Sculpture
Saviez-vous ...
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La sculpture est illustration en trois dimensions créé par le façonnage ou la combinaison de matériaux durs - généralement pierre - ou marbre, métal, verre ou bois. Plus doux matériaux («plastique») peuvent également être utilisés, tels que l'argile , les textiles , les plastiques, des polymères et des métaux plus tendres.
Le terme a été étendu aux œuvres dont son, du texte et de la lumière.
Les objets trouvés peuvent être présentées comme des sculptures. Les matériaux peuvent être travaillées par enlèvement tels que la sculpture; ou ils peuvent être assemblés par exemple par soudage , par exemple par durcies cuisson, ou moulé ou fonte. décoration de surface tel que la peinture peut être appliquée. Sculpture a été décrit comme l'un des arts plastiques, car il peut impliquer l'utilisation de des matériaux qui peuvent être moulés ou modulé.
La sculpture est une forme importante d'art public. Une collection de sculpture dans un jardin paramètre peut être considéré comme un jardin de sculptures.
Types de sculpture
Certaines formes courantes de la sculpture sont:
- La sculpture, la sculpture qui est entourée de tous côtés autonome, à l'exception de la base, par l'espace. Il est également connu que la sculpture "dans la ronde», et est destiné à être vu de ne importe quel angle.
- Sculpture sonore
- Sculpture de lumière
- Bijoux ou bijoux
- Relief - la sculpture est encore attaché à un fond; types sont bas-relief, haut-relief, et -relief en creux
- Art in situ
- Sculpture cinétique - concerne des aspects de mouvement physique
- Fountain - la sculpture est conçu avec le déplacement de l'eau
- Mobile (voir aussi Stabiles de Calder.)
- Statue - représentationaliste sculpture représentant un particulier entité, généralement un personne, un événement, animale ou objet
- Bust - représentation d'une personne de la poitrine jusqu'à
- Statue équestre - montrant généralement une personne importante à cheval
- Art Stacked - une forme de sculpture formée par l'assemblage d'objets et «empiler» les
- Sculpture architecturale
- Art environnemental
- Sculpture environnementale
- Land art
Matériaux de la sculpture à travers l'histoire
Les matériaux utilisés dans la sculpture sont diverses, en changeant à travers l'histoire. Sculpteurs ont généralement cherché à produire des œuvres d'art qui sont aussi permanente que possible, travaillant dans des matériaux durables et souvent coûteux, tels que bronze
et la pierre: marbre, calcaire, porphyre et de granit . Plus rarement, des matériaux précieux tels que l'or , l'argent , jade et ivoire ont été utilisés pour les travaux chryséléphantines. Plus matériaux courants et moins coûteux ont été utilisés pour la sculpture à la consommation au sens large, y compris le verre , feuillus (tels que le chêne , / boîte de buis, et la chaux / tilleul); en terre cuite et d'autres céramiques, métaux et de la distribution tels que l'étain et le zinc (Mattes).
Sculptures sont souvent peinte, mais souvent perdre leur peinture en temps, ou restaurateurs. De nombreuses techniques de peinture différentes ont été utilisées dans la fabrication sculpture, y compris tempera, [peinture à l'huile], dorure, peinture maison, d'aérosol, de l'émail et sablage.
Beaucoup de sculpteurs cherchent de nouveaux moyens et des matériaux pour faire de l'art. Jim Gary utilisé vitraux et de pièces d'automobiles, outils, pièces de machines et matériel. Un de Pablo Picasso de sculptures les plus célèbres inclus vélo pièces. Alexander Calder et d'autres modernistes fait usage spectaculaire de peinte en acier . Depuis les années 1960, les acryliques et d'autres matières plastiques sont utilisés aussi bien. Andy Goldsworthy rend ses sculptures éphémères exceptionnellement à partir de matériaux presque entièrement naturelles dans les milieux naturels. Certains sculpture, tels que sculpture de glace, sculpture de sable , et la sculpture de gaz, est délibérément courte durée.
Sculpteurs construisent souvent de petits travaux préliminaires appelés maquettes de matériaux éphémères tels que plâtre de Paris, de la cire, de l'argile ou pâte à modeler, comme Alfred Gilbert a fait pour 'Eros' à Piccadilly Circus, à Londres. En Retroarchaeology, ces matériaux sont généralement le produit final.
Sculpteurs utilisent parfois objets trouvés.
Asiatique
De nombreuses formes de la sculpture ont été utilisés dans l'Asie , avec de nombreuses pièces étant art religieux basé sur l'hindouisme et le bouddhisme ( art bouddhiste ) et gréco-bouddhique art. Une grande partie de cambodgienne sculpture hindoue est conservé à Angkor , cependant organisé le pillage a eu un lourd impact sur de nombreux sites à travers le pays. En Thaïlande, la sculpture était presque exclusivement d'images de Bouddha. Beaucoup de sculptures thaïlandaises ou temples sont dorées, et à l'occasion enrichis avec des incrustations. Voir également Art thaï
Asie De L'Est
Chine
Artefacts de la Chine remontent dès 10 000 BC et qualifiée chinoise artisans avaient été actif très tôt dans l'histoire, mais l'essentiel de ce qui est affiché comme la sculpture vient de quelques périodes historiques sélectionnez. La première période d'intérêt est le Dynastie des Zhou de l'Ouest (1050-771 BC), d'où proviennent une variété de vaisseaux complexes en bronze coulé. La prochaine période d'intérêt est le Dynastie des Han (206 BC-220 AD), en commençant par le spectaculaire Armée de terre cuite assemblé pour le tombeau de Qin Shi Huang , le premier empereur de l'importante mais de courte durée dynastie Qin qui a précédé la Han. Tombes fouillées de la période Han ont révélé de nombreuses personnalités jugées vigoureuse, directe, et attrayant 2000 ans plus tard.
La première sculpture bouddhique se trouve datant du Période des Trois Royaumes (3e siècle), tandis que la sculpture de la Grottes de Longmen proximité Luoyang, La province du Henan ( Wei du Nord, 5ème et 6ème siècle) a été largement reconnu pour sa spéciale qualités d'élégance.
