Contrebasse
À propos de ce écoles sélection Wikipedia
Les articles de cette sélection écoles ont été organisés par sujet du programme d'études grâce aux bénévoles d'enfants SOS. Parrainage d'enfants aide les enfants du monde en développement à apprendre aussi.
 Vues de côté et de face d'une contrebasse moderne avec un arc à la française | |
| instrument à cordes | |
|---|---|
| Autres noms | Basse, contrebasse, la contrebasse, basse acoustique, contrebasse, basse violon, viole de gambe, basse de violon, taureau violon, basse niche, basse standup |
| Classification | instrument à cordes ( courbé ou pincées) |
| Classement Hornbostel-Sachs | 321,322 à 71 (Composite cordophone sonné par un arc) |
| Développé | 15ème siècle |
| Jouer gamme | |
 | |
| Instruments connexes | |
| |
| Musiciens | |
| |
La contrebasse, aussi appelée la contrebasse, la contrebasse, basse de violon, basse violon, basse niche, contrebasse, basse de viole, stand-up ou un taureau basse violon, est le plus grand et le plus bas aigu inclina instrument à cordes de la violon famille dans le moderne orchestre symphonique , avec des cordes généralement accordés sur E1, A1, D2 et G2 (voir accordage standard). La contrebasse est un membre standard de la section des cordes de l'orchestre et petits ensembles de cordes La musique classique occidentale. En outre, il est utilisé dans d'autres genres tels que le jazz , style des années 1950 Blues et rock and roll, rockabilly / psychobilly, traditionnelle musique country , bluegrass, tango et de nombreux types de musique folk . Une personne qui joue de la contrebasse est généralement considéré comme un bassiste.
La contrebasse se situe autour de 180 cm (six pieds) de défilement pour pique, et est généralement construit à partir de plusieurs types de bois, dont l'érable pour le dos, l'épinette pour le haut, et d'ébène pour la touche. Il est incertain si l'instrument est un descendant de la viole de gambe ou du violon, mais il est traditionnellement alignés avec la famille du violon. Alors que la contrebasse est presque identique dans la construction d'autres instruments de la famille du violon, il incarne également des caractéristiques trouvées dans le plus famille des violes.
Comme beaucoup d'autres instruments à cordes, la contrebasse est joué soit avec un arc (Arco) ou en pinçant les cordes ( pizzicato). Dans le répertoire orchestral et de la musique de tango, à la fois arco et pizzicato sont employés. Dans le jazz, le blues et rockabilly, pizzicato est la norme, sauf pour quelques solos et également parties écrites occasionnelles dans le jazz moderne qui appellent à se incliner.
Lors de la lecture de la contrebasse, le bassiste soit debout ou assis sur un haut tabouret et se penche l'instrument contre le corps du bassiste avec la basse se tourna légèrement vers l'intérieur afin d'atteindre plus facilement les cordes. Cette position est également une des principales raisons pour les épaules en pente de la basse, qui marquent le distingue des autres membres de la famille du violon, comme les épaules étroites facilitent jeu des cordes dans leurs registres plus élevés.
La contrebasse est un transposant instrument et une sons octave inférieure notée.
Histoire
La contrebasse est généralement considéré comme un descendant moderne de la famille des cordes d'instruments qui a pris naissance en Europe au 15ème siècle, et en tant que telle a été décrit comme une basse de violon. Avant le 20e siècle, de nombreux contrebasses ne avait que trois chaînes, contrairement les cinq à six cordes typiques des instruments de la famille des cordes ou les quatre cordes d'instruments de la famille du violon. Certains instruments existants, tels que ceux de Gasparo da Salò, ont été convertis à partir du 16ème siècle à six cordes contrebasse violoni.
Les proportions de la contrebasse sont différents de ceux du violon et violoncelle; par exemple, il est plus profonde (la distance du haut vers l'arrière est proportionnellement beaucoup plus grand que le violon). En outre, alors que le violon a bombé épaules, la plupart des contrebasses ont épaules sculptées avec une pente plus aigu, comme membres de la famille des violes. Beaucoup de très vieilles contrebasses ont eu leurs épaules coupées ou en pente pour aider à jouer avec les techniques modernes. Avant ces modifications, la conception de leurs épaules était plus proche aux instruments de la famille du violon.
La contrebasse est le seul instrument moderne se inclina de chaîne qui est accordé en quartes (comme un viol), plutôt que cinquièmes (voir Tuning ci-dessous). La question de la lignée exacte de l'instrument est encore un sujet de débat, et la supposition que la contrebasse est un descendant direct de la famille des violes est une qui n'a pas été entièrement résolu.
Dans son une nouvelle histoire de la contrebasse, affirme Paul Brun, avec de nombreuses références, que la contrebasse a des origines que la vraie basse de la famille violon. Il affirme que, tandis que l'extérieur de la contrebasse peut ressembler à la viole de gambe, la construction interne de la contrebasse est presque identique aux instruments dans le famille violon, et très différente de la structure interne de violes.
Terminologie
Une personne qui joue de cet instrument est appelé un bassiste, contrebassiste, bassiste, contrebassiste, le contrebassiste, ou bassiste. Les noms contrebasse et contrebasse se réfèrent à la portée de l'instrument et l'utilisation dans l'octave en dessous de la contre violoncelle, aussi appelé le 16 Octave par rapport à l'organe de l'église. Les termes de l'instrument parmi les interprètes de musique classique sont contrebasse (qui vient de nom italien de l'instrument, contrebasse), contrebasse (à distinguer d'un instrument de basse en laiton dans un orchestre d'harmonie), ou tout simplement la basse.
Dans le jazz et d'autres genres en dehors de la musique classique, cet instrument est communément appelée la contrebasse ou basse acoustique pour la distinguer de l'électrique guitare basse. Dans folklorique et la musique bluegrass, l'instrument est également considéré comme un violon de basse ou de la basse violon (ou plus rarement aussi graves niche ou un taureau violon). Autres surnoms colorés se trouvent dans d'autres langues; en hongrois, par exemple, la contrebasse est parfois appelé Bogo Nagy, qui se traduit à peu près comme «grand crieur», se référant à sa grande voix.
Conception
En général, il existe deux approches principales pour la forme la conception de lignes de la contrebasse: la forme de violon (montré dans l'image étiqueté à droite); et le formulaire de gambe viole da (montré dans l'image d'en-tête). Un troisième de conception moins fréquente, appelée la forme de Busetto, peut également être trouvée, tout comme la forme de la guitare ou de poire encore plus rare. Le dos de l'appareil peut varier d'être un tour, sculpté retour similaire à celle du violon, un plat et un angle arrière similaire à la famille des violes.
La contrebasse dispose de nombreuses parties qui sont semblables aux membres de la famille du violon, y compris un pont, f-trous, un cordier, un défilement, et un Âme. Contrairement au reste de la famille du violon, de la contrebasse reflète encore une influence, et peut être considéré issues, en partie, de la famille des violes d'instruments, en particulier la violone, le membre de la basse de la famille des violes.
La contrebasse diffère également des membres de la famille du violon en ce que les épaules sont généralement en pente, le dos est souvent inclinée (à la fois pour permettre un accès plus facile à l'instrument, en particulier dans la gamme supérieure), et machines tuners sont toujours équipés. L'absence de normalisation dans la conception signifie que l'on peut contrebasse son et le look très différent d'un autre.
Construction
La contrebasse est le plus proche dans la construction de violons, mais a quelques similitudes notables au violone (littéralement «grande viole"), le membre le plus important et le plus bas de la famille de la viole de gambe. Contrairement au violone, cependant, la touche de la contrebasse est frettes, et la contrebasse a moins de cordes (le violone, comme la plupart des violes, généralement eu six cordes, bien que certains spécimens avaient cinq ou quatre).
Une distinction importante entre la contrebasse et les autres membres de la famille du violon est la construction de la cheviller. Alors que le violon, l'alto , et violoncelle toute utilisation friction chevilles d'ajustements de réglage brut, la contrebasse a métal têtes de machines. La clé de la machine de réglage tourne une vis sans fin en métal, qui entraîne un vis sans fin qui serpente la chaîne. Bien que cette évolution rend tendeurs inutile, un très petit nombre de bassistes les utiliser quand même. A la base de la contrebasse est une tige métallique avec une extrémité à pointes appelé la pique, qui repose sur le sol. Cette pique est généralement plus robuste que celle d'un violoncelle, en raison de la plus grande masse de la contrebasse.
Les matériaux les plus souvent utilisés dans une construction à double bass sont l'érable (dos, cou, côtes), l'épinette (en haut), et d'ébène (touche, cordier). Les exceptions à cette comprennent basses moins coûteux qui ont stratifié ( contreplaqué) sommets, le dos, et les côtes, et quelques basses milieu de gamme les plus récents en saule . Ces basses sont résistants aux changements de chaleur et l'humidité, ce qui peut provoquer des fissures dans des sommets en épicéa. basses de stratifié de contreplaqué, qui sont utilisés dans les écoles de musique, des orchestres de jeunes, et dans les milieux musicaux populaires et folkloriques, sont très résistants à l'humidité et de la chaleur, ainsi à l'abus physique, ils sont susceptibles de rencontrer dans un environnement scolaire (ou, pour le blues et musiciens folkloriques, aux aléas de la tournée et l'exécution dans les bars).
Le Âme et bar graves sont des éléments de la construction interne. Toutes les parties d'une contrebasse sont collées ensemble, sauf l'Âme, pont, et le cordier, qui sont maintenus en place par la tension de chaîne (bien que l'Âme reste généralement en place lorsque les cordes de l'instrument sont desserrés ou retirés). Les machines de réglage de métal sont fixées aux côtés de la chevillier avec des vis métalliques. Bien que les mécanismes de réglage diffèrent généralement des instruments à cordes orchestrales plus aigus, basses certains ont non fonctionnel, d'ornement tuning chevilles saillie du côté de la cheviller, à l'imitation des chevilles sur un violoncelle ou violon.
Célèbres doubles décideurs de basse viennent de partout dans le monde et représentent souvent des caractéristiques nationales variées. Les instruments les plus recherchés (et coûteux) viennent d'Italie et comprennent basses faites par Giovanni Paolo Maggini, Gaspar da Salo, la famille Testore (Carlo Antonio, Carlo Giuseppe, Gennaro, Giovanni, Antonio Paulo), Celestino Puolotti, et Matteo Gofriller. Basses français et anglais sont également recherchés par les joueurs de haut calibre.
