, pour l'identification et à fournir frottement contre les piquets. Les chevilles coniques permettent friction pour être augmenté ou diminué par le joueur en appliquant une pression appropriée long de l'axe de la cheville tout en le tournant.
Instruments à cordes
Strings ont d'abord été faites de boyau de mouton (communément connu sous le nom catgut), étiré, séché et tordu. Chaînes modernes peuvent être intestin, en acier massif, acier brin, ou divers matériaux synthétiques, enroulés avec divers métaux. La plupart des chaînes de E sont déroulées, soit simple ou en acier plaqué or.
Violonistes portent souvent chaînes de remplacement avec leurs instruments pour avoir un disponible en cas d'une chaîne pauses. Strings ont une durée de vie limitée; à part des choses évidentes, comme la liquidation d'une chaîne se défaire de l'usure, un joueur sera généralement changer une chaîne quand il ne joue plus «vrai», avec un effet négatif sur l'intonation, ou quand il perd le ton désiré. La longévité d'une chaîne dépend de combien et comment on joue intensément. La chaîne E, étant le plus mince, a tendance à se casser ou de perdre la tonalité souhaitée plus rapidement que les autres.
Pour plus d'informations, voir le section cordes de construction violon.
Plage de pitch
La boussole du violon est de G3 (G ci-dessous Moyen-C) à la note la plus haute de la moderne du piano . Les notes de tête, cependant, sont souvent produits par naturelle ou artificielle harmoniques.
Acoustique
La forme arquée, l'épaisseur du bois, et ses qualités physiques régissent le son d'un violon. Patterns de la nœuds faites par du sable ou des paillettes éparpillées sur les plaques avec la plaque vibraient à certaines fréquences, appelé " Modèles Chladni, "sont parfois utilisés par luthiers pour vérifier leur travail avant d'assembler l'instrument.
Tailles
Les enfants utilisent généralement instruments à cordes plus petites que les adultes. Violons sont faites dans ce qu'on appelle tailles "fractionnaires" pour les jeunes étudiants: En dehors de sa taille (4/4) violons, 3/4, 1/2, 1/4, 1/8, 1/10, 1/16 , et même 1 Instruments / 32 de taille existent. Extrêmement petites tailles ont été développés, avec le Suzuki programme pour les élèves de violon dès l'âge de trois années. Finement fait violons fractions de taille, en particulier inférieur à 1/2 de taille, sont extrêmement rares, voire inexistants. Ces petits instruments sont généralement destinées à des débutants qui ont besoin d'un violon robuste, et dont la technique rudimentaire ne justifie pas la dépense d'un plus soignée.
Ces tailles fractionnaires ne ont rien à voir avec les dimensions réelles d'un instrument; en d'autres termes, un instrument 3/4 taille ne est pas les trois quarts de la longueur d'un instrument pleine dimension. La longueur du corps (non compris le cou) d'une "pleine taille" ou 4/4 violon est d'environ 14 pouces (35 cm), plus petits dans certains modèles du 17ème siècle. 4.3 Un violon est d'environ 13 pouces (33 cm), et une taille d'environ 12 1/2 pouces (30 cm). Avec membre de la famille proche du violon, l'alto, la taille est spécifiée comme la longueur du corps en pouces ou en centimètres plutôt que tailles fractionnaires. A "pleine taille" alto moyennes de 16 pouces (40 cm).
Parfois, un adulte avec un petit cadre peut utiliser un soi-disant "7/8" taille violon au lieu d'un instrument en pleine dimension. Parfois appelé «violon de dame», ces instruments sont légèrement plus courte que un violon en taille, mais ont tendance à être des instruments de haute qualité capables de produire un son qui est comparable à fines violons en taille réelle.
Violon tailles ne sont pas standardisés et les dimensions varient légèrement entre les décideurs.
Réglage
Violons sont réglés en tournant le chevilles dans le cheviller sous le rouleau, ou en ajustant les vis de tuner fines au cordier. Tous les violons ont chevilles; tendeurs (également appelés réglage fines) sont facultatifs. La plupart des tendeurs sont constitués d'une vis métallique qui déplace un levier auquel est fixée la corde. Ils permettent de très petits ajustements de hauteur avec beaucoup plus de facilité que les chevilles.