La période désormais considérée comme Âge d'or de la Chine est la dynastie des Tang , coïncidant avec quoi en Europe est parfois appelé le Âge Des Ténèbres). Figures décoratives comme ceux montrés ci-dessous sont devenus très populaires dans la culture euro-américaine du 20e siècle, et ont été rendues disponibles en vrac, comme seigneurs de la guerre dans les guerres civiles chinois exportés vers les lever des fonds. Considéré comme particulièrement souhaitable, et même profonde, était la sculpture bouddhiste, souvent monumentales, commencé sous la dynastie des Sui, inspiré par l'art gréco-bouddhique de l'Asie centrale, et beaucoup sont considérés comme des trésors de l'art mondial.
Après la dynastie des Tang, les intérêts de l'Ouest dans les objets d'art chinois diminue considérablement, sauf pour ce qui pourrait être considéré comme mobilier ornementales, et des objets en particulier dans jade. Poterie de nombreuses périodes ont été recueillies, et de nouveau la période Tang se distingue pour sa part libre, sentiment facile. Sculpture chinoise n'a pas nus-peut-être que d'autres figures en pour la formation médicale ou de la pratique et très peu de portraits par rapport à la tradition européenne. Un endroit où le portrait sculptural a été poursuivi, cependant, était dans les monastères.
Presque rien, autre que des bijoux, de jade, ou de la poterie est recueilli par les musées d'art après la dynastie des Ming a pris fin à la fin du 17ème siècle et absolument rien n'a encore été reconnue comme la sculpture de la tumultueuse 20ème siècle, mais il y avait une école de soviéto influencé la sculpture réaliste sociale dans les premières décennies du régime communiste, et au tournant du siècle, les artisans chinois ont commencé à dominer genres commerciaux de sculpture (les plaques collectrices, figurines, jouets, etc.) et d'avant-garde des artistes chinois a commencé à participer à l'Euro -American entreprise de l'art contemporain.
pot de vin, Dynastie des Zhou de l'Ouest (1050 BC-771 BC)
Calvalryman, dynastie Qin
Soldat de l'armée Terracotta et le cheval de la dynastie des Qin
Chimera (provenant d'une tombe), Dynastie des Han (202 BC-220 AD)
Tomb figure, Dynastie des Han (202 BC-220 AD)
Dynastie des Wei du Nord Maitreya (386-534)
-
Dynastie Tang coureur (618-907)
Dynastie Tang figurine fille (618-907)
Boddisatva, dynastie des Tang (618-907)
Assis Bouddha , dynastie Tang ca. 650.
Le Grand Bouddha de Leshan, dynastie Tang , achevé en 803.
Portrait de moine, dynastie des Song , 11ème siècle
Un bois Bodhisattva de la dynastie des Song (960-1279)
Un vitrage grès statue, dynastie Ming (16e siècle)
Statue de Guanyin, par Chaozhong Il, la dynastie des Ming (1368-1644)
Bleu sous la statue d'un homme avec sa pipe, à partir de Jingdezhen, la dynastie des Ming (1368-1644)
Dame, mi-19e siècle de médecin
Japon
D'innombrables peintures et sculptures ont été faites, souvent sous le parrainage gouvernemental. La plupart sculpture japonaise est associée à la religion, et le milieu 'utilisation diminue avec l'importance de la diminution du bouddhisme traditionnel. Durant la période Kofun du troisième siècle, sculptures d'argile appelés haniwa tombes ont été érigées à l'extérieur. A l'intérieur du Kondo au Horyu-ji est une Trinité Shaka (623), le Bouddha historique flanqué de deux bodhisattvas et aussi le Rois gardiens des quatre directions. L'image en bois (9 c.) De Shakyamuni, le "historique" Bouddha, enchâssé dans un bâtiment secondaire à la Muro-ji, est typique du début du Sculpture Heian, avec son corps lourd, couverte par des plis de draperie épais sculptés dans le hompa-shiki (laminage-ondes) de style, et son austère, l'expression du visage retirée. L'école Kei de sculpteurs, en particulier Unkei, a créé un nouveau style, plus réaliste de la sculpture.
Asie Centrale
L'art gréco-bouddhique est la manifestation artistique de gréco-bouddhisme , un culturelle syncrétisme entre le grec classique la culture et le bouddhisme , qui se est développé sur une période de près de 1000 ans Asie centrale, entre les conquêtes d' Alexandre le Grand dans le 4e siècle avant notre ère, et les islamiques conquêtes de la 7e siècle de notre ère. L'art gréco-bouddhique se caractérise par la forte réalisme idéaliste de l'art hellénistique et les premières représentations du Bouddha sous forme humaine, qui ont contribué à définir le plan artistique (et en particulier, sculptural) canon pour l'art bouddhiste à travers le continent asiatique jusqu'à présent. Ce est aussi un bon exemple de la diversité culturelle syncrétisme entre traditions orientales et occidentales.
Les origines de l'art gréco-bouddhique se trouvent à l'époque hellénistique Royaume gréco-bactrien (250 BCE- 130 BCE), situé dans d'aujourd'hui en Afghanistan , dont la culture hellénistique rayonnée dans le Sous-continent indien avec la création de la Royaume indo-grec (180 BCE-10 avant notre ère). Sous le Indo-Grecs, puis le Kouchans, l'interaction de la culture grecque et bouddhiste florissante dans la région de Gandhara, dans le nord d'aujourd'hui au Pakistan , avant de se propager plus loin dans l'Inde , en influençant l'art de Mathura, puis l' Hindu art du Empire Gupta, qui devait se étendre au reste de l'Asie du Sud-Est. L'influence de l'art gréco-bouddhique aussi se propager au nord vers L'Asie centrale, affectant fortement l'art de la Du bassin du Tarim, et, finalement, les arts de la Chine , la Corée et le Japon .
Fragment du dieu du vent Borée, Hadda, l'Afghanistan .
Gandhara Atalante.
Winged Atalante.
Le Bouddha, flanqué de Herakles / Vajrapani et Tyche / Hariti.