Instruments à cordes
L'histoire de la contrebasse est étroitement couplé au développement de la technologie de chaîne, comme ce était l'avènement de cordes en boyau surenroulement, qui rendaient premier l'instrument plus généralement possible, que (sur) cordes filées atteignent notes faibles dans un diamètre de chaîne globale inférieure aux chaînes non-blessure.
Avant le milieu du 20e siècle, doubles cordes de basse ont été habituellement faites de gut, mais, depuis ce temps, l'acier a largement remplacé, parce que les chaînes en acier tiennent leur terrain mieux et donner plus de volume lors de la lecture avec l'arc. cordes en boyau sont également plus vulnérables aux changements d'humidité et de température, et ils cassent beaucoup plus facilement que des cordes en acier. cordes en boyau sont aujourd'hui principalement utilisés par les bassistes qui se produisent dans ensembles baroques, bandes de rockabilly, traditionnelle groupes de blues, et bandes bluegrass. Gut chaînes fournissent l'obscurité, "thumpy" son entendu sur 1940 et 1950 enregistrements. Le regretté Jeff Sarli, un contrebassiste de blues, a déclaré que, "partir des années 1950, ils ont commencé à réinitialiser les cous sur les basses pour cordes en acier." Rockabilly et bluegrass bassistes préfèrent également intestin car il est beaucoup plus facile à réaliser la "gifler" style de contrebasse (dans laquelle les cordes sont percussion giflé et cliqué sur le manche) avec des cordes en boyau qu'avec des cordes en acier. (Pour plus d'informations sur les gifles, consultez les sections ci-dessous sur modernes styles de jeu , double basse dans la musique bluegrass, Contrebasse dans le jazz, et Contrebasse dans la musique populaire).
Le changement de l'intestin à l'acier a également affecté la technique de jeu de l'instrument au cours des cent dernières années, parce que l'acier permet les chaînes à être mis en place près de la touche, et, en outre, des cordes peut être joué dans des postes plus élevés sur les cordes graves et encore produire un son clair. Le 19ème siècle classique Franz Simandl méthode ne utilise pas la corde de Mi bas dans des postes plus élevés parce que, avec les anciennes cordes en boyau mis en place haut sur la touche, le ton ne était pas clair dans ces postes plus élevés. Cependant, avec des cordes en acier modernes, bassistes peuvent jouer avec son clair dans des postes plus élevés sur le faible E et A cordes, en particulier lorsque plus léger de calibre moderne, à faible tension des cordes en acier sont utilisés.
Arcs
La contrebasse arc est disponible en deux formes distinctes (ci-dessous). Le ou "pronation" bow "français" est similaire en forme et mise en œuvre à l'arc utilisé sur les autres membres de la famille des instruments à cordes d'orchestre, tandis que la proue "allemande" ou "Butler" est généralement plus large et plus courte, et est maintenu en une position "poignée de main".
Ces deux arcs offrent différentes façons de bouger le bras et en distribuant la force sur les cordes. Les partisans de l'arc français font valoir qu'il est plus maniable, en raison de l'angle sous lequel le joueur tient l'archet. Les partisans de l'arc allemande prétendent qu'il permet au joueur d'appliquer plus de poids du bras sur les cordes. Les différences entre les deux, cependant, sont minute pour un joueur compétent, et les joueurs modernes dans de grands orchestres utilisent les deux arcs.
Arc allemande
L'arc allemande (parfois appelé l'arc Butler) est le plus ancien des deux modèles. La conception de l'arc et la manière de le tenir descendre de la famille de l'instrument de viole plus. Avec violes âgées, avant de filets de vis ont été utilisés pour serrer l'arc, les joueurs ont tenu la proue avec deux doigts entre le bâton et les cheveux pour maintenir la tension de la chevelure. Les partisans de l'utilisation de l'arc allemande affirment que la proue allemande est plus facile à utiliser pour les coups lourds qui nécessitent beaucoup de puissance.
En comparaison avec l'arc français, l'arc allemande a un plus grand grenouille, et il est maintenu avec les palmiers angle vers le haut, comme on le fait pour les membres verticaux de la famille des violes. Lorsque tenue de manière correcte, le pouce se applique la puissance nécessaire pour générer le son désiré. L'index répond l'arc au point où la grenouille répond le bâton. L'index est également utilisée pour appliquer un couple à la hausse à la grenouille en inclinant l'arc. Le petit doigt (ou "pinky") prend en charge la grenouille par le dessous, tandis que la bague au doigt et repose-doigt du milieu dans l'espace entre les cheveux et l'arbre.
Arc Français
L'arc français ne était pas très populaire jusqu'à son adoption par le virtuose du 19ème siècle Giovanni Bottesini. Ce style est plus proche des arcs traditionnels des instruments de la famille des cordes plus petites. Il est tenu comme si la main est posée à côté de l'interprète avec la paume tournée vers la basse. Le pouce repose sur l'arbre de l'arc, à côté de la grenouille, tandis que les autres doigts drapé sur l'autre côté de la proue. Différents styles dictent la courbe des doigts et le pouce, tout comme le style de pièce; une courbe plus prononcée et plus léger attente sur l'arc est utilisé pour virtuoses ou plusieurs pièces délicates, tandis qu'un aplatissement de la courbe et l'adhérence plus solide sur l'arc sacrifie un certain pouvoir pour faciliter le contrôle des accidents vasculaires cérébraux tels que détaché, spiccato et staccato.
Bow construction et des matériaux
Double arcs basses varient en longueur, allant de 60 cm (24 ") à 75 cm (30"). Pernambuco, également connu sous le Pernambouc, est considéré comme un excellent matériau de bâton de qualité, mais en raison de sa rareté et le coût, d'autres matériaux sont de plus en plus utilisé. Arcs étudiants moins coûteux peuvent être construits en solide fibre de verre ou de variétés de moindre valeur de Pernambouc. Amourette et fibres de carbone sont également utilisés dans des arcs d'une variété de qualités différentes. La grenouille de l'archet de contrebasse est généralement fabriqué à partir de ébène, amourette et bien corne de buffle sont utilisés par certains luthiers. L'enroulement du fil est l'or ou l'argent dans de nombreux arcs de qualité, et les cheveux est généralement crin de cheval.
La contrebasse arc est bandé avec soit crin blanc ou noir, ou une combinaison des deux (connu sous le nom «poivre et sel»), par opposition à la crin blanc coutumier utilisé sur les arcs d'autres instruments à cordes. Certains soutiennent que les bassistes les cheveux noirs légèrement rugueuse "attrape" les cordes graves, lourds mieux. En outre, certains bassistes et luthiers croient qu'il est plus facile de produire un son plus lisse avec la variété blanche. Les cheveux roux (châtaignier) est également utilisé par certains bassistes. Certains des arcs d'étudiants bas-qualité sont fabriqués avec des cheveux synthétiques.
Colophane
Les instrumentistes à cordes se appliquent colophane aux cheveux d'arc de sorte qu'il sera "grip" la chaîne et la faire vibrer. Contrebasse colophane est généralement plus douce et collante que la colophane violon pour permettre les cheveux afin de mieux saisir les cordes plus épaisses, mais les joueurs utilisent une grande variété de résines qui varient d'assez difficile (comme la colophane violon) à tout doux, en fonction de la météo, le l'humidité, et de la préférence du joueur. La quantité utilisée dépend généralement du type de musique en cours d'exécution, ainsi que les préférences personnelles du joueur. Bassistes peuvent se appliquer plus de colophane dans des œuvres pour grand orchestre (par exemple, les symphonies de Brahms) que pour les œuvres de chambre délicates. Certaines marques de colophane, tels que la contrebasse colophane Pop, sont plus doux et plus enclin à la fusion par temps chaud. Les autres marques, comme Carlsson ou Nyman Harts contrebasse colophane, sont plus difficiles et moins sujettes à la fusion.
Terrain
La note la plus basse d'une contrebasse est un E 1 (sur quatre cordes basses-standards) à environ 41 Hz ou B0 (lorsque cinq chaînes sont utilisées) à environ 31 Hz, dans environ une octave au-dessus du fréquence la plus basse que l'oreille humaine peut percevoir comme moyenne un terrain distinctif. Le sommet de la gamme de touche de l'instrument est généralement près de la D deux octaves et cinquième dessus du terrain ouverte du G string (G4), comme indiqué dans la gamme illustration trouvé à la tête de cet article. Lecture au-delà de l'extrémité de la touche peut être accompli en tirant légèrement la chaîne sur le côté.
De nombreuses parties contrebasse symphoniques et concertos virtuoses emploient (également appelés harmoniques tonalités flageolet). À la fois naturel harmoniques et harmoniques artificielles, où le pouce se arrête la note et l'octave ou autre harmonique est activé en touchant légèrement la corde au point de noeud par rapport, d'étendre considérablement la portée de l'instrument.
Parties orchestrales exigent rarement la contrebasse dépasse une gamme de deux octaves (une exception à cette règle est Carmina Burana de Carl Orff, qui appelle à trois octaves et une quarte). Cependant, il ya pas de limite à la gamme supérieure une soliste virtuose peut réaliser en utilisant les harmoniques naturelles et artificielles. La haute harmonique dans la gamme illustration trouvé à la tête de cet article peut être considéré comme représentatif plutôt que normative.
Cinq instruments à cordes ont une chaîne supplémentaire généralement accordé à une faible B après la chaîne de E. Parfois, une chaîne plus élevé est ajouté à la place, accordé à la C au-dessus la corde de sol.
Quatre instruments cordes peuvent comporter l' extension C étendant la gamme de la chaîne de E vers le bas pour C.
Traditionnellement, la contrebasse est un transposant instrument. Comme une grande partie de la gamme de la contrebasse se situe en dessous de la norme clé de fa, il est noté une octave plus haut que ça en al'air. Cette transposition se applique même lorsque la lecture de la ténor et clé de sol, qui sont utilisés pour éviter les lignes du grand livre excessives lors de notation de la plage supérieure de l'instrument. D'autres traditions de notation ne existent; Musique solo italienne est généralement écrit à la hauteur de sondage et la méthode allemande "vieux" sonnait une octave en dessous où notation sauf dans la clef de sol, où la musique a été écrite à la hauteur.