Tendeurs sont généralement utilisés avec des chaînes en métal solide ou composites qui peuvent être difficile à accorder avec seuls chevilles; ils ne sont pas utilisés avec des cordes en boyau, qui sont plus élastique et ne répondent pas adéquatement aux très petits mouvements de tendeurs. Certains violonistes ont tendeurs sur les 4 cordes; la plupart des joueurs classiques ne ont qu'un seul tuner amende à la chaîne E. La plupart des violonistes préfèrent un syntoniseur bien parce tendeurs souvent peuvent endommager le haut du violon.
Pour accorder un violon, la chaîne A est d'abord accordé à une standard hauteur (habituellement 440 Hz), en utilisant soit un dispositif d'accord ou un autre instrument. (Lorsque accompagnant un instrument à pas fixe comme un piano ou l'accordéon, les airs de violon à elle.) Les autres chaînes sont ensuite réglés les uns contre les autres dans des intervalles de quintes parfaites en les saluant par paires. Un réglage minutieux supérieur est parfois employé pour jouer en solo donner à l'instrument un son plus brillant; à l'inverse, la musique baroque est parfois joué en utilisant accordages bas pour faire le son du violon plus doux. Après accord, le pont de l'instrument peut être examiné pour se assurer qu'il est debout droite et centré entre les entailles intérieures de la f-trous; un pont tordu peut affecter de manière significative le son d'un violon par ailleurs bien fait.
Le GDAE de réglage est utilisée pour la plupart de la musique de violon. D'autres accords sont parfois employées; la corde de sol, par exemple, peut être réglé jusqu'à A. L'utilisation de réglages non standard dans la musique classique est connu comme scordatura; dans certains styles folkloriques, il est appelé "cross-tuning." Un exemple célèbre de scordatura dans la musique classique est Saint-Saëns Danse Macabre, où E la chaîne du violon solo est accordé jusqu'à mi bémol pour conférer une dissonance étrange à la composition. Un autre exemple serait dans le troisième mouvement de contrastes, par Béla Bartók, où la chaîne de E est accordée jusqu'à mi bémol et le G accordé à un sol dièse.
Alors que la plupart des violons ont quatre cordes, il ya quelques instruments avec cinq cordes, six, voire sept. Les chaînes supplémentaires sur ces violons sont généralement inférieurs de la hauteur que le G-string; ces chaînes sont généralement accordés à C, F et B plat. Si la longueur de jeu de l'instrument, ou la longueur de chaîne à partir de noix de combler, est égale à celle d'un violon ordinaire à grande échelle (ce est à dire, un peu moins de 13 pouces ou 330 mm), alors il peut être correctement appelé un violon. Certains de ces instruments sont un peu plus longtemps et doivent être considérés comme altos. Violons avec cinq cordes ou plus sont souvent utilisés dans le jazz ou la musique folklorique.
Arcs
Un violon est habituellement joué en utilisant une arc composé d'un bâton avec un ruban de crin tendu entre la pointe et la grenouille (ou de noix, ou du talon) aux extrémités opposées. Un arc typique de violon peut-être 75 cm (29 pouces) ensemble, et peser environ 60 g (2 oz). arcs de Viola peuvent être d'environ 5 mm (3/16 ") plus court et 10 g (1/3 oz) plus lourd.
A la fin de grenouille, un dispositif de réglage de la vis se desserre ou se serre les cheveux. Juste avant de la grenouille, un coussin en cuir de pouce et d'enroulement protéger le bâton et fournir prise pour la main du joueur. L'enroulement peut être un fil, de soie ou de baleine (maintenant imitée par des bandes de plastique jaune et noir alternant.) Certains étudiants se incline (en particulier ceux en fibre de verre solides) substituer un manchon en plastique pour une meilleure adhérence et sinueuse.
Les cheveux de l'arc vient traditionnellement de la queue d'un (techniquement, un gris) cheval mâle "blanc", bien que certains arcs moins chers utilisent la fibre synthétique. Frottement occasionnellement, colophane rend la pince à cheveux de façon intermittente les cordes, les faisant vibrer. Le bâton est traditionnellement faite de brésil, même si un bâton fabriqué à partir de ce type de bois qui est d'une qualité plus restreint (et plus cher) est appelé pernambouc (deux types sont prises à partir des mêmes espèces d'arbres). Certains arcs étudiants sont faits de fibre de verre ou bois divers à bas prix. Les innovations récentes ont permis la fibre de carbone à être utilisé comme matériau pour le manche à tous les niveaux de l'artisanat.