Gandhara Poseidon ( Musée de l'ancien orient)
Triton
Asie Du Sud
Inde
Les sculptures premier connus sont de la civilisation de l'Indus (3300-1700 avant JC), trouvés dans des sites au Mohenjo Daro et Harappa dans le jour moderne le Pakistan . Plus tard, comme l'hindouisme , le bouddhisme , et Jaïnisme développé plus loin, l'Inde a produit des bronzes et des sculptures en pierre d'une grande complexité, comme les célèbres sculptures des temples qui ornent divers sanctuaires hindous, jaïns et bouddhistes. Certains d'entre eux, tels que les temples rupestres de Ellora et Ajanta, sont des exemples de L'architecture rupestre Indien, peut-être les plus importants et les plus ambitieux programmes sculpturales dans le monde.
Les sculptures de grès rose de Mathura a évolué au cours de la Période Gupta Empire (4e au 6e siècle de notre ère) pour atteindre une très grande finesse d'exécution et de délicatesse dans la modélisation. Gupta période art plus tard influencer styles chinois pendant la dynastie des Sui, et les styles artistiques à travers le reste de Asie de l'Est. Sculptures les plus récentes en Afghanistan , en stuc, schiste ou d'argile, affichage très forte mélange de maniérisme indienne post-Gupta et l'influence classique. Les célèbres bronzes de la Chola dynastie (c. 850 à 1250) à partir de sud de l'Inde sont de note en particulier; la figure emblématique de Nataraja étant l'exemple classique. Les traditions de la sculpture indienne continuent dans les 20e et 21e siècles, avec par exemple, la sculpture de granit Mahabalipuram dérivé du Dynastie des Pallava. Sculpture indienne contemporaine est typiquement polymorphe mais comprend personnages célèbres tels que Dhruva Mistry.
Hindoue, période Chola, 1000 AD
Chola-ra bronze, 11e-12e siècles
Emblème Hoysala
13ème siècle Ganesha
Shiva et Parvati
Ellora Kailash temple Shiva
Bhudevi
14e sculpture siècle
Dans Khajuraho
Ellora grotte
Sculpture à Parsurameswar Temple, Bhubaneswar
Sculpture de Danse Femme au Temple Parsurameswar
Seigneur Vishnu à Bhubaneswar
Un Sculpture dans le temple Mukteswar, Bhubaneswar
Afrique
Art africain met l'accent sur Sculpture - artistes africains ont tendance à favoriser les oeuvres tridimensionnelles sur les œuvres en deux dimensions.
Sculptures africaines
Le style, les caractéristiques clés esthétiques, les matériaux et techniques utilisés dans la création d'une sculpture reflète la région d'où il provient. Sculptures ont souvent des fonctions uniques qui varient considérablement d'une région géographique à l'autre.
En Afrique de l'Ouest, les premières sculptures sont connus de la culture Nok du Nigeria, qui date d'environ 500 avant JC. Les chiffres de sculptures Afrique de l'Ouest ont généralement des corps allongés, formes angulaires, et les traits du visage qui représentent un idéal plutôt qu'un individu. Ces chiffres sont utilisés dans les rituels religieux. Ils sont faits pour avoir des surfaces qui sont souvent revêtus de matériaux placés sur eux pour les offrandes rituelles. Contrairement à ces sculptures de Afrique de l'Ouest sont ceux des peuples Mande-saxons de la même région. Les morceaux Mande sont en bois et ont de larges surfaces planes. Leurs bras et les jambes sont en forme de cylindres.
En Afrique centrale, cependant, les principales caractéristiques distinctives comprennent visages en forme de coeur qui sont courbées vers l'intérieur et les modèles de cercles et des points affichage. Bien que certains groupes préfèrent des formes géométriques plus du visage et angulaires, non toutes les pièces sont exactement les mêmes, ils ne sont pas faites du même matériau. La matière première est le bois, si ivoire, l'os, la pierre, l'argile et le métal sont également utilisés. La région de l'Afrique centrale a très frappant styles qui sont très faciles à identifier, rendant l'identification régionale très facile.
Africains de l'Est ne sont pas connus pour leur sculpture, mais, un type qui est créé dans ce domaine est sculptures pôles, qui sont mâts sculptés dans des formes humaines, décorées avec des formes géométriques, tandis que les sommets sont sculptés avec des figures d'animaux, les gens, et divers objets. Ces pôles sont alors placés à côté des tombes et sont associés à la mort et le monde ancestral.
La plus ancienne connue date de l'argile chiffres de l'Afrique du Sud 400-600 AD et ont la tête cylindriques. Ces chiffres d'argile ont un mélange de caractéristiques humaines et animales. Autre que des figurines d'argile, il ya aussi des appuie-tête en bois qui ont été enterrés avec leurs propriétaires. Les appuis-tête ont des styles allant de formes géométriques pour des figures animales. Chaque région a un style unique et un sens à leurs sculptures. Le type de matériau et le but pour la création de la sculpture en Afrique reflète la région à partir de laquelle les pièces sont créés.
Egypte
Le sculpture monumentale de l'Egypte antique est célèbre, mais les petites œuvres raffinées et délicates sont également une caractéristique. L'ancien art de la sculpture égyptienne a évolué pour représenter les anciennes divinités égyptiennes pharaons, la royauté, et même les fonctionnaires et les membres du personnel, dans la forme physique. Conventions très strictes ont été suivies tout en artisanat statues: statues de sexe masculin étaient plus sombres que les femelles; en statues assises, les mains ont été nécessaires pour être placé sur les genoux et les règles spécifiques régie apparence de chaque divinité égyptienne. Œuvres artistiques ont été classés en fonction de la conformité exacte avec toutes les conventions, et les conventions ont été suivies aussi strictement que plus de trois mille ans, très peu changé dans l'apparition de statues, sauf pendant une brève période sous le règne de Akhenaton et Nefertiti-quand représentation naturaliste a été encouragée.
