L'art abstrait
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L'art abstrait utilise un langage visuel de la forme, la couleur et la ligne pour créer une composition qui peut exister avec un degré d'indépendance des références visuelles dans le monde. Art occidental avait été, à partir de la Renaissance jusqu'au milieu du 19ème siècle, soutenue par la logique de perspective et une tentative de reproduire une illusion de réalité visible. Les arts des cultures autres que l'Européen étaient devenus accessibles et ont montré d'autres façons de décrire une expérience visuelle à l'artiste. À la fin du 19e siècle, de nombreux artistes ont ressenti le besoin de créer un nouveau type d'art qui entourerait les changements fondamentaux qui se produisent dans la technologie, la science et la philosophie. Les sources à partir de laquelle différents artistes ont tiré leurs arguments théoriques étaient diverses, et reflétaient les préoccupations sociales et intellectuelles dans tous les domaines de la culture occidentale à ce moment.
L'art abstrait, l'art non figuratif, l'art non-figuratif et l'art non figuratif sont lâchement des termes connexes. Ils sont similaires, bien que peut-être pas de sens identique.
Abstraction indique un départ de réalité dans la représentation des l'imagerie dans l'art. Ce départ de représentation exacte ne peut être que faible, ou il peut être partielle, ou il peut être complète. Abstraction existe le long d'un continuum. Même l'art qui vise pour la vraisemblance du plus haut degré peut être dit être abstrait, au moins théoriquement, depuis représentation parfaite est susceptible d'être extrêmement difficile à atteindre. Création qui prend des libertés, en modifiant par exemple la couleur et la forme de façons qui sont bien en vue, peut être dit être partiellement abstraites. Abstraction totale porte aucune trace de toute référence à quoi que ce soit reconnaissable. En abstraction géométrique, par exemple, il est peu probable de trouver des références à des entités naturalistes. Art figuratif et l'abstraction totale sont presque excluent mutuellement. Mais figuratif et représentation (ou réaliste art) contient souvent abstraction partielle.
Les deux Abstraction géométrique et Abstraction lyrique sont souvent totalement abstrait. Parmi les très nombreux mouvements artistiques qui incarnent l'abstraction partielle serait par exemple fauvisme dont la couleur est manifestement et délibérément modifié vis-à-vis de la réalité, et le cubisme , qui modifie de façon flagrante les formes des entités de la vie réelle représentées.
Histoire
Abstraction dans l'art tôt et de nombreuses cultures
Une grande partie de l'art de cultures antérieures - les signes et les marques sur la poterie, le textile, et des inscriptions et des peintures sur roche - ont été simples, géométriques et linéaires des formes qui pourraient avoir eu un but symbolique ou décorative. Ce est à ce niveau de signification visuelle que l'art abstrait communique. On peut profiter de la beauté de Calligraphie chinoise ou Calligraphie islamique sans être capable de le lire.
19ème siècle
Trois mouvements artistiques qui ont contribué au développement de l'art abstrait étaient romantisme , impressionnisme et l'expressionnisme . Indépendance artistique pour les artistes a été avancée au cours du 19e siècle. Patronage de l'église diminuée et le mécénat privé et le public est devenu plus capable de fournir un moyen de subsistance pour les artistes.
Les premières allusions d'un nouvel art avaient été faites par James McNeill Whistler qui, dans sa peinture Nocturne en noir et or: Le Rocket en baisse, (1872), ont mis l'accent sur la sensation visuelle de la représentation des objets. Un intérêt objectif à ce qui est vu, on peut discerner des peintures de John Constable , JMW Turner , Camille Corot et de leur part aux impressionnistes qui ont continué la la peinture de plein air de la École de Barbizon. Paul Cézanne avait commencé comme un impressionniste, mais son but - de faire une construction logique de la réalité basée sur une vue à partir d'un seul point, avec la couleur modulée dans les zones plates - est devenu la base d'un nouvel art visuel, plus tard, d'être mis au point dans le cubisme par George Braque et Pablo Picasso .