Jouer
La méthode standard de la tenue du violon est avec le côté gauche de la mâchoire reposant sur la mentonnière du violon, et soutenu par l'épaule gauche, souvent assistée par un épaulière. Cette pratique varie dans certaines cultures; par exemple, les Indiens ( Carnatique et Hindustani) violonistes jouent assis sur le sol et se reposent le défilement de l'instrument sur le côté de leur pied. Les chaînes peuvent être sonné en tirant les cheveux de l'arc à travers eux (Arco) ou en les pinçant ( pizzicato). La main gauche régule la longueur de sondage de la chaîne en arrêtant contre la touche du bout des doigts, la production de différents emplacements.
Main gauche et de la production de pas
Comme le violon n'a pas frettes pour arrêter les cordes, le joueur doit savoir exactement où placer les doigts sur les cordes pour jouer avec bonne intonation. Grâce à la pratique et à l'oreille la formation, la main gauche du violoniste trouve les notes intuitivement par La mémoire de muscle. Les débutants se appuient parfois sur des bandes placées sur la touche pour le placement de doigt de la main gauche correcte, mais abandonnent généralement les bandes rapidement à mesure qu'ils avancent. Une autre technique de marquage couramment utilisé utilise des points de blanc sur la touche, qui se dissipent en quelques semaines de pratique régulière. Cette pratique, malheureusement, est parfois utilisé en lieu et place de l'oreille-formation adéquate, de guider le placement des doigts par l'œil et non par l'oreille. Surtout dans les premiers stades de l'apprentissage à jouer, les soi-disant «sonneries» sont utiles. Il ya neuf de ces notes en première position, où une note arrêté sonne un unisson ou avec un autre octave (ouvert) chaîne, faisant vibrer sympathie.
Les doigts sont classiquement numérotés de 1 (index) à 4 (petit doigt). Surtout dans les éditions d'enseignement de la musique de violon, numéros plus les notes peuvent indiquer quel doigt à utiliser, avec "0" indiquant "ouvrir" string. Le graphique de gauche montre l'agencement de notes accessibles en première position. Non représentée sur cette carte est la façon dont l'espacement entre les positions de note devient plus proche que les doigts se déplacent vers le haut (en hauteur) de l'écrou. Les barres sur les côtés du graphique représentent trois des stages de bande habituelles pour les débutants, au 1 er, 2 e haute, et 3 e doigts.
Positions
Le placement de la main gauche sur le manche est caractérisée par «positions». Première position, où la plupart des débutants commencent (bien que certaines méthodes commencent en troisième position), est la position la plus couramment utilisée dans la musique de chaîne. La note la plus basse disponible dans cette position en accordage standard est un G ouverte; note la plus élevée dans la première position est joué avec le quatrième doigt sur le E-string, sonnant un B, ou d'atteindre un demi-pas (aussi connu comme le "quatrième doigt étendu") aux deux octaves C ci-dessus Moyen-C.
Le déplacement de la main jusqu'à la nuque, de sorte que le premier doigt prend la place du deuxième doigt, amène le joueur dans la seconde position. Laisser le premier doigt prendre la place du troisième doigt de premier rang apporte au joueur de troisième position, et ainsi de suite. La limite supérieure de la fourchette de violon est largement déterminée par l'habileté du joueur, qui peut facilement jouer plus de deux octaves sur une seule chaîne, et quatre octaves sur l'instrument dans son ensemble, bien que quand un violoniste a progressé au point de être capable d'utiliser toute la gamme de l'instrument, les références à des positions particulières deviennent moins fréquentes. noms de position sont principalement utilisés pour les positions inférieures et livres de méthode; pour cette raison, il est rare d'entendre des références à quoi que ce soit supérieur à la cinquième position. La position la plus basse sur un violon est à mi-position, dans laquelle le premier doigt est une demi-étape de l'écrou. Cette position est moins fréquemment utilisé. La position la plus haute, pratiquement parlant, est 15 e position.
La même note retentit sensiblement différente, en fonction de ce chaîne est utilisée pour jouer. Parfois, le compositeur ou arrangeur seront spécifier la chaîne à utiliser pour atteindre les résultats souhaités la qualité du son; cela est indiqué dans la musique par le marquage, par exemple, sul G, ce qui signifie de jouer sur la corde de sol. Par exemple, en jouant très haut sur les cordes graves donne une qualité distinctive au son. Sinon, se déplaçant dans différentes positions se fait habituellement pour la facilité de jouer.