Les Amériques
Sculpture dans ce qui est maintenant l'Amérique latine développé en deux zones distinctes, Méso-Amérique dans le nord et le Pérou dans le sud. Dans les deux zones, la sculpture était à l'origine de la pierre, et plus tard de terre cuite et métal que les civilisations dans ces domaines sont devenus plus compétents sur le plan technologique. La région méso-américaine a produit la sculpture monumentale plus, des travaux massifs de bloc-like de la olmèque et Cultures toltèques, à la superbe bas reliefs qui caractérisent les mayas et aztèques cultures. Dans la région andine, sculptures étaient généralement de petite taille, mais présentent souvent une maîtrise incroyable.
En Amérique du Nord, le bois a été sculpté pour totémiques poteaux, des masques, des ustensiles, canots de guerre et une variété d'autres utilisations, avec une variation nette entre différentes cultures et régions. Les styles les plus développés sont ceux de la Pacific Coast Nord-Ouest, où un groupe de styles formelles élaborées et très stylisées développé formant la base d'une tradition vivante qui se trouve dans une renaissance aujourd'hui (voir Bill Reid) et a déménagé dans d'autres médiums tels que l'argent, l'or et des matériaux modernes. L'introduction d'outils métalliques introduit de nouvelles techniques de sculpture, y compris l'utilisation d'un Type d'argilite noire, également appelé ardoise noire, qui est exclusive pour l'utilisation par des artistes de la Haïdas.
En plus des célèbres totems, peint et sculpté façades ont été complétées par des poteaux sculptés à l'intérieur et à l'extérieur, ainsi que des chiffres mortuaires et autres articles. Parmi les Inuits du Grand Nord, les styles de sculpture traditionnelle en ivoire et en stéatite ont été élargies grâce à l'utilisation d'outils électriques modernes dans de nouvelles directions pour la culture inuite qui, comme l'art de la côte nord-ouest, est très prisé par les collectionneurs d'art pour ses formes plastiques et interprétation innovante de la figure et l'histoire.
L'arrivée de la culture catholique européenne facilement adapté compétences locales pour la vigueur baroque le style, produisant énormément complexe retables et autres sculptures de l'église pour la plupart dans une variété de styles hybrides. Le plus célèbre de ces exemples au Canada est la zone de l'autel de la Basilique Notre-Dame à Montréal, au Québec, qui a été sculpté par paysan Habitant ouvriers. Plus tard, les artistes formés dans la tradition académique occidentale suivies styles européens jusqu'à la fin du XIXe siècle, ils ont commencé à tirer à nouveau sur les influences indigènes, notamment dans le style grotesque baroque mexicain connu comme Churrigueresque. Les peuples autochtones ont également adaptés sculpture de l'église dans les variations sur Carpenter gothique; un exemple célèbre est l'église de la Sainte-Croix à Skookumchuck Hot Springs, Colombie-Britannique.
L'histoire de la sculpture aux États-Unis après l'arrivée des Européens reflète 18ème siècle la fondation du pays en romains valeurs civiques et républicaines Christianisme protestant. Comparativement aux zones colonisées par les Espagnols, la sculpture a connu un démarrage très lent dans les colonies britanniques, avec presque pas de place dans les églises, et a été seulement donné une impulsion par la nécessité d'affirmer la nationalité après l'indépendance. La sculpture américaine du milieu à la fin du 19e siècle était souvent classique, souvent romantique, mais a montré un penchant pour une dramatique, narrative, réalisme quasi journalistique. Bâtiments publics cours du dernier trimestre du 19ème siècle et la première moitié du 20e siècle souvent fournis un cadre architectural pour la sculpture, en particulier en relief. Dans les années 1950, l'enseignement de la sculpture traditionnelle serait presque être complètement remplacé par un Préoccupation pour Bauhaus influencé abstraite conception. La sculpture minimaliste remplacé la figure dans les lieux publics et les architectes presque complètement cessé d'utiliser la sculpture dans ou sur leurs conceptions. Sculpteurs modernes (21ème siècle) utilisent deux conceptions classiques et abstraites inspirées. Au début des années 1980, il y avait une balançoire en arrière vers la sculpture figurative du public; En 2000, un grand nombre des nouvelles pièces publiques aux États-Unis étaient figuratives dans la conception.
Europe
La première sculpture européenne à ce jour représente une femme former, et a été estimé à datant de il ya 35.000 ans. La découverte en 2008 a causé experts de réviser l'histoire de l'évolution de l'art.
Gréco-romain-classique
Les caractéristiques uniques de la tradition classique européenne:
- chiffres complets: utilisant le jeune, homme athlétique ou corsé nu féminin
- portraits: montrer des signes de l'âge et fort caractère
- utiliser du costume classique et attributs des divinités classiques
- Le souci de naturalisme basée sur l'observation, souvent à partir de modèles vivants
Caractéristiques que les actions européennes de tradition classique avec beaucoup d'autres:
- caractères présentent une attitude de distance et la satisfaction intérieure
- les détails ne perturbent pas le sens du rythme entre les volumes solides et les espaces qui les entourent
- pièces sentent solides et plus grand que ce qu'ils sont vraiment
- l'espace ambiant sent sacré ou intemporelle
Le thème de la nudité
Un chiffre sans fioritures dans la sculpture grecque classique était une référence au statut ou rôle de la personne représentée, divinité, ou un autre être. Les athlètes, les prêtresses, et les divinités peuvent être identifiés par leur parure ou l'absence de.
La Renaissance préoccupation de l'imagerie classique grec, comme le 5ème siècle avant JC Doryphore de Polyclète, conduit à des statues figuratives nues étant considérés comme la «forme parfaite» de la représentation du corps humain. Par la suite, la nudité dans la sculpture et la peinture souvent a représenté une forme d'idéal, que ce soit l'innocence, l'ouverture, ou la pureté. Nu sculptures sont encore monnaie courante. Comme dans la peinture, ils sont souvent faites que des exercices dans les efforts pour comprendre l' anatomie structure du corps humain et de développer des compétences qui serviront de base pour faire le travail figuratif vêtu.
Habituellement, statues nues sont largement acceptés par de nombreuses sociétés, en grande partie en raison de la longueur de la tradition qui prend en charge cette forme. Parfois, la forme nue attire objections, souvent par des groupes morales ou religieuses. Les exemples classiques de cette situation sont la suppression des pièces de la sculpture grecque représentant des organes génitaux masculins (dans le Collection du Vatican), et l'ajout d'une feuille de vigne pour un plâtre de Michel-Ange 'sculpture s de David pour la reine Victoria 's visite à la Musée Anglais.