Réglage
La contrebasse est généralement accordée quarts, contrairement aux autres membres de la famille des cordes d'orchestre, qui sont à l'écoute cinquièmes. L'accordage standard (faible à élevé) est EADG, à partir de E-dessous secondes bas C ( un concert). Ce est le même que l'accordage standard d'une guitare basse et est l'un octave plus bas que les quatre cordes bas-pente de syntonisation de guitare standard.
Tout au long de répertoire classique, il ya des notes qui tombent en dessous de la portée d'un double bass standard. Notes ci-dessous à faible E apparaissent régulièrement dans les doubles parties de basse trouvés dans les arrangements et interprétations ultérieures de Musique baroque. Ces pièces sont des transpositions de pièces écrites pour d'autres instruments de basse utilisés avant la contrebasse moderne est devenu commun et peuvent effectivement réduire la part d'une octave.
Dans le Époque classique, la contrebasse généralement doublé la partie de violoncelle une octave en dessous, ce qui nécessite parfois descente vers C en dessous de la E de la quatre cordes contrebasse. Dans le Époque romantique et le 20e siècle, des compositeurs comme Wagner , Mahler, Busoni et Prokofiev a également demandé notes ci-dessous la faible E. Il existe deux méthodes communes pour faire de ces notes à la disposition du joueur. Certains grands orchestres européens utilisent basses avec une cinquième corde, accordé à B trois octaves et demi-ton en dessous Moyen-C. Les joueurs avec contrebasses standard (EADG) jouent généralement les notes ci-dessous "E" une octave plus haut.
En Grande-Bretagne, les États-Unis et au Canada, la plupart des musiciens d'orchestre professionnels utilisent quatre cordes doubles avec une extension de C, qui se étend la corde la plus aussi loin que faible C, une octave en dessous de la note la plus basse au violoncelle; plus rarement, cette chaîne peut être réglé à une faible B, as). L'extension est une section supplémentaire de touche monté dessus de la tête de la basse. Il existe plusieurs variétés d'extensions.
Dans les simples extensions mécaniques, il n'y a pas des aides mécaniques liés à l'extension de touche sauf un écrou de blocage pour la note "E". Pour jouer les notes d'extension, le joueur remonte sur les chevilles à appuyez sur la chaîne à la touche. L'avantage de cette extension "doigts", ce est que le joueur peut ajuster l'intonation de la totalité de la arrêté des notes sur l'extension, et il n'y a pas de bruits mécaniques à partir de touches et leviers métalliques. L'inconvénient de l'extension "doigts", ce est qu'il peut être difficile d'effectuer des alternances rapides entre les notes faibles sur l'extension et des notes sur le manche régulier, comme une ligne de basse qui alterne rapidement entre «G» et la faible D.
Le type le plus simple de l'aide mécanique est l'utilisation de «doigts» en bois qui peuvent être fermés à appuyer sur la chaîne vers le bas et la frette C♯, D, Eb, E ou notes. Ce système est particulièrement utile pour les lignes de basse ayant une répétition point de pédale comme un faible D, car une fois que la note est verrouillé en place avec la mécanique "doigt," la corde la plus sonne une note différente quand il est joué ouvert (par exemple, une faible D).
L'aide mécanique plus compliqué pour une utilisation avec des extensions est le système de levier mécanique surnommé la machine. Ce système de levier, qui ressemble superficiellement le mécanisme de manipulation des instruments à anche comme le basson, monte leviers à côté de la touche régulière (près de l'écrou, sur le "E" côté chaîne), qui activent à distance "doigts" métalliques sur la touche d'extension. Les systèmes de levier de métal le plus coûteux donnent aussi au joueur la possibilité de «verrouiller» des notes sur le manche d'extension, comme avec le système bois "doigt". Une critique de ces dispositifs est qu'ils peuvent conduire à des indésirables bruits de cliquetis métallique.
Un petit nombre de bassistes affiner leurs chaînes dans cinquièmes, comme un violoncelle, mais une octave plus bas (CGDA faible à élevé). Cette gamme a été utilisé par le joueur de jazz Red Mitchell et est de plus en plus utilisé par les joueurs classiques, notamment le bassiste canadienne Joel Quarrington. En solo classique à la contrebasse est généralement accordé un ton entier supérieur (F ♯ -BEA). Ce réglage supérieur est appelé tuning en solo, alors que l'accord régulière est connu comme "tuning orchestre." Tension de la corde est tellement différent entre solo et orchestre tuning qu'un ensemble différent de cordes est souvent employé qui a une jauge plus léger. Les chaînes sont toujours étiquetés pour en solo ou tuning orchestre et de la musique en solo publié est prévu pour le réglage soit en solo ou orchestre. Certains solos populaires et concertos, comme le Koussevitzky Concerto sont disponibles à la fois en solo et arrangements orchestraux d'accord.
Beaucoup de compositeurs contemporains spécifient scordatura hautement spécialisé. Berio, par exemple, demande au joueur de régler ses cordes EG♯-DG de Sequenza XIV b et Scelsi demande à la fois pour FADE et FAFE à Nuits.
Une variante et forme beaucoup moins couramment utilisée de tuning solo utilisé dans certains pays d'Europe orientale est (ADGC), qui utilise trois des chaînes de tuning orchestrale (ADG), puis ajoute un "C" chaîne haute. Certains bassistes avec basses cinq cordes utilisent un "C" chaîne haut que la cinquième corde, au lieu d'un "B" chaîne faible. L'ajout de la haute "C" chaîne facilite l'interprétation du répertoire solo avec un haut tessiture (plage). Une autre option est d'utiliser à la fois un faible C (ou B) l'extension et une chaîne haute C.
Lors du choix d'une basse avec une cinquième corde, le joueur doit choisir entre ajouter une chaîne supérieur ou inférieur à l'écoute. Instruments de six cordes sont généralement considérés comme peu pratique. Pour accueillir la chaîne supplémentaire, la touche est généralement un peu plus large, et le haut légèrement plus épais pour gérer la tension accrue. Certains instruments cinq cordes sont convertis instruments à quatre cordes. Parce que ceux-ci ne ont pas Touches larges, certains joueurs les trouver plus difficile de doigt et arc. Convertis basses-quatre cordes exigent habituellement soit un nouveau sommet épais, ou des chaînes légères pour compenser la tension accrue.
Jouer et considérations de performance
Corps et la main la position
Contrebassistes soit debout ou assis à jouer l'instrument. La hauteur de l'instrument est réglé en ajustant la pique de telle sorte que le joueur peut atteindre les zones de jeu souhaitées des cordes à l'arc ou à la main plumer.
Bassistes qui se tiennent et se inclinent parfois mis la pique en alignant le premier doigt dans la première ou la position demi avec le niveau de l'œil, bien qu'il y ait peu de standardisation dans ce domaine.
Les joueurs qui siègent utilisent généralement un tabouret de la hauteur de la longueur des pantalons entrejambe du joueur.
Traditionnellement, les contrebassistes se tenaient lors de la lecture en solo et se sont assis quand ils ont joué dans la fosse d'orchestre ou un opéra. Maintenant, les styles de jeu se sont spécialisés au point où un joueur peut rarement satisfaisante effectuer à la fois debout et assis. Par conséquent, maintenant de nombreux solistes assis (comme avec Joel Quarrington, Jeff Bradetich, Thierry Barbé et autres) et orchestres emploient souvent bassistes debout.
Lors de la lecture dans la gamme supérieure de l'instrument (au-dessus du G-dessous du milieu C), le joueur déplace sa main de derrière le cou et l'aplatit, en utilisant le côté du pouce pour appuyer sur la chaîne. Cette technique-aussi utilisé sur la position violoncelle est appelé pouce. Pendant la lecture en position de pouce, quelques joueurs utilisent la quatrième (peu) doigt, car il est trop faible pour produire un son fiable (ce est aussi vrai pour violoncellistes), bien que certains accords extrêmes ou techniques étendues, en particulier dans la musique contemporaine, peuvent nécessiter son utilisation.
Considérations physiques
Exécution à la basse peut être physiquement exigeant parce que les chaînes sont larges et épais. En outre, l'espace entre les notes sur le manche est grande en raison de l'espacement de longueur de l'échelle et de la ficelle, afin que les joueurs doivent changer de position fréquemment. La basse est généralement déconseillée pour les personnes ayant des bras plus courts et les petites mains à cause des grands écarts de notes et les cordes épaisses. L'utilisation accrue des techniques de jeu telles que la position du pouce et des modifications à la basse, telles que l'utilisation de chaînes de calibre plus léger à tension plus faible, ont facilité la difficulté de jouer de l'instrument. Parties de basse ont relativement moins de passages rapides, les arrêts doubles, ou de grands sauts dans la gamme. Ces pièces sont habituellement donnés à la section de violoncelle parce que ce est un instrument plus petit et sont généralement accordé ensemble.
Comme avec tous les non-frettes instruments à cordes, les artistes doivent apprendre à placer leurs doigts précisément pour produire la hauteur correcte. Le mouvement plus fréquent des mains requise par la taille de l'instrument augmente la probabilité d'erreurs d'intonation. Pour les bassistes avec les petites mains, les grands espaces entre les emplacements peuvent présenter un défi important, en particulier dans la gamme la plus basse, où les espaces entre les notes sont les plus grands.
Jusqu'aux années 1990, contrebasses taille enfant ne étaient pas largement disponibles, et la grande taille de la basse signifie que les enfants ne étaient pas en mesure de commencer à jouer de l'instrument jusqu'à ce que leur taille de la main et la hauteur leur permettrait de jouer un modèle 3/4 de taille (la taille la plus couramment disponible). À partir des années 1990, plus petite demi, quart, huitième et seizième instruments même taille est devenu plus largement disponibles, ce qui signifie que les enfants puissent commencer à un âge plus jeune.
Volume
Malgré la taille de l'instrument, il ne est pas aussi fort que beaucoup d'autres instruments en raison de sa faible portée. Dans un grand orchestre, généralement entre quatre et huit bassistes jouent à l'unisson. Dans les plus grands orchestres, parties de basses peuvent avoir jusqu'à dix ou douze joueurs, mais les contraintes budgétaires modernes faire parties de basses cette grande inhabituelle.