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Cordes ouvertes
Cédant ou la plumaison une chaîne ouverte, ce est-, une chaîne joué sans ne importe quel doigt arrêter-donne un son différent d'une chaîne cessé, depuis la corde vibre plus librement à l'écrou que sous un doigt. Autre que la faible G (qui peut être joué dans aucun autre moyen), cordes ouvertes sont généralement évités dans certains styles de jeu classique. Ce est parce qu'ils ont un son un peu plus sévère (en particulier l'open E) et il ne est pas possible d'utiliser directement vibrato sur une corde à vide. Toutefois, cela peut être partiellement compensée par l'application de vibrato sur une note qui est une octave plus haut que la chaîne ouverte.
Dans certains cas, jouer une corde à vide est appelé par le compositeur (et marqué explicitement dans la musique) pour un effet spécial, décidée par le musicien pour des raisons artistiques (commune dans les travaux antérieurs, tels que Bach), ou joué dans un passage rapide, où ils ne peuvent généralement pas être distingués.
Jouer une chaîne ouverte simultanément avec une note arrêté sur une chaîne adjacente produit une cornemuse comme drone, souvent utilisé par les compositeurs à l'imitation de la musique folklorique . Parfois, les deux notes sont identiques (par exemple, la lecture d'un A doigts sur la corde de D contre le ouvrir une chaîne), donnant une sorte de sonnerie de son «violon». Jouer une chaîne ouverte simultanément avec une note arrêté identique peut également être nécessaire lorsque plus de volume est nécessaire, en particulier dans le jeu orchestral.
Arrêts doubles et drones
Double arrêt est lorsque deux chaînes distinctes sont arrêtés par les doigts, et se prosternèrent simultanément, produire une partie d'un accord. Parfois déplaçant à une position plus élevée est nécessaire pour la main gauche pour être en mesure d'atteindre les deux notes à la fois. Sounding une corde à vide à côté une note doigts est une autre façon d'obtenir un accord partiel. Bien que parfois aussi appelé une double arrêt, il est plus correctement appelé un drone, que la note de drone peut être soutenue pour un passage de différentes notes jouées sur la corde adjacente. Trois ou quatre notes peuvent également être joué à un moment (arrêts triples et quadruples, respectivement), et, selon le style de musique, les notes pourraient tous être joués simultanément ou peuvent être lus que deux doubles arrêts successifs, favorisant les notes plus élevées .
Vibrato
Le vibrato est une technique de la main gauche et le bras dans lequel la hauteur de la note varie dans un rythme trépidant. Bien que diverses parties de la main ou du bras peuvent être impliqués dans le mouvement, le résultat final est un mouvement de la pointe du doigt entraînant un léger changement dans vibrant longueur de la chaîne. Violonistes oscillent vers l'arrière, ou moins de la hauteur de la note réelle lors de l'utilisation vibrato, puisque la perception favorise le plus haut degré dans un bruit variable. Vibrato fait peu, sinon rien, pour dissimuler une note out-of-tune: en d'autres termes, le vibrato est un pauvre substitut à une bonne intonation. Pourtant, échelles et autres exercices destinés à travailler sur l'intonation sont généralement joués sans vibrato pour rendre le travail plus facile et plus efficace. Les étudiants en musique sont enseignés que sauf indication contraire dans la musique, le vibrato est supposé ou même obligatoire. Cela peut être un obstacle à un violoniste de formation classique qui souhaitent jouer dans un style qui utilise peu ou pas du tout vibrato, comme la musique baroque joué dans un style d'époque et de nombreux styles de violon traditionnel.
Vibrato peut être produite par une combinaison appropriée des doigts, des poignets et des bras motions. Une méthode, appelée "vibrato de la main," implique bascule la main arrière au niveau du poignet pour atteindre oscillation, tandis que l'autre méthode, "bras de vibrato," module la hauteur en basculant au niveau du coude. Une combinaison de ces techniques permet à un joueur pour produire une grande variété d'effets sonores.
Le «quand» et «pour quoi» de violon vibrato sont des questions artistiques de style et de goût. En termes acoustiques, l'intérêt que vibrato ajoute au son a à voir avec la façon dont le mélange harmonique (ou la couleur de ton, ou le timbre) et le motif du changement de direction de projection sonore avec des changements de hauteur. Par "pointage" le son à différents endroits de la pièce de manière rythmique, ajoute un vibrato "shimmer" ou "vivacité" au son d'un violon bien faite. Voir Schleske et Weinreich.