Gothique
Sculpture gothique évolué à partir du début raide et le style allongé, encore en partie romane, dans une ambiance spatiale et naturaliste à la fin du 12ème et début du 13ème siècle. Les statues d'architecture à l'Ouest (Royal) Portail à la cathédrale de Chartres (c. 1145) sont les premiers sculptures gothiques et étaient une révolution dans le style et le modèle pour toute une génération de sculpteurs. Avant cela il n'y avait pas eu de tradition de sculpture dans Sculpteurs Ile-de-France-SO ont été amenés de Bourgogne. Cathédrale de Bamberg avait le plus grand assemblage de 13 sculptures de siècle. En Angleterre, la sculpture a été plus limitée aux tombes et décorations non-figurine. En Italie, il y avait encore une influence classique, mais de style gothique fait des incursions dans les sculptures de chaires tels que la chaire de Pise Baptistère (1260) et la chaire de Sienne (1268). Sculpteur Pays Bas-bourguignonne Claus Sluter et le goût pour le naturalisme marqué le début de la fin de la sculpture gothique, l'évolution dans le style classique de la Renaissance à la fin du 15ème siècle.
Renaissance
Bien que la Renaissance a commencé à différents moments dans les diverses parties de l'Europe (certains domaines créés plus de l'art dans le style gothique que les autres régions) la transition du gothique à la Renaissance en Italie a été signalée par une tendance vers le naturalisme avec un clin d'œil à la sculpture classique. L'un des sculpteurs les plus importants de la renaissance classique était Donatello. La plus grande réussite de ce qu'est l'art historiens appellent sa période classique est la statue de bronze intitulée David (à ne pas confondre avec David de Michel-Ange), qui est actuellement situé au Bargello à Florence. Au moment de sa création, ce était la première statue nue autonome depuis les temps anciens. Conçu pleinement à la ronde et indépendante de tous les environnements architecturaux, il est généralement considéré comme la première œuvre majeure de la sculpture de la Renaissance. Le mouvement a touché tous les aspects de l'art, dans toutes les régions de l'Italie; représentée par la renaissance consciente de sources archéologiques de la table à manger antique, par le grand sculpteur Tullio Lombardo, pour le Castello di Roncade en Vénétie (la maison avec le premier fronton autonome depuis l'antiquité.)
Pendant la Renaissance principale, le temps d'environ 1500 à 1520, Michel-Ange était un sculpteur actif avec des œuvres telles que David et la Pietà, ainsi que la Vierge Doni, Bacchus, Moïse, Rachel, Orgétorix, et les membres de la famille Médicis. David de Michel-Ange est probablement la sculpture la plus célèbre dans le monde, qui a été dévoilé le 8 Septembre, 1504. Ce est un exemple de la style de contrapposto de poser la figure humaine, qui emprunte à nouveau de la sculpture classique. La statue de Michel-Ange de David diffère de représentations précédentes de l'objet en ce que David est représenté avant son combat contre Goliath et non après la défaite du géant. Au lieu d'être montré la victoire sur un ennemi beaucoup plus grand que lui, David semble tendue et Battle Ready.
Maniériste
Au cours de la période maniériste, des représentations plus abstraites ont été félicités, (comme le "figura serpentinata» ou «chiffre tordu") donnant plus pensé à la couleur et la composition plutôt que portrait réaliste des sujets dans la pièce. Ceci est illustré dans L'enlèvement / de viol des Sabines, où les chiffres ne sont pas positionnées d'une manière qui est tout à l'aise, ou même humainement possible, mais la position et l'émotion de Giambologna rencontrons encore aujourd'hui. Un autre exemplaire du formulaire est Benvenuto Cellini 1540 salière d'or et d'ébène, mettant en vedette Neptune et Amphitrite (terre et eau) de forme allongée et des positions inconfortables (poses improbables).
Baroque
En sculpture baroque, des groupes de figures supposées importance nouvelle, et il y avait un mouvement dynamique et l'énergie de l'homme formes- qu'ils spirales autour d'un tourbillon central vide, ou sont parvenus à l'extérieur dans l'espace environnant. Pour la première fois, la sculpture baroque avait souvent de multiples angles de vision idéal. La sculpture baroque caractéristique ajouté des éléments extra-sculpturales, par exemple, éclairage d'ambiance, ou des fontaines d'eau. Souvent, les artistes baroques fusionnés sculpture et l'architecture cherchant à créer une expérience transformatrice pour le spectateur. Gian Lorenzo Bernini était sans doute le plus important sculpteur de la période baroque. Ses œuvres ont été inspirés par les sculptures hellénistiques de la Grèce antique et la Rome impériale. Une de ses œuvres les plus célèbres est L'extase de sainte Thérèse (1647-1652).
Neo-Classical
La période néoclassique (de c.1750-1850) était l'un des grands âges de la sculpture publique, bien que ses prototypes «classiques» étaient plus susceptibles d'être des copies romaines de sculptures hellénistiques. En sculpture, les représentants les plus connus sont l'Italien Antonio Canova, l'Anglais John Flaxman et le Danois Bertel Thorvaldsen. La manière néoclassique européenne a également pris attente aux Etats-Unis, où son apogée a eu lieu un peu plus tard et est illustré dans les sculptures de Hiram Powers.
Classicisme moderne
Classicisme moderne contraste à bien des égards avec la sculpture classique du 19ème siècle qui a été caractérisé par des engagements au naturalisme ( Antoine-Louis Barye) - mélodramatique ( François Rude) sentimentalité ( Jean Baptiste Carpeaux) - ou une sorte de grandeur majestueuse ( Lord Leighton). Plusieurs directions différentes dans la tradition classique ont été prises au tournant du siècle, mais l'étude du modèle vivant et de la tradition post-Renaissance était toujours fondamentale pour eux.