Lors de l'écriture des passages solo pour la basse dans la musique orchestrale ou de la chambre, compositeurs assurent généralement le orchestration est la lumière de sorte qu'il ne occulte pas la basse. Bien que l'amplification est rarement utilisé dans la musique classique, dans certains cas où une basse soliste exécute un concerto avec un orchestre complet, l'amplification subtile appelé amélioration acoustique peut être utilisé. L'utilisation de micros et amplificateurs dans un cadre classique a suscité un débat au sein de la communauté classique, comme «... les puristes soutiennent que le son acoustique naturelle de [classique] voix [ou] instruments dans une salle donnée ne doit pas être modifié."
Dans de nombreux paramètres non-orchestre, comme le jazz et le blues, l'amplification via un amplificateur et haut-parleurs spécialisée est employé. joueurs de Bluegrass et de jazz utilisent généralement moins que l'amplification de blues, psychobilly, ou joueurs de la bande de confiture. Dans ces derniers cas, le volume global élevé en raison d'autres amplis et instruments peut conduire à Larsen, un problème aggravé par une grande surface de la basse et de volume intérieur. Le problème de rétroaction a conduit à l'élaboration d'instruments comme le contrebasse électrique, dont les caractéristiques jeu imiter celui de la contrebasse.
Transport
La grande taille du contrebasse et relative fragilité font encombrant à manipuler et à transporter. La plupart des bassistes utilisent étuis souples, dénommé sacs de concerts, pour protéger l'appareil pendant le transport. Basic, non rembourré sacs de concerts utilisés par les étudiants coûtent moins de 100 USD, alors que épaisse rembourrée sacs de concerts pour les joueurs professionnels coûtent jusqu'à 500 USD. Quelques exemples de plus longs-rempli avec bretelles détail pour plus de 1000 USD. Certains bassistes portent leur arc dans une affaire d'arc dur. Les joueurs peuvent également utiliser un petit panier ou housse et des roues de pin-joint finaux pour déplacer la basse.
Flight cases disques ont amorti intérieurs et extérieurs difficiles de fibres de carbone, graphite, fibre de verre, ou Kevlar . Le coût de bon disque cas-USD 500 à plus de USD 2500 tend à limiter leur utilisation aux professionnels de la randonnée.
Répertoire classique
Solo fonctionne pour contrebasse
1700
La contrebasse comme instrument soliste a connu une période de popularité au cours du 18ème siècle et un grand nombre de compositeurs les plus populaires de cette époque a écrit des pièces pour la contrebasse. La contrebasse, puis souvent désigné comme le Violone utilisé accordages différents de région à région. Le "tuning viennoise" (A 1 -DF ♯ -A) était populaire, et dans certains cas on a ajouté une cinquième corde ou même sixième corde (F 1 -A 1 -DF ♯ -A). La popularité de l'instrument est documentée dans Deuxième édition de Leopold Mozart de son Violinschule, où il écrit: «On peut enfanter passages difficiles plus faciles avec le violone à cinq cordes, et je ai entendu exceptionnellement belles performances de concertos, trios, solos, etc."
Le concerto plus ancienne connue pour contrebasse a été écrit par Joseph Haydn ca.1763, et est présumé perdu dans un incendie à la bibliothèque Eisenstadt. Les premiers concertos existants sont connus par Karl Ditters von Dittersdorf, qui a composé deux concertos pour la contrebasse et un Sinfonia Concertante pour alto et contrebasse. D'autres compositeurs qui ont écrit des concertos de cette période comprennent Johann Baptist Vanhal, Franz Anton Hoffmeister (3 concertos), Leopold Kozeluch, Anton Zimmermann, Antonio Capuzzi, Wenzel Pichl (2 concertos), et Johannes Matthias Sperger (18 concertos). Alors que beaucoup de ces noms menaient chiffres pour le public de la musique de leur temps, ils sont généralement inconnus par le public contemporain. Wolfgang Amadeus Mozart l 'air de concert, Per Questa Bella Mano , K.612 pour la basse, contrebasse obligé, et orchestre contient écrit impressionnant pour contrebasse solo de cette période. Il reste populaire parmi les chanteurs et contrebassistes aujourd'hui.
La contrebasse a finalement évolué pour répondre aux besoins des orchestres qui nécessitaient notes plus basses et un son plus fort. Les grands contrebassistes de la mi-à-fin du 18e siècle, tels que Josef Kämpfer, Friedrich Pischelberger, et Johannes Mathias Sperger employés du tuning "viennoise". Le bassiste Johann Hindle (1792-1862), qui a composé un concerto pour la contrebasse, pionnier accorder la contrebasse à quarts, qui a marqué un tournant pour la contrebasse et son rôle dans Répertoire tournant. Le bassiste Domenico Dragonetti était une figure musicale de premier plan et une connaissance de Haydn et Ludwig van Beethoven . Son jeu était connu tout le chemin de sa patrie l'Italie au tsarisme de la Russie et il a trouvé une place de choix en donnant des concerts avec la Société philharmonique de Londres.
L'amitié de Beethoven avec Dragonetti peut lui ont inspiré pour écrire, pièces difficiles séparés pour la contrebasse dans ses symphonies, comme les passages impressionnants dans le troisième mouvement de la Cinquième Symphonie, le deuxième mouvement de la Septième Symphonie, et le dernier mouvement de la Neuvième Symphony. Ces pièces ne doublent pas la partie de violoncelle. Dragonetti écrit dix concertos pour la contrebasse et de nombreuses œuvres en solo pour contrebasse et piano. Pendant Le séjour de Rossini à Londres à l'été 1824, il a composé son Duetto pour violoncelle et contrebasse pour Dragonetti et le violoncelliste David Salomons. Dragonetti joué fréquemment sur trois cordes contrebasse GDA écoute de haut en bas. L'utilisation de seulement les meilleurs trois cordes était populaire pour les solistes de basse et les bassistes principaux dans des orchestres dans le 19ème siècle, car il réduit la pression sur le plateau en bois de la basse, qui a été pensé pour créer un son plus résonant. En outre, les cordes basses "E" utilisés pendant le 19ème siècle étaient grosses cordes en boyau, qui étaient difficiles à régler et le jeu.
1800
Au 19ème siècle, l'opéra d'orchestre, compositeur et bassiste Giovanni Bottesini était considéré comme le « Paganini de la contrebasse »de son temps. Ses compositions ont été écrites dans le style de l'opéra italien populaire du 19ème siècle, qui exploitent la contrebasse d'une manière qui n'a pas été vu à l'avance. Ils ont besoin de pistes virtuoses et de grands bonds vers les plus hauts registres de l'instrument, même dans le domaine des harmoniques. Ces compositions ont été considérés comme injouable par de nombreux bassistes dans la première partie du 20e siècle, mais sont maintenant fréquemment effectuées. Pendant le même temps, une école de premier plan des bassistes dans la région tchèque a surgi, qui comprenait Franz Simandl, Theodore Albin Findeisen, Josef Hrabe, Ludwig Manoly, et Adolf Misek. Simandl et Hrabe étaient également pédagogues dont les livres et les études méthode continuera à être utilisé dans les temps modernes.
1900-présent
La figure de proue de la contrebasse dans le début du 20ème siècle était Serge Koussevitzky, mieux connu comme chef d'orchestre de l' Orchestre symphonique de Boston, qui a popularisé la contrebasse dans les temps modernes comme instrument soliste. En raison de l'amélioration de la contrebasse avec des cordes en acier et de meilleurs set-up, la basse est maintenant joué à un niveau plus avancé que jamais et de plus en plus de compositeurs ont œuvres pour la contrebasse écrite. Dans le milieu du siècle et dans les décennies suivantes, de nombreux nouveaux concertos ont été écrites pour la contrebasse, y compris le Concerto de Nikos Skalkottas (1942), le Concerto de Eduard Tubin (1948), Concertino de Lars-Erik Larsson (1957), le Concerto de Gunther Schuller (1962 ), le Concerto de Hans Werner Henze (1966) et le Concerto n ° 1 de Frank Proto (1968).
Des années 1960 jusqu'à la fin du siècle Gary Karr a été le principal promoteur de la contrebasse comme instrument solo et a participé activement à la mise en service ou d'avoir des centaines de nouvelles œuvres et concertos écrits spécialement pour lui. Karr a été donné fameuse contrebasse solo de Koussevitzky par Olga Koussevitzky et a joué dans des concerts dans le monde entier pendant 40 ans avant, à son tour, donner l'instrument à la Société internationale de bassistes pour solistes talentueux à utiliser de concert. Un autre artiste important dans cette période, Bertram Turetzky, commandé et créé plus de 300 œuvres de basse doubles.
Dans les années 1970, 1980 et 1990, de nouveaux concertos inclusde Nino RotaDivertimento pour contrebasse et orchestre(1973),le Concerto de Jean Françaix (1975),de Frank Proto Concerto No. 2,de Einojuhani RautavaaraAngel Of Dusk(1980),le Concerto de Gian Carlo Menotti (1983),le Concerto de Christopher Rouse (1985),les Nets de Henry Brant Ghost (1988) etFrank Proto de "Carmen Fantasy pour contrebasse et orchestre" (1991) et "Quatre Scènes d'après Picasso" Concerto n ° 3 (1997).
Dans la première décennie du 21e siècle, de nouveaux concertos comprennent"neuf variantes sur Paganini" de Frank Proto (2002),le Concerto de Kalevi Aho (2005),de John HarbisonConcerto pour viole de gambe(2006), etle Double Concerto de André Previn pour violon, basse et orchestre (2007).