Expressionnistes peintres exploré l'utilisation audacieuse de surface de la peinture, le dessin distorsions et des exagérations, et une couleur intense. Expressionnistes produites peintures chargées d'émotion qui étaient réactions et les perceptions de l'expérience contemporaine; et des réactions à l'impressionnisme et d'autres directions plus conservateurs de la fin de la peinture du 19ème siècle. Les expressionnistes aussi radicalement changé l'accent sur la matière en faveur de la représentation des états psychologiques de l'être. Bien que des artistes comme Edvard Munch et James Ensor a attiré influences principalement du travail de la Post-impressionnistes, ils ont joué à l'avènement de l'abstraction dans le 20e siècle.
De plus à la fin du 19ème siècle en Europe de l'Est mysticisme et au début philosophie religieuse moderniste exprimée par théosophe Mme. Blavatsky a eu un impact profond sur pionnier artistes géométriques comme Wassily Kandinsky, et Hilma af Klint. L'enseignement mystique de Georges Gurdjieff et PD Ouspensky a également eu une influence importante sur les premières formations des styles abstraits géométriques de Piet Mondrian et ses collègues dans le début du 20e siècle.
20ième siècle
Poster Impressionnisme telle que pratiquée par Paul Gauguin, Georges Seurat, Vincent van Gogh et Paul Cézanne a eu un impact énorme sur Art du 20ème siècle et a conduit à l'avènement de l'abstraction 20e siècle. Le patrimoine des peintres comme Van Gogh , Cézanne , Gauguin, et Seurat était essentiel pour le développement de art moderne. Au début du 20e siècle Henri Matisse et plusieurs autres jeunes artistes, y compris la pré-cubiste Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy et Maurice de Vlaminck a révolutionné le monde de l'art à Paris avec "sauvage", multi-coloré, expressif, paysages et peintures de figures que les critiques appellent Fauvisme. Avec son utilisation expressive de la couleur et son libre et imaginative dessin Henri Matisse est très proche de l'abstraction pure dans une fenêtre français à Collioure, (1914), Vue de Notre-Dame, (1914), et Le rideau jaune de 1915. La langue première de la couleur comme développé par le Fauves directement influencé un autre pionnier de l'abstraction Wassily Kandinsky (voir illustration).
Bien que le cubisme dépend finalement sujet, il est devenu, avec Fauvisme, le mouvement artistique qui a ouvert directement la porte à l'abstraction dans le 20e siècle. Pablo Picasso a fait ses premiers cubistes peintures basées sur l'idée de Cézanne que tous représentation de la nature peut être réduite à trois solides: cube , sphère et cône. Avec la peinture Les Demoiselles d'Avignon 1907, Picasso a créé une nouvelle façon spectaculaire et radicale image représentant une scène de bordel brute et primitive avec cinq prostituées, les femmes violemment peints, rappellent Masques tribaux africains et ses propres nouvelles cubistes inventions. Cubisme analytique a été développé conjointement par Pablo Picasso et Georges Braque, d'environ 1908 à travers 1912. cubisme analytique, la première manifestation claire du cubisme, a été suivie par le cubisme synthétique , pratiquée par Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp et d'innombrables autres artistes dans les années 1920. cubisme synthétique se caractérise par l'introduction de différentes textures, surfaces, éléments de collage, papier collé et une grande variété d'objet fusionné. Les artistes de collage comme Kurt Schwitters et Man Ray et d'autres prenant le indice du cubisme ont contribué au développement du mouvement appelé Dada .
Le poète italien Marinetti publié «La fondation et du Manifeste Futurism'in 1909, qui a inspiré des artistes tels que Carlo Carra dans, «Peinture de sons, les bruits et les odeurs» et 'Train in Motion' Umberto Boccioni, 1911, à un stade ultérieur de l'abstraction et mouvements artistiques profondément influencé toute l'Europe.
En 1913, le poète Guillaume Apollinaire nommé le travail de Robert et Sonia Delaunay, Orphisme. Il la définit comme l'art de la peinture de nouvelles structures sur des éléments qui ne ont pas été empruntés à la sphère visuelle, mais avait été créé entièrement par l'artiste ... ce est un art pur.