Harmonie
Effleurant la chaîne avec un doigt à une harmonique noeud crée harmoniques. Au lieu de la tonalité normale, une note plus élevée sons aigus. Chaque noeud est à une division entière de la chaîne, par exemple à mi-chemin ou d'un tiers sur la longueur de la chaîne. Un instrument sensible sera nombreux nœuds harmoniques possibles paraître le long de la longueur de la chaîne.
Les harmoniques sont marqués dans la musique soit avec un petit cercle au-dessus de la note qui détermine la hauteur de l'harmonique, ou par des têtes de notes en forme de losange. Il existe deux types d'harmoniques: les harmoniques naturelles et harmoniques artificielles (également connus sous le nom de «faux harmoniques»).
Harmoniques naturelles sont joués sur une corde à vide. La hauteur de la corde ouverte est appelée la fréquence fondamentale. Harmoniques sont aussi appelés harmoniques. Ils se produisent à des multiples entiers de la fondamentale, qui est appelé la première harmonique. La seconde harmonique est le premier harmonique, la troisième harmonique est la seconde harmonique, et ainsi de suite. La seconde harmonique se situe au milieu de la chaîne et déclenche une octave plus haute que la hauteur de la chaîne. Les tiers pauses harmoniques de chaîne dans le tiers et les sons d'une octave et cinquième dessus de la fondamentale, et le quatrième pauses harmoniques la chaîne en quarts sonnant deux octaves au-dessus de la première. Le son de la seconde harmonique est la plus claire de tous, car ce est une commune noeud avec tous les harmoniques paires suivantes (4, 6, etc.). Les troisième et suivants harmoniques impaires sont plus difficiles à jouer car ils brisent la chaîne en un nombre impair de pièces vibrantes et ne partagent pas autant de nœuds avec d'autres harmoniques.
Les harmoniques artificielles sont plus difficiles à produire que les harmoniques naturelles, car ils impliquent à la fois l'arrêt de la chaîne et de jouer une harmonique sur la note arrêté. Utilisation de la "trame d'octave" -la distance normale entre les premier et quatrième doigts dans toute donnée position avec le quatrième doigt juste toucher la chaîne d'un quatrième plus élevée que la note cessé produit le quatrième harmonique, deux octaves au-dessus de la note arrêté. le placement des doigts et de la pression, ainsi que la vitesse de l'arc, la pression, et le point de résonance sont tous essentiels à obtenir l'harmonique souhaitée à sonner. Et pour ajouter à la difficulté, dans des passages avec des notes différentes joué en tant que faux harmoniques, la distance entre l'arrêt de doigt et le doigt harmonique doit constamment changer, car l'espacement entre les notes des changements le long de la longueur de la chaîne.
Le "doigt harmonique" peut également toucher à un tierce majeure dessus de la note enfoncée (la cinquième de harmonique), ou d'un cinquième supérieur (un troisième harmonique). Ces harmoniques sont moins couramment utilisés; dans le cas de la tierce majeure, à la fois la note et la note arrêté touché doit être joué légèrement piquant contraire l'harmonique ne parle pas aussi facilement. Dans le cas de la cinquième, le tronçon est supérieure est confortable pour beaucoup de violonistes. Dans les fractions de répertoire général plus petites que sixième sont pas utilisés. Cependant, les divisions jusqu'à un huitième sont parfois utilisés et, étant donné un bon instrument et un joueur habile, divisions aussi petites que douzième sont possibles.
Il ya quelques livres consacrés exclusivement à l'étude des harmoniques du violon. Deux œuvres complètes sont La Théorie de sept de volume de Henryk Heller harmoniques, publié par Simrock en 1928, et Cinq volumes de Michelangelo Abbado Tecnica dei Suoni armonici publiée par Ricordi en 1934.
Elaborer des passages en harmoniques artificielles peuvent être trouvés dans la littérature de virtuose du violon, en particulier du 19ème et début du 20ème siècles. Deux exemples notables de cette situation sont une section entière de Vittorio Monti de Csárdás et un passage vers le milieu du troisième mouvement de Piotr Ilitch Tchaïkovski l ' Concerto pour violon.
La main droite et la couleur de tonalité
Le bras droit, la main et l'arc sont responsables de la qualité du son, rythme, dynamique, articulation, et la plupart (mais pas tous) des changements dans timbre.
Cédant techniques
La partie la plus essentielle de se incliner technique est la poignée d'arc. Il est généralement courbé avec le pouce dans le petit espace entre la fourchette et l'enroulement de l'arc. Les autres doigts sont répartis à peu près également dans la partie supérieure de l'arc.