Reinhold Glière écrit un Intermezzo et Tarantella pour contrebasse et piano, Op. 9, n ° 1 et n ° 2 et un Praeludium and Scherzo pour contrebasse et piano, Op. 32 n ° 1 et n ° 2. Paul Hindemith écrit un défi rythmiquement Double Bass Sonata en 1949. Frank Proto a écrit sa Sonate «1963» pour contrebasse et piano. En Union soviétique, Mieczysław Weinberg a écrit sa Sonate n ° 1 pour contrebasse solo en 1971. Giacinto Scelsi a écrit deux morceaux de contrebasse appelés Nuits en 1972, puis en 1976, il a écrit Maknongan , une pièce pour tout instrument à voix basse, tels que la contrebasse, contrebasson, ou tuba. Vincent Persichetti a écrit des œuvres qui-solo qu'il a appelé "Parables" -pour nombreux instruments. Il a écrit Parabole XVII pour Contrebasse, Op. 131 en 1974. Sofia Gubaidulina parqués une Sonate pour contrebasse et piano en 1975. En 1977, compositeur néerlandais-hongrois Geza Frid a écrit une série de variations sur l'éléphant de Saint-Saëns Le Carnaval des Animaux pour scordatura Contrebasse et orchestre à cordes. En 1987, Lowell Liebermann a écrit sa Sonate pour contrebasse et piano Op.24. Fernando Grillo écrit le «n ° 1 Suite» pour contrebasse (1983/2005). Jacob Druckman a écrit une pièce pour contrebasse solo intitulé Valentine . US contrebasse solo et compositeur Bertram Turetzky (né en 1933) a joué et enregistré plus de 300 pièces écrites par et pour lui. Il écrit la musique de chambre, musique baroque, classique, jazz, musique de la Renaissance, la musique improvisée et de musique du monde
Compositeur minimaliste américain Philip Glass a écrit un prélude axée sur le registre inférieur qu'il a marqué pour timbales et contrebasse. Compositeur italien Sylvano Bussotti, dont la carrière couvre composition de 1930 à la première décennie du 21e siècle, a écrit un travail en solo pour la basse en 1983 intitulé Nu Angel Face par contrebasse . Compositeur italien Fellow Franco Donatoni a écrit une pièce intitulée Lem pour contrebasse dans la même année. En 1989, le compositeur français Pascal Dusapin (né en 1955) a écrit un morceau solo intitulé Dans Out et pour contrebasse. En 1996, le compositeur libanais Sorbonne formés Karim Haddad composé Ce qui dort dans l'ombre sacrée («Celui qui dort dans les ombres sacrées») pour Festival Présence. de Radio France Renaud Garcia-Fons (né en 1962) est une contrebasse Français joueur et compositeur, remarquable pour dessiner sur le jazz, folk et musique asiatique pour les enregistrements de ses morceaux comme Oriental basse (1997). Deux œuvres récentes importantes écrites pour basse solo comprennent, de Mario Davidovsky Synchronisms No.11 pour contrebasse et les sons électroniques et de Elliott Carter Figment III, pour contrebasse solo. Le compositeur allemand Gerhard Stäbler écrit Co-wie Kobalt (1989-90), "... une musique pour contrebasse solo et grand orchestre." Charles Wuorinen ajouté plusieurs œuvres importantes du répertoire, Spinoff trio contrebasse, violon et conga tambours, et Trio pour Instruments Basse contrebasse, tuba et trombone basse, et en 2007 Synaxis pour contrebasse, cor, hautbois et clarinette avec timbales et cordes. La nouvelle position dans le répertoire est une suite "Sept Captures" pour contrebasse et piano (2005) du compositeur ukrainien Alexander Shchetynsky avec une partie solo qui comprend de nombreuses méthodes non conventionnelles de jouer de la contrebasse.
Musique de chambre avec contrebasse
Comme il n'y a pas d'ensemble instrumental établi qui comprend la contrebasse, son utilisation dans la musique de chambre n'a pas été aussi exhaustive que la littérature pour des ensembles tels que le quatuor à cordes ou trio avec piano. Malgré cela, il ya un nombre important d'œuvres de musique de chambre qui intègrent la contrebasse dans les deux petites et grands ensembles.
Il ya un petit corpus d'œuvres écrites pour le piano quintet avec l'instrumentation de piano, violon, alto, violoncelle et contrebasse. Le plus célèbre est Franz Schubert s 'Quintette pour piano en la majeur, connu sous le nom "Le Quintette La Truite »pour l'ensemble de ses variations dans le quatrième mouvement de Schubert Die Forelle . Autres oeuvres pour cette instrumentation écrite à peu près la même période comprennent celles de Johann Nepomuk Hummel, George Onslow, Jan Ladislav Dussek, Louise Farrenc, Ferdinand Ries, Franz Limmer, Johann Baptist Cramer, et Hermann Goetz. Plus tard, compositeurs qui ont écrit des œuvres de musique de chambre pour ce quintet comprennent Ralph Vaughan Williams , Colin Matthews, Jon Deak, Frank Proto, et John Woolrich. Légèrement plus grandes sextets écrites pour piano, quatuor à cordes et contrebasse ont été écrits par Felix Mendelssohn , Mikhail Glinka, Richard Wernick, et Charles Ives.
Dans le genre de quintettes à cordes, il ya quelques œuvres pour quatuor à cordes avec contrebasse.Quintette à cordes de Dvořák en sol majeur, Op.77 etWolfgang Amadeus MozartSérénade en sol majeur, K.525 ("Eine kleine Nachtmusik " ) sont des morceaux les plus populaires dans ce répertoire, avec des œuvres deDarius Milhaud,Luigi Boccherini (3 quintettes),Harold Shapero, et Paul Hindemith.
Légèrement plus petite chaîne travaille avec la contrebasse comprendra six sonates pour cordes deGioachino Rossini, pour deux violons, violoncelle, contrebasse et écrites à l'âge de douze ans sur le cours de trois jours en 1804. Celles-ci restent ses plus célèbres œuvres instrumentales et aussi avoir été adapté pour quatuor à vent.Franz Anton Hoffmeister a écrit quatre String Quartets for Solo Double Bass, violon, alto, et violoncelle en ré majeur.Frank Proto a écrit un Trio pour violon, alto et contrebasse (1974), 2 Duo pour violon et Double Bass (1967 et 2005), etLes Jeux d'Octobrepour Hautbois / cor anglais et Double Bass (1991).
Grandes œuvres qui intègrent la contrebasse comprennent Beethoven Septuor s 'en mi bémol majeur, Op.20, une de ses pièces les plus célèbres au cours de sa durée de vie, qui se compose de clarinette, cor, basson, violon, alto, violoncelle et contrebasse. Lorsque le clarinettiste Ferdinand Troyer commandé une œuvre de Franz Schubert pour les forces similaires, at-il ajouté un de plus violon pour son Octuor en fa majeur, D.803. Paul Hindemith utilisé la même instrumentation que Schubert pour son propre Octet. Dans le domaine des œuvres encore plus grandes, Mozart inclus la contrebasse en plus de 12 instruments à vent pour son « Gran Partita "Serenade, K.361 et Martinů utilisé la contrebasse dans son nonet pour quintette à vent, violon, alto, violoncelle et basse.
D'autres exemples d'œuvres de musique de chambre qui utilisent la contrebasse dans des ensembles mixtes comprennent le Quintette de Serge Prokofiev en sol mineur, Op.39 pour hautbois, clarinette, violon, alto et contrebasse; Concertino de Erwin Schulhoff pour flûte / piccolo, alto et contrebasse ; de Frank Proto Afro-américains Fragments pour clarinette basse, violoncelle, contrebasse et narrateur et Sextuor pour clarinette et cordes; Valses de Fred Lerdahl pour violon, alto, violoncelle et contrebasse; Litanie de Mohammed Fairouz pour contrebasse et quatuor à vent; Mario Davidovsky de Festino pour guitare, alto, violoncelle et contrebasse; et Morsima-Amorsima de Iannis Xenakis pour piano, violon, violoncelle et contrebasse. Il ya aussi de nouveaux ensembles de musique qui utilisent la contrebasse comme Time for Three et PROJET Trio.
Passages orchestraux et solos
La contrebasse dans les périodes baroque et classique typiquement doubler la partie de violoncelle dans les passages orchestraux. Une exception notable serait Haydn, qui a composé passages en solo pour la contrebasse dans son Symphonies n ° 6 Le Matin , No.7 Le midi , No.8 Le Soir , n ° 31 Corne de signal , et n ° 45 Adieu , mais qui ne le feraient autrement groupe de la basse et des parties de violoncelle ensemble. Beethoven a ouvert la voie pour des parties de contrebasse distincts, qui sont devenus plus fréquents à l'époque. Romantique Le scherzo et trio de Beethoven Cinquième Symphonie sont célèbres extraits orchestraux, comme le récitatif au début du quatrième mouvement de la Neuvième Symphonie de Beethoven .
Alors que les solos de basse orchestrale sont assez rares, il ya quelques exemples notables. Johannes Brahms, dont le père était un joueur de contrebasse, a écrit de nombreuses parties difficiles et importants pour la contrebasse dans ses symphonies. Richard Strauss affecté la contrebasse oser pièces, et son poèmes symphoniques et opéras étendent l'instrument à ses limites. "The Elephant" de Camille Saint-Saëns Le Carnaval des animaux est un portrait satirique de la contrebasse, et virtuose américain Gary Karr a fait ses débuts en jouant télévisée "The Swan" (à l'origine écrit pour le violoncelle) avec le Philharmonique de New York menée par Leonard Bernstein. le troisième mouvement de Gustav Mahler première symphonie dispose d'un solo pour la contrebasse qui cite la chanson des enfants Frere Jacques , transposée dans une tonalité mineure. de Sergei Prokofiev Lieutenant Kijé Suite dispose d'une contrebasse solo difficile et très haut dans le "Romance" mouvement. Benjamin Britten s ' Guide de l'adolescent à l'Orchestre contient un passage important pour la section de la contrebasse.
Double ensembles de basse
Ensembles constitués entièrement de contrebasses, bien que relativement rares, existent aussi, et plusieurs compositeurs ont écrit ou arrangé pour ces ensembles. Compositions pour quatre contrebasses existent par Gunther Schuller, Jacob Druckman, James Tenney, Robert Ceely, Jan Alm, Bernhard Alt, Norman Ludwin, Frank Proto, Joseph Lauber, Erich Hartmann, Colin Brumby, Miloslav Gajdos et Theodore Albin Findeisen. Bertold Hummel a écrit un piccola Sinfonia pour huit contrebasses. Œuvres plus grand ensemble comprennent de Galina Ustvolskaya Composition no 2, "Dies Irae" (1973), pour huit contrebasses, piano, et le cube de bois, George Jose Serebrier et Muriel (1986), pour basse solo, double ensemble de la basse, et le chœur, et Gerhard Samuel de Qu'est-ce de ma musique! (1979), pour soprano, percussions, et 30 contrebasses.
Actifs doubles ensembles de basse comprennent L'Orchestre de Contrebasses (6 membres), Basse Instinct (6 membres), Bassiona Amorosa (6 membres), le Chicago Basse Ensemble (4+ membres), The Bass Gang (4 membres), le London Double Basse Ensemble (6 membres) fondée par les membres de l'Orchestre Philharmonia de Londres qui ont produit les LP Musique Interludes de London Double Bass Ensemble sur les dossiers Bruton Musique, Brno Double Bass Orchestra (14 membres), fondée par la double professeur de contrebasse au Janáček Académie de Musique et arts de la scène et le principal joueur de contrebasse à Brno Philharmonic Orchestra - Miloslav Jelinek, et les ensembles de Ball State University (12 membres), Shenandoah University, et la Hartt School of Music. The Bass base de Amarillo Amarillo, au Texas, une fois en vedette 52 contrebassistes et London Double Bass Sound, qui ont sorti un CD sur Cala Records, avoir 10 joueurs.
En outre, les sections de contrebasse de certains orchestres fonctionnent comme un ensemble, comme le Wacker Consort de Chicago Symphony Orchestra. Il ya un nombre croissant de compositions et arrangements publiés pour doubles ensembles de basses, et de la Société internationale de Bassistes présente régulièrement des ensembles de contrebasse (les deux ensembles plus petits ainsi que de très grands ensembles "de basse masse») à ses conférences, et parraine la biennale David Walter Composition de la concurrence, qui comprend une division pour les doubles des œuvres d'ensemble de la basse.
Utilisez dans le jazz
Commençant en 1890, la Nouvelle-Orléans au début jazz ensemble (qui a joué un mélange de marches, ragtime , et Dixieland) était initialement une fanfare avec un tuba ou sousaphone (ou occasionnellement saxophone basse) fournissant la ligne de basse. Comme la musique a emménagé dans les bars et les bordels, la contrebasse remplacé progressivement ces instruments à vent. Beaucoup de bassistes début doublé à la fois sur la basse de laiton et de contrebasse à cordes , que les instruments ont ensuite été souvent appelés. Bassistes joué "marche" des lignes à base de lignes à basse échelle qui décrivaient l'harmonie.
Parce que une contrebasse non amplifiée est généralement le plus silencieux instrument dans un orchestre de jazz, de nombreux joueurs des années 1920 et 1930 ont utilisé le style de slap , gifler et tirer les ficelles afin qu'ils fassent un "slap" son rythmique contre la touche. Les coupes de style de slap à travers le son d'un groupe mieux que simplement plumer les cordes, la basse et autorisés à être plus facilement entendu sur des enregistrements sonores début, que l'équipement d'enregistrement de l'époque n'a pas favorisé les basses fréquences. Pour plus sur le style de slap, voir modernes styles de jeu , ci-dessous.
Beaucoup de joueurs de contrebasse ont contribué à l'évolution du jazz. Les exemples incluent les joueurs de l'ère swing tels que Jimmy Blanton, qui a joué avec Duke Ellington, et Oscar Pettiford, pionnier de l'utilisation de l'instrument dans le be-bop. Paul Chambers (qui a travaillé avec Miles Davis sur la célèbre Kind of Blue album) atteint une renommée pour être l'un des les premiers bassistes de jazz à jouer des solos de be-bop avec l'arc. Terry Plumeri favorisé le développement d'arco (courbé) solos, la réalisation de la liberté technique en forme de corne et une tonalité claire, voix basse, tandis que Charlie Haden, mieux connu pour son travail avec Ornette Coleman , a défini le rôle de la basse dans le Free Jazz.
Un certain nombre d'autres bassistes, tels queRay Brown,Slam Stewart etNiels-Henning Ørsted Pedersen, sont au cœur de l'histoire du jazz. Notamment, Charles Mingus était un compositeur très apprécié ainsi qu'un bassiste noté pour sa virtuosité technique et son puissant.Scott LaFaro influencé toute une génération de musiciens en libérant la basse de contrapuntique "marcher" derrière solistes lieu favorisant interactifs, des mélodies de conversation.
Alors que la guitare basse électrique a été utilisé de façon intermittente dans le jazz dès 1951, en commençant dans les années 1970 le bassiste Bob Cranshaw, en jouant avec le saxophoniste Sonny Rollins, et de fusion pionniers Jaco Pastorius et Stanley Clarke a commencé à remplacer fréquemment la guitare basse pour la contrebasse. Outre les styles de jazz de fusion de jazz et latin jazz influencé cependant, la contrebasse est toujours l'instrument de basse dominante dans le jazz. Le son et le ton de la contrebasse plumé est distincte de celle de la guitare basse frettes. La contrebasse produit un son différent de celui de la guitare basse, parce que ses cordes ne sont pas arrêtés par les métaux frettes, au lieu d'avoir une gamme tonale continue sur la touche ininterrompue. En outre, les guitares basses ont généralement un corps en bois massif, ce qui signifie que leur son est produit par amplification électronique de la vibration des cordes, au lieu de réverbération acoustique de la contrebasse.
La contrebasse est l'instrument de basse la plus couramment utilisée dans la musique bluegrass et est presque toujours cueilli, bien que certains bassistes bluegrass modernes ont également utilisé un arc. Le bassiste de bluegrass est une partie de la section rythmique, et est responsable de garder un rythme régulier, si rapide, lent, en 4/4, 2/4 ou 3/4 temps. Le Engelhardt-Link (anciennement Kay) marques de basses stratifiés avoir des choix populaires depuis longtemps pour les bassistes de bluegrass. La plupart des bassistes de bluegrass utilisent la basse 3/4 de taille, mais la pleine grandeur et basses 5/8 de taille sont également utilisés.
Early musique traditionnelle pré-bluegrass a été souvent accompagné par le violoncelle. Le violoncelliste Natalie Haas souligne que, dans les États-Unis, vous pouvez trouver "... photographies anciennes, et même de vieux enregistrements, des bandes de chaînes américaines avec violoncelle." Cependant, «Le violoncelle a chuté hors de la vue dans la musique folk, et est devenu associé à l'orchestre." Le violoncelle ne reparut pas dans bluegrass jusqu'à ce que les années 1990 et la première décennie du 21e siècle. Certains groupes de bluegrass contemporains favorisent la basse électrique, car il est plus facile à transporter que la grande et quelque peu fragile contrebasse. Cependant, la guitare basse a un son musical différent. Beaucoup de musiciens se sentent l'attaque lente et percussion ton, ligneuse de la contrebasse lui donne un son plus ou "terre" "naturel" d'une basse électrique, en particulier lorsque des cordes en boyau sont utilisés.
Rythmes communs dans bluegrass jeu de basse impliquent (à quelques exceptions près) la plumaison sur les battements 1 et 3 à 4/4; bat 1 et 2 en 2/4, et sur le temps fort en 3/4 temps (valse). Lignes de basse Bluegrass sont généralement simples, en restant généralement sur la racine et cinquième de chaque accord dans la plupart d'une chanson. Il ya deux principales exceptions à cette règle. Bassistes Bluegrass font souvent un diatonique walkup ou Walkdown, dans lequel ils jouent chaque battement d'un bar pour une ou deux barres, généralement quand il ya un changement d'accord. En outre, si un joueur de basse est donnée un solo, ils peuvent jouer un ligne de basse de marche avec une note sur chaque battement ou de jouer une ligne de basse échelle pentatonique influencé.
Un bluegrass bassiste se lever tôt à la proéminence était Howard Watts (aussi connu comme Cedric eau de pluie), qui a joué avec Blue Grass Garçons début de Bill Monroe en 1944. Le bassiste classique Edgar Meyer a souvent lancées dans newgrass, old-time, le jazz, et d'autres genres. «Mon tout-temps favori est Todd Phillips, "a proclamé la gare Union bassiste Barry Bales en Avril 2005." Il a apporté d'une manière complètement différente de penser et de jouer du bluegrass. "
Une contrebasse est l'instrument de basse standard traditionnelle pays musique occidentale . Alors que la contrebasse est encore parfois utilisé dans la musique country , la basse électrique a largement remplacé son grand cousin à la musique country, en particulier dans les plus de styles des années 1990 et 2000, comme pays pop-infusé nouveau pays .
Slap bass style
Slap bass-style est parfois utilisé dans les basses bluegrass jeu. Lorsque bassistes bluegrass giflent la chaîne en la tirant jusqu'à ce qu'il frappe la touche ou frapper les cordes contre le manche, il ajoute la percussion "clac" aigu ou "slap" sonore aux notes à faible pente basse, sonnant un peu comme le claquements d'un danseur de claquettes. Botter est un sujet de controverse mineure dans la scène bluegrass. Même les experts gifles tels que Mike Bub disent, "Ne pas taper sur chaque concert," ou dans les chansons où il ne convient pas. En outre, les bassistes bluegrass qui jouent gifle de style sur des spectacles giflent souvent moins sur les dossiers. Bub et son mentor Jerry McCoury font rarement basse slap sur les enregistrements. Alors que les bassistes tels que Jack Cook, basse slap sur le plus rapide occasionnelle "Clinch Mountain Boys chanson," bassistes tels que Gene Libbea, Missy Raines, Jenny Keel, et Barry Bales [rarement] Slap Bass.
Bluegrass bassiste Mark Schatz, qui enseigne basse slap dans son intermédiaire Bluegrass Basse DVD reconnaît que slap "... n'a pas été stylistiquement très prédominant dans la musique que je l'ai enregistré." Il note que «Même dans la basse traditionnelle bluegrass slap apparaît que de façon sporadique et la plupart de ce que je l'ai fait a été mis sur le côté plus contemporain de cette (Tony Rice, Tim O'Brien)." Schatz déclare qu'il serait «... plus susceptibles de l'utiliser [claque] dans une situation live que sur un enregistrement pour un-solo ou pour ponctuer une place particulière dans une chanson ou un morceau où je ne serais pas oblitérer le solo de quelqu'un ». Une autre méthode de bluegrass, Learn to Play Bluegrass basse , par Earl Gately, enseigne aussi la technique de basse bluegrass gifle.
Utilisez dans la musique populaire
En 1952, la contrebasse est un instrument standard dans la musique rock and roll, Marshall Lytle de Bill Haley & His Comets étant un exemple. Dans les années 1940, un nouveau style de la musique de danse appelé rhythm and blues développé, des éléments des styles antérieurs du blues et du swing incorporant. Louis Jordan , le premier innovateur de ce style, sélectionnée une contrebasse dans son groupe, le Tympany Cinq. La contrebasse est restée partie intégrante de files d'attente de la pop tout au long des années 1950, que le nouveau genre de rock and roll a été construit en grande partie sur le modèle de rhythm and blues, avec des éléments solides également dérivées de jazz, country, bluegrass et. Cependant, les joueurs de contrebasse à l'aide de leurs instruments dans ces contextes confrontés à des problèmes inhérents. Ils ont été forcés de rivaliser avec les instruments de la corne plus forts (et guitares électriques amplifiés plus tard), la fabrication de pièces de basse difficiles à entendre. La contrebasse est difficile à amplifier dans les paramètres de la salle de concert forts, car il peut être sujette à rétroaction hurlements . La contrebasse est grande et difficile à transporter, qui a également créé des problèmes de transport pour les groupes en tournée. Dans certains groupes, la basse slap a été utilisé comme bande de percussion en lieu et place d'un batteur; tel était le cas avec Bill Haley & His Saddlemen (le groupe précurseur des comètes), qui n'a pas utilisé les tambours sur les enregistrements et de spectacles jusqu'à la fin de 1952; avant cette basse de la gifle a été invoqué pour la percussion, y compris sur des enregistrements tels que les versions de Haley de Rock the Joint et Rocket 88.
En 1951, Leo Fender indépendamment sorti son Precision Bass, le premier succès commercial guitare basse électrique. La basse électrique a été facilement amplifié avec ses micros intégrés, facilement portables (moins d'un pied plus long que d'une guitare électrique), et plus facile à jouer juste, grâce aux frettes de métal. Dans les années 1960 et 1970 ont été les bandes de jouer à des volumes plus et en jouant dans de plus grandes salles. La basse électrique a été en mesure de fournir l'énorme, très amplifié son de basse du stade de remplissage que la musique pop et rock de cette époque a exigé, et la contrebasse reculé feux de la rampe de la scène de la musique populaire.
La contrebasse a commencé à faire un retour modeste dans la musique populaire au milieu des années 1980, en partie en raison d'un regain d'intérêt pour les formes antérieures de rock et de musique country. Dans les années 1990, des améliorations dans les camionnettes et les conceptions d'amplificateurs pour basses horizontaux et verticaux électro-acoustique il est plus facile pour les bassistes pour obtenir un bon, ton clair amplifié à partir d'un instrument acoustique. Certains groupes populaires ont décidé d'ancrer leur son avec une contrebasse au lieu d'une basse électrique. Une tendance pour les spectacles "Unplugged" en outre aidé à renforcer l'intérêt du public dans la contrebasse et guitares basses acoustiques.
Jim Creeggan des Barenaked Ladies joue principalement contrebasse, mais il a en plus joué de la guitare basse tout au long de la carrière du groupe. Athol Guy du groupe folk / pop australienne The Seekers joue une contrebasse. Shannon Burchell, du groupe folk-rock australien The John Butler Trio, fait un usage intensif des contrebasses, effectuer solos vivants étendus dans des chansons telles que Betterman. Sur l'album de 2008 In Ear Park de l'indie pop band / Département des Aigles, une contrebasse courbé est aussi tout à fait en bonne place sur les chansons adolescents et In Ear Parc . Groupe norvégien ompa-rock Kaizers Orchestra utiliser la contrebasse exclusivement à la fois en direct et à leurs enregistrements.
Les bassistes de Hank Williams III (Joe Buck et Zach Shedd, notamment) ont utilisé contrebasses pour l'enregistrement ainsi que pendant les pays et Hellbilly séries de spectacles de Hank III avant de passer à la basse électrique pour l'ensemble Assjack.
Modernes styles de jeu
Dans genres de musique populaire, l'instrument est habituellement joué avec amplification et presque exclusivement joué avec les doigts, le pizzicato de style. Le style de pizzicato varie entre les différents acteurs et les genres. Certains joueurs effectuent avec les côtés de un, deux, ou trois doigts, en particulier pour les lignes de basses et lentes ballades de tempo marche, parce que cela est censé créer un ton plus fort et plus solide. Certains joueurs utiliser les conseils plus agiles des doigts pour jouer en déplacement rapide passages solo ou à arracher légèrement de calme utilisation de tunes.The d'amplification permet au joueur d'avoir plus de contrôle sur le ton de l'instrument, parce amplificateurs ont des contrôles de péréquation qui permettent le bassiste d'accentuer certaines fréquences (souvent les basses fréquences), tandis que de-accentuant certaines fréquences (souvent les hautes fréquences, de sorte qu'il ya moins de bruit de doigt).
Le ton d'une basse acoustique non amplifiée est limitée par la réactivité de la fréquence des corps creux de l'instrument, ce qui signifie que les très faibles emplacements peuvent ne pas être aussi fort que les emplacements plus élevés. Avec un des dispositifs d'amplification et d'égalisation, un bassiste peut augmenter les basses fréquences, ce qui égalise la réponse en fréquence. En outre, l'utilisation d'un amplificateur peut augmenter le sustain de l'instrument, qui est particulièrement utile pour l'accompagnement lors de ballades et pour les solos mélodiques avec notes tenues.
Dans le jazz traditionnel, balançoire, polka, rockabilly, et la musique psychobilly, il est parfois joué dans le style de slap . Ceci est une version énergique de pizzicato où les cordes sont "giflé" contre le manche entre les notes principales de la ligne de basse, produisant un son de percussion en forme de tambour piège. Les notes principales sont soit joué normalement ou en tirant sur la corde loin de la touche et la relâcher pour qu'elle rebondit sur la touche, la production d'une attaque percussive distinctive en plus le terrain prévu. Bassistes de style slap notables, dont l'utilisation de la technique a été souvent très syncopé et virtuose, parfois interpolées deux, trois, quatre, ou plusieurs gifles entre les notes de la ligne de basse.
«Style Slap" peut avoir influencé les joueurs basse électrique de la guitare qui, depuis le milieu des années soixante (notamment Larry Graham, de Sly and the Family Stone), développé une technique appelée slap et popqui a utilisé le pouce de la main cueillette de frapper la chaîne, faisant un bruit de claquement mais toujours laisser l'anneau de note, et l'index ou le majeur de la main cueillette à tirer sur la corde dos de sorte qu'il frappe le manche, la réalisation de la musique pop décrit ci-dessus.
Contrebassistes
Historique
- Domenico Dragonetti (1763-1846)Virtuoso, compositeur, chef d'orchestre
- Giovanni Bottesini (1821-1889) Virtuoso, compositeur, chef d'orchestre
- Franz Simandl (1840-1912) Virtuoso, compositeur,pédagogue
- Edouard Nanny (1872-1943) Virtuoso, compositeur
- Serge Koussevitzky (1874-1951) Virtuoso, compositeur, chef d'orchestre
Contemporains (1900-présent)
Classique
Certains des acteurs les plus influents contemporains classiques de contrebasse les sont connus autant pour leur contribution à la pédagogie que pour leurs compétences performants, tels que US bassiste Oscar G. Zimmerman (1910-1987), connu pour son enseignement à l' Eastman School of Music et , pendant 44 étés au National Music Camp Interlochen dans le Michigan et le bassiste français François Rabbath (b. 1931) qui a développé une nouvelle méthode de basse qui a divisé l'ensemble manche en six positions. Bassistes notés pour leurs compétences en solo virtuose comprennent joueur canadien Gary Karr (b. 1941), compositeur finlandais Teppo Hauta-Aho (b. 1941), compositeur italien Fernando Grillo, et d'un lecteur-compositeur américain Edgar Meyer. Pour une liste plus longue, voir le liste des joueurs contemporains contrebassistes classiques .
Jazz
Bassistes de jazz remarquables des années 1940 à 1950 inclus bassiste Jimmy Blanton (1918-1942) dont le mandat court dans le Swing Band de Duke Ellington (écourtée par sa mort de la tuberculose ) introduit de nouvelles idées solos mélodiques et harmoniques de l'instrument; le bassiste Ray Brown (1926-2002), connu pour la sauvegarde Beboppers Dizzy Gillespie, Oscar Peterson, Art Tatum et Charlie Parker, et formant le Modern Jazz Quartet; Hard Bop bassiste Ron Carter (né en 1937), qui est apparu sur 3500 albums font de lui l'un des bassistes les plus enregistrées dans l'histoire du jazz, y compris LPs par Thelonious Monk et Wes Montgomery et de nombreux Blue Note records artistes; et Paul Chambers (1935-1969), membre du Miles Davis Quintet (y compris le point de repère jazz modal enregistrement de Kind Bleu ) et beaucoup d'autres des années 1950 et sections rythmiques des années 1960, était connu pour ses virtuoses improvisations.
Dans le soumettre expérimentale des années 1960 époques, qui a vu le développement de free jazz et jazz-rock fusion, certains des bassistes influents inclus Charles Mingus (1922-1979), qui était aussi un compositeur et chef d'orchestre dont la musique fusionnée Hard Bop noir la musique gospel, free jazz et la musique classique; free jazz et post-bop bassiste Charlie Haden (né en 1937) est surtout connu pour sa longue association avec le saxophoniste Ornette Coleman et pour son rôle dans les années 1970 de l'ère Liberation Music Orchestra, un groupe expérimental; Eddie Gomez et George Mraz , qui a joué avec Bill Evans et Oscar Peterson, respectivement, et sont tous deux reconnu avoir favorisé attentes de pizzicato fluidité et le phrasé mélodique, virtuose fusion Stanley Clarke (né en 1951) est remarquable pour sa dextérité à la fois sur la contrebasse et de la basse électrique, et Terry Plumeri, a noté pour sa corne comme arco aisance et de tonalité vocale. Dans les années 1990 et la première décennie du 21e siècle, l'un des nouveaux «jeunes lions» était Christian McBride (né en 1972), qui a joué avec une gamme de vétérans allant de McCoy Tyner gourous de fusion Herbie Hancock et Chick Corea, et qui a sorti des albums tels que de 2003 Vertical Vision . Un autre jeune bassiste de la note est Esperanza Spalding (né 1984) qui, à 27 ans, a déjà remporté un Grammy pour le Meilleur Nouvel Artiste. Pour une liste plus longue, voir le Liste des bassistes de jazz, qui comprend à la fois la contrebasse et bassistes électriques.
Autres genres populaires
En plus d'être un lecteur classique noté, Edgar Meyer est bien connu dans bluegrass et Newgrass cercles. Todd Phillips est un joueur de premier plan bluegrass. Bien connu des bassistes de rockabilly incluent Bill Black, Marshall Lytle (avec Bill Haley & His Comets) et Lee Rocker (avec 1980 de l'ère rockabilly revivalistes les chats errants). Revivalistes rockabilly notables et interprètes psychobilly des années 1990 et la première décennie du 21e siècle comprennent Scott Owen (du groupe australien The Living End), Jimbo Wallace (du groupe américain Reverend Horton Heat), Kim Nekroman ( Nekromantix), Patricia Day ( HorrorPops), Geoff Kresge ( Tiger Army, ex AFI). Willie Dixon (1915-1992) était l'une des figures les plus remarquables de l'histoire du rhythm and blues . En plus d'être un contrebassiste, il a écrit des dizaines de coups de R & B et a travaillé en tant que producteur. Il joue aussi de la basse sur de nombreux rock and roll hits de Chuck Berry. Beaucoup d'autres bandes rockabilly comme El Rio Trio (des Pays-Bas) utilisent également cet instrument dans leur travail.
Pédagogie et de la formation
La pédagogie et de formation pour la contrebasse varie considérablement par genre et par pays. Contrebasse classique a une histoire de la pédagogie datant de plusieurs siècles, y compris les manuels d'enseignement, des études et des exercices progressifs qui aident les élèves à développer l'endurance et la précision de la main gauche, et le contrôle de la main d'archet. Méthodes classiques de formation varient selon les pays: la plupart des grands pays européens sont associés à des méthodes spécifiques (par exemple, la méthode Edouard Nanny en France ou à l' méthode Franz Simandl en Allemagne). En matière de formation classique, la majorité de l'instruction pour la main droite se concentre sur la production de saluant le ton; peu de temps est consacré à l'étude des variétés de pizzicato ton.
En revanche, dans des genres qui utilisent principalement ou exclusivement pizzicato (plumer), tels que le jazz et le blues, beaucoup de temps et d'effort est axé sur l'apprentissage des variétés de différents styles de pizzicato utilisés pour la musique de différents styles de tempi. Par exemple, dans le jazz, bassistes aspirants doivent apprendre à effectuer un large éventail de tons de pizzicato, y compris en utilisant les côtés des doigts pour créer un son ample et profonde pour les ballades, en utilisant les bouts des doigts pour les lignes de basse de marche rapide ou solos , et d'effectuer une variété de percussion notes fantômes en ratissant les cordes en sourdine ou partiellement en sourdine.
La formation formelle
De tous les genres, classique et jazz ont les systèmes les plus établies et complètes de l'instruction et de la formation. Dans le milieu classique, les enfants peuvent commencer à prendre des leçons privées sur l'instrument et en jouant dans des orchestres d'enfants ou de jeunes. Les adolescents qui aspirent à devenir bassistes classiques professionnels peuvent poursuivre leurs études dans une variété de paramètres formels de formation, y compris les collèges, les conservatoires et les universités. Les collèges offrent des certificats et des diplômes dans les basses.
Conservatoires, qui sont le système de formation musicale standard en France et au Québec (Canada) offrent des leçons et de l'expérience d'orchestre amateur pour les joueurs de contrebasse. Les universités offrent une gamme de programmes de contrebasse, y compris les titulaires d'un baccalauréat, une maîtrise en musique, et Docteur en Art de la Musique degrés. En outre, il existe une variété d'autres programmes de formation tels que des camps d'été classiques et orchestre, opéra, festivals ou de formation de musique de chambre, qui donnent aux étudiants l'occasion de jouer un large éventail de la musique.
Les baccalauréats en performance de la basse (appelés B.Mus. Ou BM) sont des programmes de quatre ans qui incluent des leçons individuelles de basse, de l'expérience de l'orchestre amateur, et une séquence de cours d'histoire de la musique, de la théorie de la musique, et des cours d'arts libéraux (par exemple, littérature anglaise), qui donnent à l'étudiant une formation plus bien arrondi. Habituellement, les étudiants de performance de basse effectuer plusieurs récitals de solo à double bass music, comme concertos, sonates, suites et baroques.
Une maîtrise en musique à doubler les performances de basse se composent de cours privés, l'expérience de coaching ensemble, en jouant des parties de basse doubles orchestre, et des cours de deuxième cycle en histoire de la musique et de la théorie de la musique, avec un ou deux récitals. Un diplôme de maîtrise en musique (dénommé M.Mus. ou MM) est souvent un diplôme requis pour les personnes qui souhaitent devenir un professeur de contrebasse dans une université ou un conservatoire.
Docteur en arts musicaux (appelés DMA, DMA, D.Mus.A. ou A.Mus.D) degrés à doubler les performances des basses fournissent une opportunité pour des études avancées au niveau artistique et pédagogique le plus élevé, nécessitant habituellement un montant supplémentaire de 54+ heures de crédit au-delà de l'obtention d'un Master (qui est d'environ de 30 crédits au-delà d'un diplôme de baccalauréat). Pour cette raison, l'admission de candidature est hautement sélective. Examens de l'histoire de la musique, théorie de la musique, de la formation de l'oreille / dictée, plus un examen d'entrée / récital, sont tenus de conclure un tel programme d'études. Un certain nombre de considérants (environ six), dont un récital-conférence pour laquelle une thèse de doctorat d'accompagnement est soumis, cours avancés et une moyenne minimale de B sont d'autres exigences typiques d'un programme DMA.
Tout au long de l'histoire des débuts du jazz, contrebassistes soit appris l'instrument de manière informelle, ou d'obtenir une formation classique au début, comme dans le cas de Ron Carter et Charles Mingus. Dans les années 1980 et 1990, les collèges et les universités ont commencé à introduire des diplômes et des grades en interprétation jazz. Les étudiants en diplôme de jazz ou de programmes de baccalauréat en musique prennent des leçons de basse individuels, acquérir de l'expérience dans de petits combos de jazz avec l'encadrement d'un joueur expérimenté, et de jouer dans des big bands de jazz. Comme pour les programmes de formation classiques, des programmes de jazz incluent également des cours en salle de classe dans l'histoire de la musique et de la théorie de la musique. Dans un programme de jazz, ces cours sont axés sur les différentes époques de l'histoire du jazz. tels que Swing, Bebop, et la fusion. Les cours théoriques se concentrent sur les compétences musicales utilisées dans l'improvisation jazz et jazz comping (accompagnement) et la composition des airs de jazz. Il ya aussi des camps de jazz et festivals d'été / séminaires de formation, qui offrent aux étudiants la possibilité d'apprendre de nouvelles compétences et de styles.
La formation informelle
En d'autres genres, tels que le blues, le rockabilly, psychobilly, et les systèmes pédagogiques et des séquences de formation ne sont pas aussi formalisé et institutionnalisé. Il n'y a pas degrés dans la performance de basse blues, ou conservatoires qui offrent des diplômes multiples ans en basse rockabilly. Cependant, il ya une gamme de livres, en jouant méthodes, et, depuis les années 1990, DVD pédagogiques (par exemple, sur la façon de jouer de la basse slap rockabilly de style). En tant que tel, les acteurs de ces autres genres ont tendance à provenir d'une variété de voies, y compris l'apprentissage informel en utilisant des livres de méthode de basse ou de DVD, prenant des leçons privées et de coaching, et l'apprentissage de disques et de CD. Dans certains cas, le blues ou bassistes rockabilly peuvent avoir obtenu une formation initiale à travers les systèmes de pédagogie classique ou de jazz (par exemple, un orchestre de jeunes ou big band de l'école secondaire). Dans des genres tels que le tango, qui utilisent beaucoup de passages à archet et des lignes de pizzicato jazz de style, les bassistes ont tendance à provenir de filières de formation classique ou jazz.
Carrières
Carrières à la contrebasse varient largement par genre et par région ou pays. La plupart des bassistes gagnent leur vie à partir d'un mélange de performances et d'enseignement emplois. La première étape pour obtenir la plupart des emplois de performance est de jouer à une audition. Dans certains styles de musique, tels que des bandes orientée jazz-scène, bassistes peuvent être invités à vue lire la musique imprimée ou jouent des standards (par exemple, un standard de jazz tels que maintenant est le temps ) avec un ensemble. De même, dans un groupe de rock ou le blues, auditionees peuvent être appelés à jouer différents standards du rock ou du blues. Un contrebassiste auditionner pour un groupe de blues pourrait être invité à jouer dans une marche swing style bassline, un rockabilly de style "gifler" bassline (dans laquelle les cordes sont percussion grève contre la touche) et une ballade des années 1950 avec des notes de longue date. Une personne auditionner pour un rôle en tant que bassiste dans certains styles de musique pop ou rock peut être devrait être en mesure de démontrer la capacité d'effectuer harmonies vocales comme choriste.
Dans certains cas, les bassistes complètent leur revenu performant et d'enseignement avec d'autres emplois liés à la musique, telles que le travail en tant que réparateur de basse (luthier); comme un entrepreneur qui retient les musiciens des orchestres ou des big bands, composer de la musique (par exemple, Dave Holland), songwriting, conducteur (par exemple, David Currie) ou agissant en tant que chef d'orchestre (par exemple, Charles Mingus). Dans certaines régions, il peut-être pas assez de travail dans la musique pour gagner sa vie, même si un bassiste peut jouer plusieurs styles et il ou elle fait des enregistrements et de l'enseignement. En tant que tel, dans certaines régions, les bassistes peuvent avoir pour compléter leur œuvre musicale avec le revenu d'un autre domaine en dehors de la musique.