Auguste Rodin est le sculpteur le plus célèbre européenne du début du 20e siècle. Il est souvent considéré comme une sculpture impressionniste , comme le sont ses élèves Camille Claudel, Medardo Rosso, Paolo Troubetzkoy, Rik Wouters, et Hugo Rheinhold, de tenter de modéliser d'un moment éphémère de la vie ordinaire.
Classicisme moderne a montré un moindre intérêt dans le naturalisme et un plus grand intérêt pour la stylisation formelle. Une plus grande attention a été accordée aux rythmes de volumes et des espaces - ainsi qu'une plus grande attention sur les qualités contrastées de surface (ouvert, fermé, plane, cassés, etc.) tout en moins d'attention a été accordée à la narration et les détails convaincants de l'anatomie ou un costume . Une plus grande attention a été accordée à l'effet psychologique que de réalisme physique. Une plus grande attention a été accordée à montrer ce qui était éternelle et publique, plutôt que ce était momentané et privé. Une plus grande attention a été accordée à des exemples d'anciens et médiévaux: arts sacrés égyptiens, Moyen-Orient, d'Asie, d'Afrique et méso-américain. Grandiose était encore un sujet de préoccupation, mais dans un contexte plus large, plus dans le monde entier.
Les premiers maîtres du classicisme moderne inclus: Aristide Maillol, Alexander Matveyev, Joseph Bernard, Antoine Bourdelle, Georg Kolbe, Libero Andreotti, Gustav Vigeland, Jan Stursa, Constantin Brancusi.
Au cours du siècle, le classicisme moderne a été adopté comme style national des deux grands empires totalitaires européens: l'Allemagne nazie et la Russie soviétique, qui a co-opté le travail des artistes antérieurs, tels que Kolbe et Wilhelm Lehmbruck en Allemagne et en Russie Matveyev. L'Allemagne nazie avait une course de 12 ans; mais au cours des 70 années de l'URSS, de nouvelles générations de sculpteurs ont été formés et choisis au sein de leur système et un style distinct, réalisme socialiste, développé, qui a renvoyé à l'accent mis par le 19ème siècle sur le mélodrame et le naturalisme.
Formation classique a été extirpé de l'éducation artistique en Europe occidentale (et les Amériques) en 1970, et les variantes classiques du 20e siècle ont été marginalisés dans l'histoire du modernisme. Mais le classicisme a continué comme le fondement de l'éducation artistique dans les académies soviétiques jusqu'en 1990, offrant une fondation pour l'art figuratif expressive dans toute l'Europe de l'Est et dans certaines parties du Moyen-Orient. En l'an 2000, la tradition classique européenne maintient un large appel aux téléspectateurs - en particulier les touristes - et surtout pour les anciens, Renaissance, Baroque, et les périodes, mais du 19ème siècle attend une tradition éducative pour relancer son développement contemporain.
Dans le reste de l'Europe et l' Etats-Unis le classique moderne est devenu soit plus décoratif / Art déco ( Paul Manship, Jose de Creeft, Carl Milles) ou plus abstraite stylisée ou plus expressif (et gothique) ( Anton Hanak, Wilhelm Lehmbruck, Ernst Barlach, Arturo Martini) - ou se tourne de plus à la Renaissance ( Giacomo Manzù, Venanzo Crocetti) ou est resté le même ( Charles Despiau, Marcel Gimond).
Modernisme
Mouvements de sculpture modernistes comprennent Cubisme, Abstraction géométrique, De Stijl, Suprématisme, constructivisme , le dadaïsme , Surréalisme, Futurisme,Formalismeexpressionnisme abstrait,Pop-Art, Minimalisme, Land art, etl'art d'installation, entre autres.
Dans les premiers jours du 20e siècle, Pablo Picasso a révolutionné l'art de la sculpture quand il a commencé à créer ses constructions façonnées en combinant des objets et des matériaux disparates en une seule pièce construite de la sculpture. Picasso a réinventé l'art de la sculpture avec son utilisation novatrice de construire une œuvre en trois dimensions avec des matériaux disparates. Tout comme le collage était un développement radical dans l'art de deux dimensions; ainsi était la construction d'une évolution radicale dans la sculpture trois dimensions. L'avènement de la Le surréalisme a conduit à des choses en étant parfois décrits comme "sculpture" qui ne serait pas ont été si précédemment, tels que "la sculpture involontaire» dans plusieurs sens, y compris coulage. Des années plus tard Pablo Picasso est devenu un prolifique et céramiste potier, révolutionnant la manière dont l'art céramique est perçue. George E. Ohr et sculpteurs plus contemporains comme Peter Voulkos, Kenneth Prix, Robert Arneson, et George Segal et d'autres ont utilisé efficacement la céramique comme un important moyenne intégrante de leur travail.
De même, le travail de Constantin Brancusi au début du siècle a ouvert la voie pour plus tard la sculpture abstraite. En révolte contre le naturalisme de Rodin et de ses contemporains fin du 19ème siècle, Brancusi distillé sujets bas pour leurs essences comme illustré par son Oiseau dans l'espace (1924) série. Ces formes élégamment raffinés sont devenus synonymes de sculpture 20e siècle. En 1927, Brancusi a gagné un procès contre les autorités douanières des États-Unis qui ont tenté de valoriser sa sculpture en métal brut. Le costume a conduit à des changements juridiques permettant l'importation de l'art abstrait en franchise de droits.
L'impact de Brancusi, avec son vocabulaire de la réduction et de l'abstraction, est vu à travers les années 1930 et 1940, et illustré par des artistes tels queGaston Lachaise,Sir Jacob Epstein,Henry Moore,Alberto Giacometti, Joan Miró, Julio González,Pablo Serrano,Jacques Lipchitz et plus tard dans la siècle parCarl Andre etJohn Safer qui a ajouté le mouvement et la monumentalité au thème de la pureté de la ligne.