Le violon produit des notes plus puissantes avec une plus grande vitesse d'arc ou plus de poids sur la corde. Les deux méthodes ne sont pas équivalentes, car ils produisent différents timbres; en appuyant sur la chaîne tend à produire un son plus dur, plus intense.
Le point de résonance où l'arc croise la chaîne influe également sur le timbre. Jouer à proximité du pont (sul ponticello) donne un son plus intense que d'habitude, en insistant sur les harmoniques supérieures; et de jouer avec l'archet sur la fin de la touche ( sul tasto ) rend pour un son aérien et délicat, en insistant sur la fréquence fondamentale. Dr. Suzuki visée au point sonnant comme la " route Kreisler "; on peut penser à différents points de sondage comme "voies" à l'autoroute.
Diverses méthodes de «attaque» avec les produits de l'arc différentes articulations. Il existe de nombreuses techniques d'archet qui permettent pour chaque gamme de style de jeu et de nombreux enseignants, joueurs et orchestres passent beaucoup de temps à développer des techniques et la création d'une technique unifiée au sein du groupe. Ces techniques comprennent archet legato style, collé, ricochet, sautillé, martelé, spiccato et staccato.
Pizzicato
Une note marquée pizz. (Abréviation de pizzicato) dans la musique écrite doit être joué en pinçant les cordes avec un doigt de la main droite plutôt que par se incliner. (L'index est le plus couramment utilisé ici.) Parfois, dans la musique en solo virtuose où la main d'arc est occupé (ou pour effet show-off), pizzicato gauche sera indiqué par un "+" (signe plus) ci-dessous ou au-dessus la note. En pizzicato gauche, deux doigts sont placés sur la chaîne; (généralement le point index ou le majeur) est mis sur la note correcte, et l'autre (généralement la bague au doigt ou auriculaire) est mis au-dessus de la note. Le doigt supérieur arrache alors la chaîne tandis que le second reste allumé, produisant ainsi de la hauteur correcte. En augmentant la force du courage, on peut augmenter le volume de la note que la chaîne produit.
Col legno
Un marquage col legno ( italienne pour "avec le bois") dans les appels de la musique écrite pour frapper la chaîne (s) avec le bâton de l'arc, plutôt que par le dessin les cheveux de l'archet sur les cordes. Cette technique d'archet est quelque peu rarement utilisé, et les résultats dans un son de percussion en sourdine. La qualité d'un mystérieux col legno section violon est exploitée dans certains morceaux symphoniques, notamment la «Danse des sorcières» du dernier mouvement de Berlioz Symphonie Fantastique. Poème symphonique de Saint-Saëns "Danse Macabre" comprend la section de chaîne en utilisant la technique de col legno à imiter le son de squelettes de danse. Certains violonistes, cependant, se opposent à ce style de jeu, car il peut endommager le fini et nuire à la valeur d'une amende arc.
Spiccato
Une technique où l'arc est rebondi légèrement sur la chaîne à une vitesse moderato, produisant une série de notes fortement articulées, souvent en conjonction avec doigté passage rapide. Il ya jusqu'à arc et bas-bow variantes de spiccato.
Trémolo
La répétition très rapide (typiquement d'une seule note, mais parfois de plusieurs notes), habituellement joués à la pointe de l'arc.
Muet
Fixation d'un petit métal, caoutchouc, bois ou d'un dispositif appelé " muet "sur le pont du violon donne un ton plus doux, plus moelleux, avec moins audibles harmoniques; le son de toute une section de cordes d'orchestre jouant avec muets a une qualité feutrée. Les marques italiennes classiques pour l'utilisation de sourdine sont con sord. , ou con sordino , "avec sourdine,» ou senza sord. (ou tout simplement senza ), "sans muet." Agrandir métalliques, en caoutchouc ou en bois muets sont disponibles, connu sous le nom «sourdines de pratique» ou «hôtel muets". Ces muets sont généralement pas utilisés dans la performance, mais sont utilisés pour amortir le son du violon dans les domaines de pratique tels que des chambres d'hôtel. Certains compositeurs ont utilisé muets de pratique pour les effets spéciaux, par exemple à la fin de de Luciano Berio Sequenza VIII pour violon solo.
Styles de musique
Musique classique
Depuis la Époque baroque le violon a été l'un des plus important de tous les instruments dans la musique classique, pour plusieurs raisons. Le ton du violon se démarque d'autres instruments, ce qui rend approprié pour jouer la ligne mélodique. Dans les mains d'un bon joueur, le violon est extrêmement agile, et peut exécuter des séquences rapides et difficiles de notes.