Depuis le tournant du siècle des liens culturels entre les artistes des grandes villes européennes et américaines étaient devenues extrêmement actif comme ils se battaient pour créer une forme d'art à la hauteur des aspirations élevées de Modernisme. Les idées étaient capables de traverser fertiliser au moyen de livres d'artistes, des expositions et manifestes de sorte que de nombreuses sources étaient ouverts à l'expérimentation et la discussion, et forment la base d'une diversité des modes d'abstraction. L'extrait suivant, «Le monde Backwards», donne une impression de l'interconnexion de la culture à l'époque:
' La connaissance de David Bourliouk des mouvements d'art moderne doit avoir été extrêmement up-to-date, pour la deuxième Valet de Carreau exposition, tenue en Janvier 1912 (à Moscou) comprenait non seulement des peintures envoyés à partir de Munich, mais certains membres de l'allemand Die Brücke groupe, tout est venu de Paris par le travail Robert Delaunay, Henri Matisse et Fernand Léger, ainsi que Picasso. Au cours du printemps David Bourliouk a donné deux conférences sur le cubisme et planifié une publication polémique, dont le Valet de Carreau devait financer. Il est allé à l'étranger en mai et est revenue déterminée à rivaliser avec l'almanach Der Blaue Reiter qui avait émergé des imprimantes alors qu'il était en Allemagne '.
En 1911 de nombreux travaux expérimentaux dans la recherche de cet «art pur» avait été créé. František Kupka avait peint le travail orphistes, «Disques d'Newton'.The Rayist (Luchizm) de dessins Natalia Goncharova et Mikhail Larionov, utilisé des lignes comme des rayons de lumière pour faire une construction. Kasimir Malevitch réalise sa première œuvre entièrement abstrait, Suprématiste, «Carré noir», en 1915. Un autre du groupe suprématiste » Liubov Popova, a créé les Constructions architectoniques et Constructions la Force spatiale entre 1916 et 1921. Piet Mondrian évoluait son langage abstrait, des lignes horizontales et verticales avec des rectangles de couleur, entre 1915 et 1919, néoplasticisme était l'esthétique qui Mondrian, Theo van Doesburg et d'autres dans le groupe De Stijl vise à remodeler l'environnement de l'avenir.
Musique
L'art visuel, car il devient plus abstraite devient plus semblable à la musique : une forme d'art qui utilise les éléments abstraits du son et de divisions du temps. Wassily Kandinsky, lui-même musicien, a été inspiré par la possibilité de marques et associative retentissant de couleur dans l'âme. L'idée avait été avancée par Charles Baudelaire, que tous nos sens répondent à divers stimuli, mais les sens sont connectés à un niveau esthétique profonde.
Étroitement liée à cela, ce est l'idée que l'art a la dimension spirituelle et peut transcender l'expérience »de tous les jours», atteignant un plan spirituel. Le Société Théosophique popularisé l'ancienne sagesse des livres sacrés de l'Inde et de la Chine dans les premières années du siècle. Ce est dans ce contexte que Piet Mondrian, Wassily Kandinsky, Hilma af Klint et d'autres artistes qui travaillent vers un «état sans objet 'se sont intéressés à l'occulte comme un moyen de créer un objet« intérieure ». Les formes universelles et intemporelles trouvés dans Géométrie : cercle, carré et triangle deviennent les éléments spatiaux dans l'art abstrait; ils sont, comme la couleur, les systèmes fondamentaux sous-jacents réalité visible.
Avant-garde russe
Beaucoup d'artistes abstraits en Russie est devenu constructivistes croient que l'art ne était plus quelque chose de distant, mais la vie elle-même. L'artiste doit devenir un technicien, d'apprendre à utiliser les outils et les matériaux de la production moderne. Art dans la vie! Était Le slogan de Vladimir Tatlin, et celle de tous les futurs constructivistes. Varvara Stepanova et Alexandre Exter et d'autres abandonnés peinture de chevalet et détournés de leurs énergies à la conception du théâtre et des œuvres graphiques. De l'autre côté se trouvait Kazimir Malevitch, Anton Pevsner et Naum Gabo. Ils ont fait valoir que l'art était essentiellement une activité spirituelle; pour créer la place de l'individu dans le monde, de ne pas organiser la vie dans un sens matérialiste pratique. Beaucoup de ceux qui étaient hostiles à l'idée de production matérialiste de l'art quitté la Russie. Anton Pevsner est allé en France, Gabo rendit d'abord à Berlin, puis en Angleterre et enfin en Amérique. Kandinsky a étudié à Moscou puis à gauche pour le Bauhaus. Vers le milieu des années 1920, la période révolutionnaire (1917-1921) où les artistes avait été libre d'expérimenter était terminée; et par les années 1930 seulement art réaliste sociale a été accueilli.
Le Bauhaus
Le Bauhaus à Weimar, l'Allemagne a été fondée en 1919 par Walter Gropius. La philosophie qui sous-tend le programme d'enseignement était l'unité de tous les arts plastiques et visuels de l'architecture et la peinture à tissage et vitrail. Cette philosophie est passé de l'idée de la Mouvement Arts and Crafts en Angleterre et de la Deutsche Werkbund. Parmi les enseignants ont été Paul Klee, Wassily Kandinsky, Johannes Itten, Josef Albers, Anni Albers, Theo van Doesburg et Laszlo Moholy-Nagy. En 1925, l'école a été déplacée à Dessau et, le Parti nazi a pris le contrôle en 1932, Le Bauhaus a été fermé. En 1937, une exposition de art dégénéré, «Entartete Kunst» contenait tous les types de l'art d'avant-garde désapprouvé par le parti nazi. Puis l'exode a commencé: pas seulement du Bauhaus, mais de l'Europe en général; à Paris, Londres et en Amérique. Paul Klee est allé à la Suisse, mais de nombreux artistes au Bauhaus est allé en Amérique.
Abstraction à Paris et Londres
Durant les années 1930 à Paris est devenu l'hôte à des artistes de la Russie, l'Allemagne, la Hollande et d'autres pays européens touchés par la hausse des totalitarisme. Sophie Tauber et Jean Arp collaboré à peintures et des sculptures en utilisant des formes organiques / géométriques. Le polonais Katarzyna Kobro appliqué idées basées sur les mathématiques à la sculpture. Les nombreux types d'abstraction maintenant à proximité conduit à des tentatives par des artistes d'analyser les divers groupements conceptuels et esthétiques. Une exposition de quarante-six membres du groupe Cercle et Carré organisé par Michel Seuphor contenait travail par les néo-Plasticists ainsi que abstraits aussi variés que Kandinsky, Anton Pevsner et Kurt Schwitters. Critiqué par Theo van Doesburg est trop indéterminée une collection, il publie la revue Art Concret énonçant un manifeste définissant un art abstrait dans lequel la ligne, la couleur et de la surface seulement, sont la réalité concrète. Abstraction-Création fondée en 1931 comme un groupe plus ouvert, a fourni un point de référence pour les artistes abstraits, que la situation politique se est aggravée en 1935, et des artistes à nouveau regroupés, beaucoup à Londres. La première exposition de l'art abstrait Colombie a eu lieu en Angleterre en 1935. L'année suivante, la plus abstraite et exposition internationale de béton a été organisé par Nicolete Gray y compris le travail par Piet Mondrian, Joan Miró, Barbara Hepworth et Ben Nicholson. Hepworth, Nicholson et Gabo déplacés vers le Groupe St. Ives en Cornouailles à poursuivre leur travail «constructiviste».
Amérique: Mid-Century
Lors de la montée des nazis au pouvoir dans les années 1930 de nombreux artistes ont fui l'Europe aux États-Unis. Au début des années 1940, les principaux mouvements de l'art moderne, l'expressionnisme, le cubisme, l'abstraction, surréalisme, et dada étaient représentés à New York: Marcel Duchamp, Fernand Léger, Piet Mondrian, Jacques Lipchitz, Max Ernst, André Breton, étaient quelques-uns des Européens qui sont arrivés en exil New York .. Les riches influences culturelles apportées par les artistes européens ont été distillés et mis à profit par les peintres locaux de New York. Le climat de la liberté à New York a permis à tous de ces influences se épanouir. Les galeries d'art qui avaient principalement porté sur l'art européen ont commencé à remarquer la communauté artistique locale et le travail des jeunes artistes américains qui avaient commencé à mûrir. Certains de ces artistes sont devenus nettement abstraite dans leur travail de maturité. Certains artistes de l'époque ont défié la catégorisation, comme Georgia O'Keeffe qui, tout d'un abstractionniste moderniste, était un franc-tireur pur qu'elle peint des formes très abstraites tout en ne se joignant pas un groupe spécifique de la période. Finalement, les artistes américains qui travaillaient dans une grande diversité de styles ont commencé à se regrouper en groupes stylistiques cohérents. Le groupe le plus connu des artistes américains est devenu connu comme le Expressionnistes abstraits et la École de New York. À New York il y avait une atmosphère qui a encouragé la discussion et il y avait une nouvelle opportunité pour apprendre et grandir. Artistes et les enseignants John D. Graham et Hans Hofmann est devenu chiffres de pont important entre les modernistes européens nouvellement arrivés et les jeunes artistes américains à venir de l'âge. Mark Rothko , né en Russie, a commencé avec des images fortement surréaliste qui se est dissoute plus tard dans ses compositions de couleurs puissantes du début des années 1950. Le geste expressionniste et l'acte même de la peinture, est devenu primordial de Jackson Pollock et Franz Kline. Alors que dans les années 1940 Arshile Gorky et Travail figuratif de Willem de Kooning a évolué vers l'abstraction à la fin de la décennie. New York City est devenu le centre et artistes du monde entier gravitait vers elle; d'autres endroits en Amérique ainsi.
Abstraction au 21e siècle
Une idée communément admise est que le pluralisme caractérise l'art au début du 21e siècle. La «crise» dans la peinture et l'art actuel et le courant critique d'art aujourd'hui est provoquée par le pluralisme. Il n'y a pas consensus, ni besoin il ya, à un style représentant de l'âge. Il ya un tout est l'attitude qui prévaut; un «tout se passe", et par conséquent "rien à faire" syndrome; cela crée une embouteillage esthétique sans direction ferme et claire et avec chaque voie sur le plan artistique autoroute rempli à pleine capacité. En conséquence de magnifiques œuvres d'art importantes et continuent d'être faits mais dans une grande variété de styles et de tempéraments esthétiques, le marché étant laissé à juger du mérite.
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Vers le 21e siècle abstraction reste très en vue, ses principaux thèmes: la transcendance, le contemplatif et l'intemporel sont exempified par Barnett Newman, John McLaughlin, et Agnes Martin ainsi que des artistes vivants les plus jeunes. L'art comme objet comme on le voit dans le La sculpture minimaliste Donald Judd et les peintures de Frank Stella sont encore visibles aujourd'hui dans les permutations nouveaux. La poétique , Abstraction lyrique et l'utilisation de couleurs sensuelle vu dans le travail des peintres aussi divers que Robert Motherwell, Patrick Heron, Kenneth Noland, Sam Francis, Cy Twombly, Richard Diebenkorn, Helen Frankenthaler, Joan Mitchell, entre autres.
Il y avait une résurgence après la guerre et dans les années 1950 de la figuration, comme Neo-Dada, Fluxus, L'art conceptuel, Néo-expressionnisme, L'art d'installation, Performance Art, Art vidéo et Pop art ont venu à signifier l'âge du consumérisme. La distinction entre l'art abstrait et figuratif a, au cours des vingt dernières années, devenir moins défini laissant un large éventail d'idées pour tous les artistes.