Depuis les années 1950moderniste tendances de la sculpture à la fois abstraite et figurative ont dominé l'imagination du public et la popularité de la sculpture moderniste avait écarté l'approche traditionnelle.Picassoa été chargé de faire une maquette pour un énorme de 50 pieds (15 m) -haute sculpture publique à être construit dansChicago, connu généralement comme Chicago Picasso. Il se approcha du projet avec beaucoup d'enthousiasme, la conception d'une sculpture qui était ambigu et quelque peu controversée. Ce que le chiffre représente ne est pas connue; il pourrait être un oiseau, un cheval, une femme ou une forme totalement abstrait. La sculpture, l'un des monuments les plus reconnaissables dans le centre de Chicago, a été dévoilé en 1967. Picasso a refusé de payer $ 100,000 pour elle, faire don à des gens de la ville.
Pendant les années 1950 et les années 1960 sculpteurs abstraits commencé à expérimenter avec un large éventail de nouveaux matériaux et différentes approches de la création de leur travail. L'imagerie surréaliste, abstraction anthropomorphique, de nouveaux matériaux et de combinaisons de sources d'énergie nouvelles et des surfaces et des objets variés sont devenus beaucoup plus caractéristique de nouvelle sculpture moderniste. Les projets de collaboration avec les architectes paysagistes, architectes, architectes paysagistes et élargi le site extérieur et de l'intégration contextuelle.
Des artistes tels que Isamu Noguchi,David Smith,Alexander CalderJean Tinguely,Richard Lippold,George Rickey,Louise Bourgeois etLouise Nevelson sont venus à caractériser l'aspect de la sculpture moderne., et leminimaliste œuvres deTony Smith,Robert Morris,Donald Judd,Larry Bell,Anne Truitt,Giacomo Benevelli,Arnaldo Pomodoro,Richard Serra,Dan Flavin et d'autres ont mené la sculpture abstraite contemporaine dans de nouvelles directions.
Dans les années 1960 expressionnisme abstrait, l'abstraction géométrique et le minimalisme prédominaient. Certaines œuvres de la période sont: l'Cubi fonctionne de David Smith, et les travaux en acier soudés de Sir Anthony Caro, l'oeuvre d'envergure de John Chamberlain, de l'environnement et d'installation des œuvres d'échelle par Mark di Suvero.
Pendant les années 1960 et 1970, la sculpture figurative par des artistes modernistes dans des formes stylisées par des artistes tels que: Leonard Baskin, Ernest Trova, Marisol Escobar, Paul Thek et Manuel Neri est devenu populaire. Dans les années 1980, plusieurs artistes, entre autres, en explorant la sculpture figurative étaient Robert Graham dans un style classique articulé, et Fernando Botero apportant «figures surdimensionnées» de sa peinture en sculptures monumentales.
Minimalisme
Le Style minimaliste réduit la sculpture à ses caractéristiques les plus essentiels et fondamentaux. Minimalistes comprennent Tony Smith, Donald Judd, Robert Morris, Larry Bell, Anne Truitt, et Dan Flavin;
Mouvement spécifique au site
Site spécifique et art environnemental œuvres sont représentées par des artistes: Donald Judd, Richard Serra, Robert Irwin, George Rickey et Christo et Jeanne-Claude conduit sculpture abstraite contemporaine dans de nouvelles directions. Artistes créés sculpture environnementale sur les sites vastes dans le « land art dans l'Ouest américain «groupe de projets. Ces land art ou art de la terre 'des œuvres de la sculpture à l'échelle de l'environnement illustrés par des artistes tels que Robert Smithson, Michael Heizer, James Turrell ( Roden Crater) et autres
Le land art (art de la terre) échelle de l'environnement des œuvres de la sculpture parRobert Smithson,Michael Heizer,James Turrell et d'autres
Postminimalisme
Artistes Bill Bollinger,Eva Hesse,Sol LeWitt, Jackie Winsor,Keith Sonnier,Bruce Nauman, etLucas Samaras, entre autres ont été pionniers dePostminimalist sculpture.The œuvres ultérieures deRobert Graham ont continué d'évoluer, souvent dans desparamètres d'art public, dans le 21ème siècle .
Aussi pendant les années 1960 et 1970, des artistes aussi divers que Stephen Antonakis,Chryssa,Walter De Maria,Dan Flavin,Robert Smithson,Robert Irwin, Claes Oldenburg, George Segal, Edward Kienholz,Duane Hanson etJohn DeAndrea exploré l'abstraction, de l'imagerie et de la figuration à traversLumièresculpture,land art, etl'art d'installation dans de nouveaux moyens.
Readymade
Le terme a trouvé l'art - objet plus communément trouvée (français: objet trouvé) ou readymade - décrit l'art créé à partir de l'utilisation non dissimulée, mais souvent modifié, des objets qui ne sont pas normalement considérés comme art, souvent parce qu'ils ont déjà, une fonction utilitaire banal. Marcel Duchamp est à l'origine de cette au début du 20e siècle avec des morceaux tels que Fontaine.
Art conceptuel
L'art conceptuel est un art dans lequel le concept (s) ou une idée (s) impliqué dans le travail l'emportent sur les préoccupations esthétiques et matérielles traditionnelles.Les travaux comprennentUne et trois chaises, 1965, est deJoseph Kosuth, etun chêne parMichael Craig-Martin.
Le post-modernisme
Sculpture post-moderne occupe un champ d'activités plus large que la sculpture moderniste, que Rosalind Krauss a observé. Son idée de la sculpture dans le domaine élargi identifié une série d'oppositions qui décrivent les diverses activités de sculpture-like qui sont la sculpture post-moderne:
- Site-Constructionest l'intersection du paysage et de l'architecture
- Structures axiomatiquesest la combinaison de l'architecture et non l'architecture
- Sites marquésest la combinaison du paysage et non-paysage
- Sculptureest l'intersection de pas-paysage et non l'architecture
La préoccupation Krauss créait une explication théorique qui pourrait tenir suffisamment les développements deLand art,la sculpture minimaliste etl'art spécifique au site dans la catégorie dessculpture.Pour ce faire, son explication a créé une série d'oppositions autour de la relation de l'œuvre à son environnement .