Violons constituent une grande partie d'un orchestre , et sont généralement divisées en deux sections, connus comme les premiers et seconds violons. Compositeurs attribuent souvent la mélodie aux premiers violons, tandis que les seconds violons jouent l'harmonie, motifs d'accompagnement ou la mélodie une octave plus bas que les premiers violons. Un quatuor à cordes a similaire pièces pour les premiers et seconds violons, ainsi que d'un alto part, et une basse instrument, comme le violoncelle ou, plus rarement, la contrebasse .
Les instruments à cordes ont la capacité de jouer dans n'importe quel terrain qui, dans les mains de grands joueurs, conduit à merveilleuse gamme de coloration harmonique, ce qui rend possible pour les instruments à être très expressive. Cette capacité est à son meilleur dans la littérature pour quatuor à cordes où des changements sans soudure d'une touche à un accord à l et créer une sorte de monde parfait harmonique où même tiers bague avec une résonance complète.
Jazz
Les premières références à la performance de jazz en utilisant le violon comme instrument soliste sont documentés pendant les premières décennies du 20ème siècle. Le premier grand violoniste de jazz était Joe Venuti qui est surtout connu pour son travail avec le guitariste Eddie Lang pendant les années 1920. Depuis ce temps, il ya eu de nombreux violonistes improvisateurs superbes y compris Stéphane Grappelli, Stuff Smith, Regina Carter, Johnny Frigo et Jean-Luc Ponty. Bien que pas principalement violonistes de jazz, Darol Anger et Mark O'Connor ont passé des parties importantes de leur carrière en jouant du jazz.
Violons apparaissent également dans des ensembles orchestraux fournissant horizons à de nombreux enregistrements de jazz.
Pour une liste plus complète, voir violonistes de jazz.
Musique populaire
Alors que le violon a eu très peu l'utilisation de la musique rock par rapport à ses frères de la guitare et guitare basse, il est de plus en plus absorbé dans la pop grand public avec des artistes comme Octobre bleu, Yellowcard, Linda Brava, The Corrs, The Electric Light Orchestra, et Le Qui (dans la coda de leur chanson 1971 Baba O'Riley). Jefferson Airplane, Jefferson Starship & Hot Tuna incorporés les stylings violon électrique de Papa John Creach dans leur signature sonore dans les années 1970 et 1980. Les artistes indépendants tels que Final Fantasy et Andrew Bird ont également stimulé l'intérêt accru dans l'instrument. Il a également vu l'utilisation dans le genre post-rock par des groupes comme Sigur Rós, Zox, Broken Social Scene, A Silver Mt. Sion et le violon électrique trouvé dans Les Crüxshadows.
Les très populaires Motown des années 1960 et 1970 comptaient beaucoup sur des chaînes dans le cadre de leur texture de la marque. Genres antérieures de la musique pop, du moins ceux séparée de la roche et de mouvement de roulis, avaient tendance à faire usage des orchestres traditionnels, parfois assez grands; exemples comprennent les américains "Crooners" tels que Bing Crosby.
À la fin des années 1960 et au début des années 1970, le violon (ou "violon") était courante dansles bandes britanniques folk-rock, comme Fairport Convention et Steeleye Span.
Plusieurs années 1970 groupes de rock progressif, comme King Crimson (la troisième ligne qui met en vedette John Wetton et David Cross),Comus, etKansas sélectionnée violonistes en tant que membres à part entière de la bande.
Jusqu'aux années 1970, la plupart des types de musique populaire utilisé cordes frottées, mais la montée de la musique électronique créé dans les années 1980 ont vu une baisse de leur utilisation, comme sections de cordes synthétisées ont pris leur place. Depuis la fin du 20e siècle, véritables chaînes ont commencé à faire un retour dans la musique pop.
Dans les années 1970la musique disco souvent en vedette violons dans un rôle de premier plan, dans des chansons telles queGood timesdeChic,je vais survivreparGloria Gaynor etle thème de l'amourparamour Unlimited Orchestra.
Musique pop indienne et arabe est rempli avec le son des violons, deux solistes et ensembles.
L'utilisation de violons et d'autres instruments à cordes du genre est devenu très populaire dans certainssous-genres de métaux lourds tels quele métal symphonique,métal gothique et dans les nouveauxgroupes de black metal. En outre, certaines folkloriques /bandes métalliques Viking utilisent le violon dans leurs chansons (c.Thyrfing), et certains ont même un violoniste permanent (Ásmegin).
Dans les années 1990 et 2000, les violons ont commencé à apparaître dansdes groupes de rock.Smashing Pumpkins sont bien connus pour leurs sections basée violon, etde JamesSaul Davies, qui est aussi unguitariste, a été enrôlé par le groupe en tant que violoniste.
Un des groupes les best-sellers des années 1990, les Corrs, comptaient beaucoup sur les compétences de la violoniste Sharon Corr. Le violon a été intimement intégré à la tin whistle irlandais, l'Irish tambour à main ( bodhran), ainsi que d'être utilisé comme intro et outro de beaucoup de leurs chansons pop-rock celtique aromatisés.
Indie Rock BandOpérateur S'il vous plaît dispose violon comme une partie intégrante de sa sonorité.
Même la scène R & B a été introduit à la voix du violon. Avec l'aide de Miri Ben Ari-, de nombreux artistes tels que Twista et Alicia Keys ont utilisé les sons du violon à embrasser leurs œuvres. Miri Ben Ari-même a fait un seul solo de violon, showcasting son ton talent.
Musique classique indienne
Le violon est une partie très importante de la musique classique d'Inde du Sud ( de la musique carnatique). Il est soupçonné d'avoir été introduite à la tradition indienne du sud par Baluswamy Dikshitar. Bien que principalement utilisé comme un instrument d'accompagnement, le violon est devenu populaire comme instrument soliste dans l'orchestration. Compositeurs de films populaires tels que Ilaiyaraaja ont utilisé le violon largement dans la musique de film notation.
Musique folklorique et violon
Comme beaucoup d'autres instruments utilisés dans la musique classique, le violon descend de lointains ancêtres qui ont été utilisés pour la musique folklorique . Suite à une phase de développement intensive à la fin de la Renaissance , en grande partie en Italie , le violon était améliorée (en volume, le ton, et l'agilité), au point qu'il est devenu non seulement un instrument très important dans la musique savante, mais avérée très attrayante pour musiciens folkloriques ainsi, en fin de compte la diffusion très large, parfois déplacement instruments à archet tôt. ethnomusicologues ont observé son utilisation très répandue en Europe, en Asie et dans les Amériques.
Dans de nombreuses traditions dela musique folklorique, les chansons ne sont pas écrites, mais sont mémorisés par les générations successives de musiciens et transmises dans les deux contextes formels et informels.
Violon
Quand il est joué comme un instrument folklorique, le violon est habituellement appelée en anglais comme unviolon(bien que le terme «violon» peut être utilisé de manière informelle quel que soit le genre de musique).
Il est techniquement aucune différence entre un violon et un violon. Cependant, certains violoneux folk modifient leurs instruments pour diverses raisons. Un exemple peut être vu dans American (par exemple, bluegrass et old-time) violon: dans ces styles, le pont est parfois rasé bas de sorte qu'il est moins courbé. Cela rend plus facile à jouer arrêts doubles et triples arrêts, permettant de jouer des accords avec moins d'effort.
Violons électriques
Unviolon électriqueest un violon équipé d'une sortie de signal électrique de son acoustique, et est généralement considéré comme un instrument spécialement construit qui peut être soit:
- unviolon électro-acoustiquecapable de produire des sons acoustiques et un signal électrique
- unviolon électriquecapable de produire seul signal électrique
Pour être efficace comme un violon acoustique, violons électro-acoustiques conserver une grande partie de la caisse de résonance du violon, à la recherche souvent très semblable, voire identique, à un violon acoustique ou violon. Ils sont souvent peintes avec des couleurs vives et fabriqués à partir de matériaux de substitution au bois. Les premiers spécialement construites violons électriques remontent à la fin des années 1930 et ont été faites par Victor Pfeil, Oskar Vierling, George Eisenberg, Benjamin Miessner, George Beauchamp, Hugo Benioff et Fredray Kislingbury. La majorité des premiers violonistes électriques étaient musiciens de jazz et de musique populaire.
Authentification Violon
Violon authentification est le processus de détermination de l'auteur et la date d'un violon . Plusieurs références peuvent être nécessaires pour aider dans le processus d'authentification. Ceci est souvent utilisé pour lutter contre les pratiques frauduleuses telles que la falsification de violon et d'autres formes de fausse déclaration.