Genres contemporains
Certaines formes de la sculpture modernes sont maintenant pratiquées à l'extérieur, que l'art de l'environnement et de la sculpture de l'environnement, et souvent à la vue des spectateurs, leur donnant ainsi la parenté à l'art de la performance dans les yeux de certains. sculpture sur glace est une forme de sculpture qui utilise de la glace que la première matériau. Il est populaire en Chine, le Japon, le Canada, la Suède et la Russie. Les sculptures sur glace disposent décorative dans certaines cuisines, en particulier en Asie. sculptures cinétiques sont des sculptures qui sont conçus pour se déplacer, qui comprennent Mobiles. sculptures de neige sont généralement taillés dans un seul bloc de neige d'environ 6 à 15 pieds (4,6 m) de chaque côté et pesant environ 20 - 30 tonnes. La neige est densément emballé dans une forme après avoir été produite par des moyens artificiels ou ramassées sur le sol après une chute de neige. sculptures sonores prennent la forme d'installations sonores intérieurs, des installations de plein air comme harpes éoliennes, automates, ou être plus ou moins proche classique instruments de musique. Sculpture sonore est souvent spécifique au site. Un château de sable peut être considéré comme une sculpture de sable. Sculpture Weightless (dans l'espace) en tant que concept est créé en 1985 par l'artiste néerlandais Martin Sjardijn. Lego briques sculpture implique l'utilisation de briques de Lego communs pour construire des sculptures réalistes ou artistiques utilisant parfois des centaines de milliers de briques. Art jouets sont devenus un autre format pour les artistes contemporains depuis la fin des années 1990, tels que ceux produits par Takashi Murakami et Kid Robot, conçue par Michael Lau, ou en fait à la main , Michael Leavitt (artiste).
Statut social
Dans le monde entier, les sculpteurs ont généralement été artisans dont le travail est non signé. Mais dans le monde classique, de nombreux grecs anciens sculpteurs comme Phidias ont commencé à recevoir une reconnaissance individuelle dans l'Athènes de Périclès, et est devenu célèbre et sans doute riche. Dans le Moyen-Age , des artistes comme le 12ème siècle Gislebertus signé parfois leur travail, et ont été recherchés par les différentes villes, en particulier à partir du Trecento partir en Italie, avec des figures comme Arnolfo di Cambio, Nicola Pisano et son fils Giovanni. Beaucoup de sculpteurs également pratiquées dans les autres arts, la peinture, parfois, comme Andrea del Verrocchio, ou l'architecture , comme Giovanni Pisano, Michel-Ange, ou Jacopo Sansovino, et maintenus grands ateliers.
Du Haute Renaissance artistes comme Michel-Ange , Leone Leoni et Giambologna pourraient devenir riche, et ennoblie, et entrer dans le cercle des princes. Sculpture décorative beaucoup sur les bâtiments est restée un métier, mais sculpteurs produisant des pièces individuelles ont été reconnus au niveau de peintres. Depuis au moins le 18ème siècle, la sculpture a également attiré des étudiants de la classe moyenne, même si elle a été plus lente à le faire que la peinture. De même les femmes sculpteurs ont pris plus longtemps à apparaître que les femmes peintres, et ont généralement été moins important jusqu'à ce que le 20e siècle au moins.
Techniques
Sculpture sur pierre
Sculpture sur pierre est une activité ancienne, où des morceaux de brut naturel pierre sont façonnées par l'élimination contrôlée de la pierre. En raison de la permanence de la matière, la preuve peut être trouvé que même les premières sociétés se livraient à une certaine forme de travail de la pierre. pétroglyphes (également dénommés les gravures rupestres) sont peut-être la plus ancienne forme: images créées en enlevant une partie d'un rocher surface qui reste dans situ , par incision, picorer, la sculpture, et abrasion. sculpture monumentale couvre de grandes œuvres, et la sculpture architecturale, qui est attaché aux bâtiments. Hardstone sculpture est la sculpture à des fins artistiques de pierres semi-précieuses comme l' jade, agate, onyx, cristal de roche , ADRD ou de cornaline, et un terme général pour un objet fabriqué de cette manière. pierres gravées sont de petits bijoux sculptés, y compris camées, à l'origine utilisés comme bagues d'étanchéité.
Sculpture en bronze
Le bronze est le métal le plus populaire pour métal coulé sculptures ; un casting sculpture en bronze est souvent appelé simplement «bronze». Alliages de bronze communes ont la propriété inhabituelle et souhaitable d'étendre légèrement juste avant de se mettre, remplissant ainsi les moindres détails d'un moule. Leur force et leur manque de fragilité (ductilité) est un avantage lorsque les chiffres en action doivent être créés, surtout lorsqu'on les compare à divers matériaux céramiques ou en pierre (voir la sculpture de marbre pour plusieurs exemples).
Sculpture sur bois
La sculpture sur bois est une forme de travail du bois au moyen d'un outil de coupe tenue dans la main (ce peut être un outil de puissance), résultant en une figure de bois ou une figurine (cela peut être résumé en nature) ou dans l'ornementation sculpturale d'un bois objet.
Coulage
Le moulage est un procédé de fabrication par un matériau qui est liquide (en général) versé dans un moule, qui contient une cavité de la forme souhaitée, puis on le laisse se solidifier. Le casting solide est alors éjecté ou éclaté pour terminer le processus. Coulée peut être utilisé pour former des métaux liquides chauds ou de différents matériaux qui ensemble froid après le mélange des composants (tels que des résines époxy, béton, plâtre et argile ). Castings est le plus souvent utilisé pour la fabrication des formes complexes qui seraient autrement difficile ou non rentable de faire par d'autres méthodes.
Le casting est un processus de 6.000 ans. Le plus ancien survivant coulée est une grenouille de cuivre de 3200 av. Le processus de casting est subdivisé en deux sous-groupes distincts: consomptibles et non consomptibles coulée en moule.
Préservation
Sculptures sont sensibles aux conditions environnementales telles que la température , l'humidité et l'exposition à la lumière et la lumière ultraviolette . Les pluies acides peut aussi causer des dommages à certains matériaux de construction et des monuments historiques. Il en résulte lorsque l' acide sulfurique sous la pluie réagit chimiquement avec les composés de calcium dans les pierres (calcaire, grès, marbre et granit) pour créer le gypse , qui a ensuite écaille.
Arts similaires
Autres arts qui sont liés à la sculpture:
