La peinture occidentale
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L'histoire de la peinture occidentale représente un processus continu, si perturbé, la tradition de l'antiquité jusqu'à l'époque actuelle. Jusqu'au milieu du 19e siècle, il a été principalement concerné par représentation et Modes classiques de production, après quoi plus moderne, abstraite et formes conceptuelles gagné faveur.
Développements dans l'Ouest peinture historiquement le parallèle ceux dans la peinture orientale en général quelques siècles plus tard. L'art africain, L'art islamique, Art indien, L'art chinois, et Art japonais avaient chacun une influence significative sur l'art occidental, et, éventuellement, vice-versa.
Initialement servant patronage impérial, privé, civique et religieuse, la peinture occidentale retrouvé plus tard dans le public aristocratie et la classe moyenne. De les Moyen Age à travers les Renaissance peintres travaillaient pour l'église et une riche aristocratie. En commençant par les baroques artistes de l'époque reçu des commandes privées d'une classe moyenne plus instruits et prospère. L'idée de " l'art pour l'art »a commencé à trouver son expression dans le travail des romantiques peintres comme Francisco de Goya , John Constable et JMW Turner . Pendant le 19ème siècle commerciale galeries se sont établies et a continué à fournir patronage dans le 20e siècle.
Peinture occidentale a atteint son apogée en Europe pendant la Renaissance, en conjonction avec le raffinement du dessin, l'utilisation de point de vue, l'architecture ambitieuse, tapisserie, vitrail , la sculpture et la période avant et après l'avènement de la presse d'imprimerie. Suite à la profondeur de la découverte et de la complexité des innovations de la Renaissance, le riche patrimoine de la peinture occidentale (du baroque à Art contemporain). L' histoire de la peinture continue dans le 21ème siècle.
Préhistoire
Abris rupestres de Bhimbetka, peinture rupestre, l'âge de pierre , l'Inde
Aurochs Peinture rupestre, Lascaux, France
Lascaux, cheval
Lascaux, taureaux et des chevaux
Bison , dans la grande salle de policromes, Grotte d'Altamira, en Espagne
Pétroglyphes, de la Suède, Nordic âge du bronze (peint)
Les pictogrammes de la Grande Galerie, Canyonlands National Park, Horseshoe Canyon, Utah, c. 1500 BCE
Cueva de las Manos (espagnol pour grotte aux mains) dans la province de Santa Cruz en Argentine, c.550 BC
L' histoire de la peinture remonte dans le temps à des artefacts provenant d'humains préhistoriques, et se étend sur toutes les cultures. Les plus anciennes peintures connues sont au Grotte Chauvet en France, réclamée par quelques historiens pour être âgé d'environ 32000 années. Elles sont gravées et peintes utilisant ocre rouge et le colorant noir et montrent chevaux, rhinocéros, lions, buffle, mammouth ou les humains chassant souvent. Il existe des exemples de peintures rupestres du monde entier en France, l'Inde, l'Espagne, le Portugal, la Chine, l'Australie, etc. Il ya beaucoup de thèmes communs à travers les différents endroits que les peintures ont été trouvés; ce qui implique l'universalité de l'objectif et la similitude des impulsions qui pourraient avoir créé l'imagerie. Diverses conjectures ont été faites quant à la signification de ces peintures devaient les personnes qui les ont faites. Les hommes préhistoriques ont peint les animaux peuvent "attraper" le leur âme ou esprit afin de les chasser plus facilement, ou les peintures peut représenter une vision animiste et hommage à environnante nature , ou ils peuvent être le résultat d'un besoin fondamental de expression qui est innée pour les êtres humains, ou ils peuvent être des enregistrements des expériences de vie des artistes et des histoires connexes des membres de leur cercle.
La peinture occidentale
Egypte, la Grèce et Rome
Sennedjem laboure ses champs avec une paire de bœufs, c. 1200 BC
Egypte antique , la déesse Isis , peinture murale, c. 1360 BC
Egypte antique , Reine Nefertari
Egypte antique , papyrus
Panneaux Pitsa, une des rares peintures sur panneau de survivant de Grèce archaïque, ca. 540-530 BC
Symposium scène dans le Tombe du Plongeur au Paestum, circa 480 BC L'art grec
Knossos
L'art romain, Pompéi
L'art romain
L'art romain
L'art romain
L'art romain
L'art romain
L'art romain
Egypte ancienne , une civilisation avec de fortes traditions de l'architecture et de la sculpture (à la fois l'origine peintes de couleurs vives), a eu de nombreuses peintures murales dans les temples et bâtiments, et peint des illustrations sur papyrus manuscrits. Peinture murale égyptienne et la peinture décorative est souvent graphique, parfois plus symbolique que réaliste. Peinture égyptienne montre les personnages dans les grandes lignes en gras et plats silhouette, dans lequel la symétrie est une caractéristique constante. Peinture égyptienne présente un lien étroit avec son langage écrit-disant Hiéroglyphes égyptiens. Symboles peints se trouvent parmi les premières formes de la langue écrite. Les Egyptiens également peintes sur linge, les vestiges de ce qui survivent aujourd'hui. Peintures égyptiennes antiques ont survécu en raison du climat extrêmement sec. Les anciens Egyptiens créé peintures pour rendre le au-delà de la personne décédée un endroit agréable. Les thèmes inclus voyage à travers l'au-delà ou leurs divinités protectrices introduction du défunt aux dieux de la pègre. Quelques exemples de ces peintures sont des peintures des dieux et des déesses Ra, Horus, Anubis, Nut, Osiris et Isis . Certaines peintures des tombes montrent activités que la personne décédée ont été impliqués dans quand ils étaient vivants et souhaite continuer à le faire pour l'éternité. Dans le New-Uni et plus tard, le Livre des Morts a été enterré avec la personne ensevelie. Il a été jugé important pour une introduction à l'au-delà.
Au nord de l'Egypte était la civilisation minoenne sur l'île de Crète. Les peintures murales trouvées dans le palais de Knossos sont similaires à ceux de la Egyptiens, mais beaucoup plus libre dans le style.
Autour de 1100 avant JC, les tribus du nord de la Grèce conquis la Grèce et son art ont pris une nouvelle direction. La culture de la Grèce antique est remarquable pour ses contributions remarquables aux arts visuels. Peinture sur poterie de la Grèce antique et la céramique donne un aperçu particulièrement instructifs dans la façon dont la société dans la Grèce antique a fonctionné. Beaucoup de beaux exemples de À figures noires peinture sur vase et À figures rouges peinture sur vase existent encore. Quelques célèbres peintres grecs qui ont travaillé sur des panneaux de bois et qui sont mentionnés dans les textes sont Apelle, Zeuxis et Parrhasius; cependant, à la seule exception de la Panneaux Pitsa, aucun exemple de la peinture grecque antique du panneau survivre, seulement des descriptions écrites de leurs contemporains ou plus tard Romains. Zeuxis a vécu dans le 5ème siècle avant JC et a été dit d'être le premier à utiliser sfumato. Selon Pline l'Ancien, le réalisme de ses tableaux était tel que les oiseaux ont essayé de manger les raisins peints. Apelle est décrit comme le plus grand peintre antiquité, et est réputé pour la technique parfaite dans le dessin, la couleur brillante, et la modélisation.
L'art romain a été influencé par la Grèce et peut être en partie considéré comme descendant de la peinture grecque antique. Cependant, la peinture romaine ne ont d'importantes caractéristiques uniques. Presque tous les survivants des œuvres romaines sont des peintures murales, dont beaucoup dans des villas Campanie, dans le sud de l'Italie. Cette peinture peut être regroupées en quatre principaux «styles» ou périodes et peut contenir les premiers exemples de trompe-le oeil, pseudo-perspective, et le paysage pur. Presque les portraits peints seulement survivants de l'Ancien Monde sont un grand nombre de Mummy Portraits de forme de buste trouvés dans le Late cimetière antique de Al-Fayoum. Bien que ces ne étaient ni de la meilleure période, ni la plus haute qualité, ils sont impressionnants en eux-mêmes, et suggèrent la qualité de la plus belle œuvre ancienne. Un très petit nombre de miniatures de livres anciens illustrés tardives ont également survécu, ainsi que d'un peu plus grand nombre de copies de la période médiévale tôt.
Moyen Âge
Genèse de Cotton Une miniature de Abraham Réunion Anges
Byzantin icône, 6ème siècle
Mosaïques d'art byzantins Ravenne
Byzantine, datant du 6e siècle
Frères Limbourg
Frères Limbourg
Livre d'heures
La prise de Jérusalem au cours de la première croisade , c. 1099
La Feuille Morgan, de la Winchester Bible 1160-1175, Scènes de la vie de David
Yaroslavl Evangiles c. Années 1220
Carolingienne
Carolingienne Saint-Marc
Portraits des évangélistes
Giottino
Vitale da Bologna
Simone Martini
Simone Martini
Cimabue
Giotto
Giotto
Giotto
Andrei Roublev
Andrei Roublev, Ascension, 1408
Ambrogio Lorenzetti
Pietro Lorenzetti
-
Duccio
Bonaventura Berlinghieri, saint François d'Assise, 1235
Eglise Chora
Cathédrale de l'Archange
Monastère Voronet
La montée du christianisme donnait un esprit différent et visent à styles de peinture. L'art byzantin, une fois son style a été créé par le 6ème siècle, mis l'accent sur le maintien traditionnelle l'iconographie et le style, et peu à peu évolué au cours des mille ans de l' Empire byzantin et les traditions vivantes de la langue grecque et russe orthodoxe peinture d'icônes. Peinture byzantine a un sentiment hiératique et les icônes étaient et sont encore considérés comme une représentation de la révélation divine. Il y avait beaucoup fresques, mais moins d'entre eux ont survécu à mosaïques . Art byzantin a été comparé au contemporain abstraction, dans sa planéité et représentations très stylisées de figures et de paysage. Certaines périodes de l'art byzantin, en particulier la soi-disant Art macédonien autour du 10ème siècle, sont plus flexibles dans leur approche. Fresques de la Renaissance des Paléologues des premiers C14th survivre dans le Chora Eglise à Istanbul.
En post-Antique Europe catholique le premier style artistique distinctif d'émerger qui comprenait la peinture était le Enluminure insulaire des îles britanniques, où les exemples ne sont survivants miniatures Manuscrits enluminés comme le Livre de Kells . Ce sont les plus célèbres pour leur décoration abstraite, bien que les chiffres, et parfois des scènes, ont également été représentées, en particulier dans Portraits évangéliste. Carolingienne et Art ottonien survit aussi le plus souvent dans les manuscrits, bien que certains restent peinture murale, et d'autres sont documentées. L'art de cette période combine insulaire et les influences «barbares» avec une forte influence byzantine et une aspiration pour récupérer la monumentalité classique et l'équilibre.
Murs de Romane et Églises gothiques ont été décorées avec fresques ainsi que la sculpture et beaucoup des rares restant peintures murales ont une grande intensité, et de combiner l'énergie décorative de l'art insulaire avec une nouvelle monumentalité dans le traitement de chiffres. Beaucoup plus de miniatures Manuscrits enluminés survivre à la période, montrant les mêmes caractéristiques, qui continuent dans le Période gothique.
peinture sur panneau devient plus fréquente au cours de la Époque romane, sous l'influence lourde d'icônes byzantines. Vers le milieu du 13e siècle, Art médiéval et Peinture gothique est devenu plus réaliste, avec les débuts de l'intérêt dans la représentation du volume et de la perspective en Italie avec Cimabue puis son élève Giotto. De Giotto, le traitement de la composition par les meilleurs peintres est également devenu beaucoup plus libre et innovateur. Ils sont considérés comme les deux grands maîtres de la peinture médiévale dans la culture occidentale. Cimabue, dans la tradition byzantine, utilisé une approche plus réaliste et dramatique à son art. Son élève, Giotto, a pris ces innovations à un niveau supérieur qui à son tour a jeté les bases pour la tradition de la peinture occidentale. Les deux artistes ont été des pionniers dans le mouvement vers le naturalisme.
Églises ont été construites avec de plus en plus de fenêtres et l'utilisation de couleurs vitraux deviennent un aliment de base dans la décoration. Un des exemples les plus célèbres de cela se trouve dans la cathédrale de Notre Dame de Paris. Au 14ème siècle, les sociétés occidentales étaient à la fois plus riche et plus cultivée et peintres ont trouvé de nouveaux clients dans la noblesse et même le bourgeoisie. Manuscrits enluminés ont pris un caractère nouveau et mince, court les femmes vêtus à la mode ont été présentés dans leurs paysages. Ce style est vite devenu connu sous le nom de style international et tempera peintures et retables panneau gagné importance.
Renaissance et Maniérisme
Fra Angelico
Filippo Lippi
Andrea Mantegna
Masaccio l'expulsion d'Adam et Eve de l'Eden, avant et après restauration
Paolo Uccello
Albrecht Dürer
Giovanni Bellini
Titien
Sandro Botticelli
Piero della Francesca
Giorgione
Jacopo Tintoretto
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Rogier van der Weyden
Robert Campin
Hieronymus Bosch
Pieter Bruegel
Hans Holbein le Jeune
El Greco
La Renaissance (le français pour «renaissance»), un mouvement culturel se étend à peu près la 14e par le milieu du 17e siècle, annonçaient l'étude des sources classiques, ainsi que des progrès dans la science qui a profondément influencé la vie intellectuelle et artistique européenne. En Italie, des artistes comme Paolo Uccello, Fra Angelico, Masaccio, Piero della Francesca, Andrea Mantegna, Filippo Lippi, Giorgione, Tintoret, Sandro Botticelli, Léonard de Vinci , Michel-Ange Buonarroti , Raphael , Giovanni Bellini et Tiziano pris peinture à un niveau plus élevé par l'utilisation de point de vue, l'étude de l'anatomie humaine et de la proportion, et grâce à leur développement d'un raffinement sans précédent dans les techniques de dessin et de peinture.
Peintres flamands, hollandais et allemands de la Renaissance tels que Hans Holbein le Jeune, Albrecht Dürer, Lucas Cranach, Matthias Grünewald, Jérôme Bosch, et Pieter Bruegel représentent une approche différente de leurs collègues italiens, celui qui est plus réaliste et moins idéalisé. La peinture de genre est devenu un idiome populaire parmi les peintres du Nord comme Pieter Bruegel. L'adoption de peinture à l'huile dont l'invention était traditionnellement, mais à tort, crédité au Jan Van Eyck, (une figure de transition importante qui relie la peinture au Moyen Age avec la peinture de la Renaissance), rendu possible une nouvelle vraisemblance à dépeindre la réalité. Contrairement aux Italiens, dont le travail a attiré beaucoup de l'art de la Grèce antique et de Rome, les habitants du Nord conservés un résidu stylistique de la sculpture et de manuscrits du Moyen Age illuminés.
Peinture de la Renaissance reflète la révolution d'idées et de la science ( astronomie , géographie ) qui ont eu lieu pendant cette période, le Réforme, et l'invention de la presse d'imprimerie. Dürer, considéré comme l'un des plus grands graveurs, peintres précise que ne sont pas simple artisans, mais penseurs ainsi. Avec le développement de la peinture de chevalet à la Renaissance, la peinture à l'indépendance de l'architecture. Après des siècles dominés par l'imagerie religieuse, sous réserve laïque affaire est renvoyée lentement à la peinture occidentale. Artistes inclus visions du monde autour d'eux, ou les produits de leur propre imagination dans leurs peintures. Ceux qui ne pouvaient se permettre la dépense pourrait devenir mécènes et des portraits de la commission d'eux-mêmes ou de leur famille.
Au 16ème siècle, les images mobiles qui pourraient être accroché facilement sur les murs, plutôt que de peintures apposées sur des structures permanentes, sont entrés en demande populaire.
Le Haute Renaissance a donné naissance à un art stylisé connu sous le nom Maniérisme. En lieu et place des compositions équilibrées et approche rationnelle à la perspective qui caractérisent l'art à l'aube du 16ème siècle, les maniéristes cherché l'instabilité, l'artifice, et le doute. Les visages et les gestes de non perturbés Piero della Francesca et les Vierges calmes de Raphaël sont remplacés par les expressions troublées Pontormo et l'intensité émotionnelle de El Greco.
Baroque et rococo
Artemisia Gentileschi
Frans Hals
Jan Vermeer
Diego Velázquez
Nicolas Poussin
Jusepe de Ribera
Salvator Rosa
Claude Lorrain
Giovanni Battista Tiepolo
Antoine Watteau
Jean-Honouré Fragonard
François Boucher
Élisabeth-Louise Vigée-Le Brun
Maurice Quentin de La Tour
Joshua Reynolds
Jean-Baptiste-Siméon Chardin
Francis Hayman
Angelica Kauffmann
Peinture baroque est associé avec le baroque mouvement culturel, un mouvement souvent identifié avec l'absolutisme et de la Contre-Réforme catholique ou Revival; l'existence de la peinture baroque importante dans les Etats non-absolutistes et protestants aussi, cependant, souligne sa popularité, que le style se propager dans toute l'Europe occidentale.
Peinture baroque se caractérise par grand drame, des couleurs riches et profondes, et la lumière intense et ombres. Art baroque était destinée à susciter l'émotion et la passion à la place de la rationalité calme qui avait été prisé pendant la Renaissance. Au cours de la période commençant en 1600 et tout au long du 17ème siècle, la peinture est caractérisé comme baroque . Parmi les plus grands peintres du baroque sont Caravage , Rembrandt , Frans Hals, Rubens , Velázquez, Poussin, et Jan Vermeer. Caravage est un héritier de l' humaniste de la peinture Haute Renaissance. Son approche réaliste de la figure humaine, peint directement de la vie et de façon spectaculaire les projecteurs sur un fond sombre, a choqué ses contemporains et a ouvert un nouveau chapitre dans l'histoire de la peinture. Peinture baroque dramatise souvent des scènes en utilisant des effets de lumière; ceci peut être vu dans les œuvres de Rembrandt, Vermeer, Le Nain et La Tour.
Au cours du 18ème siècle, rococo suivi comme une extension plus légère de baroque, souvent frivole et érotique. rococo d'abord développé dans les arts décoratifs et design d'intérieur en France. La succession de Louis XV a apporté un changement dans les artistes de la cour et de la mode artistique générale. Les années 1730 représentent la hauteur du développement rococo en France comme en témoignent les œuvres de Antoine Watteau et François Boucher. Rococo toujours maintenu le goût baroque pour les formes complexes et des motifs complexes, mais en ce moment, il avait commencé à intégrer une variété de diverses caractéristiques, y compris un goût pour des motifs orientaux et compositions asymétriques.
Le style rococo propage avec des artistes français et publications gravés. Il a été facilement reçu dans les régions catholiques de l'Allemagne, Bohême et en Autriche , où il a été fusionné avec les traditions baroques allemands animés. Rococo allemand a été appliquée avec enthousiasme à des églises et des palais, en particulier dans le sud, tandis que Rococo frédéricien développé dans le Royaume de Prusse.
Les maîtres français Watteau, Boucher et Fragonard représentent le style, comme le font Giovanni Battista Tiepolo et Jean-Baptiste-Siméon Chardin qui a été considéré par certains comme le meilleur peintre français du 18ème siècle - l'Anti-rococo. Portraiture était un élément important de la peinture dans tous les pays, mais surtout en Angleterre, où les dirigeants étaient William Hogarth , dans un style réaliste émoussé, et Francis Hayman, Angelica Kauffmann (qui était suisse), Thomas Gainsborough et Joshua Reynolds dans des styles plus flatteuses influencés par Anthony van Dyck . Alors qu'en France à l'époque rococo Jean-Baptiste Greuze (le peintre favori de Denis Diderot), Maurice Quentin de La Tour, et Élisabeth Vigée-Lebrun étaient très accomplie Portrait peintres et Histoire peintres.
William Hogarth a aidé à développer une base théorique pour rococo beauté. Bien que non référencement volontairement le mouvement, il a fait valoir dans son analyse de la beauté (1753) que les lignes ondulées et courbes en S éminents Rococo étaient la base pour la grâce et la beauté dans l'art ou la nature (contrairement à la ligne droite ou le cercle Classicisme). Le début de la fin pour rococo est venu au début des années 1760 que des figures comme Voltaire et Jacques-François Blondel a commencé à exprimer leur critique de la superficialité et de la dégénérescence de l'art. Blondel a dénoncé le «fatras ridicule de coquillages, dragons, des roseaux, des palmiers et des plantes» dans les intérieurs contemporains.
En 1785, Rococo avait passé de mode en France, remplacé par l'ordre et la gravité des néoclassiques artistes comme Jacques-Louis David.
19ème siècle: Néo-classicisme, peinture d'histoire, le romantisme, impressionnisme, post impressionnisme, le symbolisme
Jacques-Louis David 1787
John Singleton Copley, 1778
Antoine-Jean Gros, 1804
John Constable 1802
Francisco Goya 1814
Théodore Géricault 1819
Caspar David Friedrich c.1822
Karl Brullov 1827
Eugène Delacroix, 1830
JMW Turner 1838
Ivan Aïvazovski 1850
Gustave Courbet 1849-1850
Jean Auguste Dominique Ingres 1862
Jan Matejko 1862
Camille Corot c.1867
Claude Monet 1872
Edgar Degas 1876
Édouard Manet 1882
Aleksander Gierymski 1884
Albert Bierstadt 1886
Valentin Serov 1887
Vincent van Gogh 1888
Ilya Repin 1891
-
Józef Chelmonski 1896
Paul Gauguin 1897-1898
Georges-Pierre Seurat 1884-1886
Thomas Eakins, 1884-1885
Albert Pinkham Ryder, 1890
Winslow Homer 1899
Witold Wojtkiewicz 1905
Paul Cézanne 1906
Après rococo il se éleva dans la fin du 18e siècle, à l'architecture, puis à peindre sévère néo-classicisme , mieux représenté par des artistes tels que David et son héritier Ingres. Le travail d'Ingres contient déjà une grande partie de la sensualité, mais aucun de la spontanéité, ce était de caractériser le romantisme . Ce mouvement a tourné son attention vers le paysage et la nature ainsi que la figure humaine et la suprématie de l'ordre naturel au-dessus de la volonté de l'humanité. Il y a un la philosophie panthéiste (voir Spinoza et Hegel) dans cette conception qui se oppose Lumières idéaux en voyant le destin de l'humanité dans une lumière plus tragique ou pessimiste. L'idée que les êtres humains ne sont pas au-dessus des forces de la nature est en contradiction avec la Grèce antique et de la Renaissance idéaux où l'homme était au-dessus toutes choses et appartenant à son sort. Cette réflexion conduit artistes romantiques pour représenter la sublimes, églises en ruine, les épaves, les massacres et la folie.
Par les peintres milieu du 19ème siècle sont devenus libérée des exigences de leur patronage à seulement représentent des scènes de la religion, la mythologie, l'art du portrait ou de l'histoire. L'idée «l'art pour l'art» a commencé à trouver son expression dans l'œuvre de peintres comme Francisco de Goya, John Constable et JMW Turner. Peintres romantiques tournés la peinture de paysage en un genre majeur, considéré jusque là comme un genre mineur ou comme un fond décoratif pour compositions de figures. Certains des principaux peintres de cette période sont Eugène Delacroix, Théodore Géricault, JMW Turner , Caspar David Friedrich et John Constable . Francisco Goya l 'œuvre tardive démontre l'intérêt romantique dans l'irrationnel, tandis que le travail de Arnold Böcklin évoque mystère et les peintures de Esthétique artiste mouvement James Abbott McNeill Whistler évoquent à la fois la sophistication et décadence. Aux États-Unis la tradition romantique de la peinture de paysage a été connu sous le nom Hudson River School exposants comprennent Thomas Cole, Frederic Edwin Church, Albert Bierstadt, Thomas Moran, et John Frederick Kensett. Luminisme était un mouvement dans la peinture de paysage américaine liée à la Hudson River School.
Le leader Peintre Ecole de Barbizon Camille Corot peint à la fois romantique et un veine réaliste; son travail préfigure impressionnisme , tout comme les peintures de Eugène Boudin qui fut l'un des premiers peintres paysagistes français à peindre en plein air. Boudin a également une influence importante sur le jeune Claude Monet , dont en 1857 il a présenté à Peinture en plein air. A force majeure dans le virage vers Réalisme au milieu du siècle était Gustave Courbet. Dans le dernier tiers du siècle des impressionnistes comme Édouard Manet, Claude Monet , Pierre-Auguste Renoir , Camille Pissarro, Alfred Sisley, Berthe Morisot, Mary Cassatt , et Edgar Degas a travaillé dans une approche plus directe que ce qui avait été précédemment exposé publiquement. Ils se émancipent de l'allégorie et le récit en faveur des réponses individualisées au monde moderne, parfois peintes avec peu ou aucune étude préparatoire, en se appuyant sur habileté du dessin et une palette extrêmement chromatique. Manet, Degas, Renoir, Morisot, et Cassatt concentrée principalement sur le sujet humain. Les deux Manet et Degas réinterprétés canons figuratifs classiques dans des situations contemporaines; dans le cas de Manet la ré-imaginations rencontré réception publique hostile. Renoir, Morisot, et Cassatt se sont tournés vers la vie domestique pour l'inspiration, avec Renoir se concentrant sur le nu féminin. Monet, Pissarro, Sisley et utilisé le paysage comme motif principal, le caractère éphémère de la lumière et la météo joue un rôle majeur dans leur travail. Alors que le plus étroitement Sisley respecté les principes originaux de la perception du paysage impressionniste, Monet cherchait défis dans des conditions de plus en plus chromatiques et changeantes, culminant dans sa série d'œuvres monumentales de Nymphéas peints en Giverny.
Pissarro adopté certaines des expériences de Post-impressionnisme. Un peu plus jeunes post-impressionnistes comme Vincent van Gogh , Paul Gauguin, et Georges-Pierre Seurat, avec Paul Cézanne art conduit au bord de modernisme; Gauguin impressionnisme a cédé la place à un symbolisme personnel; Seurat transformé couleur cassée de l'impressionnisme dans une étude optique scientifique, structuré sur des compositions de frise; Méthode turbulente de Van Gogh d'application de peinture, couplé avec une utilisation de la couleur sonore, prédit l'expressionnisme et Fauvisme, et Cézanne, désireux de se unir composition classique avec une abstraction révolutionnaire des formes naturelles, viendrait à être considéré comme un précurseur de l'art du 20e siècle. Le sort de l'impressionnisme a été ressentie partout dans le monde, y compris aux États-Unis, où il est devenu partie intégrante de la peinture de Impressionnistes américains tels que Childe Hassam, John Henry Twachtman, et Theodore Robinson. Il a également exercé une influence sur les peintres qui ne étaient pas principalement impressionniste en théorie, comme le portraitiste et paysagiste John Singer Sargent. Dans le même temps en Amérique au tournant du 20e siècle, il existait un réalisme natif et presque insulaire, aussi richement incarné dans l'œuvre figurative de Thomas Eakins, le École Ashcan, et les paysages terrestres et marins de Winslow Homer, dont toutes les peintures ont été profondément investis dans la solidité des formes naturelles. Le paysage visionnaire, un motif largement tributaire de l'ambiguïté de la nocturne, a trouvé ses défenseurs dans Albert Pinkham Ryder et Ralph Albert Blakelock.
Dans la fin du 19e siècle, il ya également eu plusieurs, assez différents, des groupes de Peintres symbolistes dont les œuvres en résonance avec les jeunes artistes du 20e siècle, en particulier avec le Fauves et la Surréalistes. Parmi eux se trouvaient Gustave Moreau, Odilon Redon, Pierre Puvis de Chavannes, Henri Fantin-Latour, Arnold Böcklin, Edvard Munch, Félicien Rops, et Jan Toorop, et Gustav Klimt entre autres, y compris le Symbolistes russes comme Mikhail Vrubel.
Peintres symbolistes minés la mythologie et de l'imagerie de rêve pour un langage visuel de l'âme, à la recherche tableaux évocateurs qui ont amené à l'esprit un monde statique de silence. Les symboles utilisés dans Symbolisme ne sont pas familier emblèmes de courant l'iconographie mais les références extrêmement personnelles, privées, obscures et ambiguës. Plus d'une philosophie que par un style actuel de l'art, les peintres symbolistes influencé le contemporain Art Nouveau mouvement et Les Nabis. Dans leur exploration de sujets oniriques, peintres symbolistes se trouvent à travers les siècles et les cultures, car ils sont encore aujourd'hui; Bernard Delvaille a décrit Le surréalisme de René Magritte comme «Symbolisme ainsi Freud ".
20ième siècle
Henri Matisse , 1905, Fauvisme
Henri Matisse , 1909, fin Fauvisme
Pablo Picasso , 1907, début cubisme
Georges Braque, 1910, cubisme analytique
Le patrimoine des peintres comme Van Gogh , Cézanne , Gauguin, et Seurat était essentielle pour le développement de l'art moderne. Au début du 20e siècle Henri Matisse et plusieurs autres jeunes artistes, y compris la pré-cubiste Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy et Maurice de Vlaminck a révolutionné le monde de l'art à Paris avec "sauvage", multi-coloré, expressif, paysages et peintures de figures que les critiques appellent Fauvisme (comme on le voit dans la galerie ci-dessus). Henri Matisse deuxième version de l 'de La danse représente un point clé dans sa carrière et dans le développement de la peinture moderne. Il reflète la fascination naissante de Matisse art primitif: les couleurs chaudes intenses contre le fond bleu-vert frais et la succession rythmique de nus de danse transmettre les sentiments de libération émotionnelle et . hédonisme Pablo Picasso a fait ses premiers cubistes peintures basées sur l'idée de Cézanne que tous représentation de la nature peut être réduite à trois solides: cube , sphère et cône. Avec la peinture Les Demoiselles d'Avignon 1907, (voir la galerie) Picasso considérablement créé une nouvelle et radicale image représentant une scène de bordel brute et primitive avec cinq prostituées, les femmes violemment peints, rappellent Masques africains tribales et de ses propres nouvelles cubistes inventions. Cubisme analytique (voir galerie) a été développé conjointement par Pablo Picasso et Georges Braque, illustré par Violon et Candlestick, Paris, (vu ci-dessus) d'environ 1908 à travers 1912. cubisme analytique, la première manifestation claire du cubisme, a été suivie par le cubisme synthétique , pratiquée par Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp et d'innombrables autres artistes dans les années 1920. cubisme synthétique se caractérise par l'introduction de différentes textures, surfaces, éléments de collage, papier collé et une grande variété d'objet fusionné.
Le Salon d'Automne de 1905 a apporté la notoriété et l'attention aux œuvres d' Henri Matisse et Fauvisme. Le groupe a gagné leur nom, après le critique Louis Vauxcelles décrit leur travail avec la phrase " Donatello au milieu des fauves! "(" Donatello parmi les bêtes sauvages "), contrastant les peintures avec une Renaissance sculpture de type qui partageait la chambre avec eux. Henri Rousseau (1844-1910), un artiste que Picasso connaissait et admirait et qui ne était pas Fauve, avait sa grande scène de jungle "Le Lion faim se jette sur l'antilope" également suspendus à proximité des œuvres de Matisse et qui pourraient avoir eu une influence sur le particulier terme sarcastique utilisé dans la presse. Vauxcelles de commentaire a été imprimé le 17 Octobre 1905 à le quotidien Gil Blas, et est passé dans l'usage populaire.
Bien que les images ont été largement derided- "Un pot de peinture a été jeté dans le visage du public», a déclaré le critique Camille Mauclair (1872-1945) -ils aussi attiré une certaine attention favorable. La peinture qui a été distingué pour la plupart des attaques était Matisse Femme avec un chapeau; l'achat de ce travail par Gertrude et Leo Stein a eu un effet très positif sur Matisse, qui souffrait de démoralisation de la mauvaise réception de son travail.
Pendant les années entre 1910 et la fin de la Première Guerre mondiale et après l'apogée du cubisme , plusieurs mouvements ont émergé à Paris. Giorgio de Chirico se installe à Paris en Juillet 1911, où il a rejoint son frère Andrea (le poète et peintre connu sous le nom Alberto Savinio). Grâce à son frère, il a rencontré Pierre Laprade un membre du jury à la Salon d'Automne, où il expose trois de ses œuvres oniriques: Enigma de l'Oracle, Enigma d'un après-midi et Self-Portrait. Au cours de 1913, il expose son travail à la Salon des Indépendants et au Salon d'Automne, son travail a été remarqué par Pablo Picasso et Guillaume Apollinaire et plusieurs autres. Ses peintures fascinantes et mystérieuses sont considérées instrumentale aux débuts de Surréalisme. Chant d'Amour 1914, est l'une des œuvres les plus célèbres de De Chirico et est un exemple précoce de la le style surréaliste, même si elle a été peinte dix ans avant le mouvement a été "fondée" par André Breton en 1924 (voir la galerie).
Dans les deux premières décennies du 20e siècle et après le cubisme, plusieurs autres mouvements importants sont apparus; Futurisme ( Balla), art abstrait ( Kandinsky) Der Blaue Reiter ( Wassily Kandinsky et Franz Marc), Bauhaus ( Kandinsky et Klee), Orphisme, ( Delaunay et Kupka), Synchromism ( Russell), De Stijl ( van Doesburg et Mondrian), Suprématisme ( Malevitch), Constructivisme ( Tatlin), dadaïsme ( Duchamp, Picabia et Arp), et Surréalisme ( de Chirico, André Breton, Miró, Magritte, Dalí et Ernst). La peinture moderne a influencé tous les arts visuels, de Architecture moderniste et le design, à film d'avant-garde, le théâtre et danse moderne et est devenu un laboratoire expérimental pour l'expression de l'expérience visuelle, de la photographie et poésie concrète à l'art de la publicité et de la mode. La peinture de Van Gogh a exercé une grande influence sur 20ème siècle expressionnisme , comme on le voit dans le travail de la Fauves, Die Brücke (un groupe dirigé par le peintre allemand Ernst Kirchner), et l'expressionnisme Edvard Munch, Egon Schiele, Marc Chagall, Amedeo Modigliani, Chaim Soutine et d'autres.
Pionniers de l'abstraction
Piet Mondrian, 1911, début De Stijl
Marcel Duchamp 1912, le cubisme et Futurisme
Wassily Kandinsky, 1913, naissance de l'art abstrait
Robert Delaunay, 1912-1913, Orphisme
Morgan Russell, 1913-1914 Synchromism
Giacomo Balla, 1913-1914, Futurisme
Kazimir Malevitch, 1916, Suprématisme
Theo van Doesburg, 1917, De Stijl, Néoplasticisme
Wassily Kandinsky, peintre russe, graveur et l'art théoricien, l'un des artistes les plus célèbres du 20ème siècle est généralement considéré comme le premier peintre important moderne art abstrait . Comme un début moderniste, à la recherche de nouveaux modes d'expression visuelle, et l'expression spirituelle, il a théorisé comme l'a fait contemporaine occultistes et théosophes, que l'abstraction visuelle pur avaient vibrations corollaires avec le son et la musique. Ils postulé que l'abstraction pure pouvait exprimer la spiritualité pure. Ses premières abstractions étaient généralement intitulé comme l'exemple de la Composition VII (ci-dessus galerie), faire des connexions avec le travail des compositeurs de musique. Kandinsky inclus beaucoup de ses théories sur l'art abstrait dans son livre Du Spirituel dans l'Art. L'art de Piet Mondrian a été également liée à ses études spirituelles et philosophiques. En 1908, il se est intéressé à la mouvement théosophique lancé par Helena Petrovna Blavatsky dans la fin du 19e siècle. Blavatsky croyait qu'il était possible d'atteindre une connaissance de la nature plus profonde que celle fournie par des moyens empiriques, et beaucoup de travail de Mondrian pour le reste de sa vie a été inspiré par sa quête de connaissance spirituelle. Autres grands pionniers de l'abstraction début comprennent peintre suédois Hilma af Klint, peintre russe Kazimir Malevitch et Swiss peintre Paul Klee. Robert Delaunay était un artiste français qui est associée à Orphisme, (penser à un lien entre l'abstraction pure et le cubisme). Ses œuvres ultérieures étaient plus abstraite, rappelle Paul Klee. Ses principales contributions à la peinture abstraite se réfèrent à son utilisation audacieuse de la couleur, et un amour évident de l'expérimentation à la fois la profondeur et la tonalité. À l'invitation du Wassily Kandinsky, Delaunay et son épouse l'artiste Sonia Delaunay, a rejoint Le Cavalier Bleu ( Der Blaue Reiter), un Munich groupe à base d' abstraites artistes, en 1911, et son art ont pris un tour à l'abstrait. D'autres pionniers importants de la peinture abstraite comprennent Peintre tchèque, František Kupka et Synchromism, un mouvement artistique fondé en 1912 par des artistes américains Stanton MacDonald-Wright et Morgan Russell qui ressemble de près Orphisme.
Fauvisme, Der Blaue Reiter, Die Brücke
Henri Matisse , Fauvisme 1905
André Derain, Fauvisme 1906
Maurice de Vlaminck,fauvisme 1906
Wassily Kandinsky, Der Blaue Reiter, 1903
Alexej von Jawlensky, Der Blaue Reiter, 1909
Franz Marc,Der Blaue Reiter, de 1913 à 1914
Ernst Kirchner,Die Brücke 1913
Otto Mueller,Die Brücke 1919
Les Fauves (français pour les bêtes sauvages ) étaient peintres du début du 20e siècle, en expérimentant avec la liberté d'expression par la couleur. Le nom a été donné, avec humour et non pas comme un compliment, au groupe par le critique d'art Louis Vauxcelles. fauvisme était un regroupement de courte durée et lâche des artistes du début du 20e siècle dont les travaux ont souligné des qualités picturales, et l'utilisation imaginative de la couleur profonde sur les valeurs de représentation. Fauves fait l'objet de la peinture facile à lire, exagéré perspectives et une prédiction prémonitoire intéressante de la Fauves a été exprimé en 1888 par Paul Gauguin à Paul Sérusier,
"Comment voyez-vous ces arbres Ils sont jaune Donc, mis en jaune;?. Cette ombre, plutôt bleue, peignez avec pur outremer;? ces feuilles rouges Mettre en vermillon. "
Les chefs du mouvement étaient Henri Matisse et André Derain - rivaux respectueux d'une sorte, chacun avec ses propres disciples. En fin de compte Matisse est devenu le yang à Picasso s ' yin dans le 20e siècle. Peintres fauvistes inclus Albert Marquet, de Charles Camoin, Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy, Othon Friesz, le peintre hollandais Kees van Dongen, et la compagne de Picasso dans le cubisme, Georges Braque, entre autres.
Fauvisme, en tant que mouvement, avait pas de théories concrètes, et a été de courte durée, en commençant en 1905 et se terminant en 1907, ils ont seulement eu trois expositions. Matisse était considéré comme le leader du mouvement, en raison de son ancienneté dans l'âge et de l'auto-création avant dans le monde de l'art académique. Son portrait de Mme 1905. Matisse La Ligne verte, (ci-dessus), a fait sensation à Paris quand il a été exposé pour la première. Il a dit qu'il voulait créer de l'art pour le plaisir; l'art comme une décoration était son but et il peut être dit que son utilisation de couleurs vives essaie de maintenir la sérénité de la composition. En 1906, à la suggestion de son marchand Ambroise Vollard, André Derain est allé à Londres et produit une série de tableaux comme Pont de Charing Cross, Londres (ci-dessus) dans le style de fauve, paraphrasant la célèbre série par l' impressionniste peintre Claude Monet .
En 1907, le fauvisme était plus un nouveau mouvement choquant, bientôt, il a été remplacé parle cubismesur l'écran critiques radar que le dernier nouveau développement dansl'art contemporain de l'époque. En 1907, Appolinaire, commentant à propos de Matisse dans un article publié dans La Phalange, a déclaré, " Nous ne sommes pas ici en présence d'un extravagant ou une entreprise d'extrémistes: l'art de Matisse est éminemment raisonnable ".
Der Blaue Reiter était un mouvement allemand durant 1911-1914, fondamental à l'expressionisme, avec Die Brücke, un groupe d'allemands expressionnistes des artistes formés dans Dresde en 1905. Les membres fondateurs de Die Brücke étaient Fritz Bleyl, Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner et Karl Schmidt-Rottluff. Plus tard, les membres inclus Max Pechstein, Otto Mueller et d'autres. Ce fut un groupe séminal, qui en temps voulu a eu un impact majeur sur l'évolution de l'art moderne au 20ème siècle et a créé le style de l'expressionnisme .
Wassily Kandinsky, Franz Marc, Août Macke, Alexej von Jawlensky, dont le tableau de la Russie danseur psychiquement expressive Portrait d' Alexander Sakharoff 1909, est dans la galerie ci-dessus, Marianne von Werefkin, Lyonel Feininger et d'autres ont fondé le groupe Der Blaue Reiter en réponse au rejet de la peinture de Kandinsky du Jugement dernier de une exposition. Der Blaue Reiter a manqué d'un manifeste artistique central, mais a été concentré sur Kandinsky et Marc. Artistes Gabriele Münter et Paul Klee ont également participé.
Le nom du mouvement vient d'une peinture par Kandinsky a créé en 1903 (voir l'illustration). Il est également affirmé que le nom pourrait avoir dérivé de l'enthousiasme de Marc pour des chevaux et de l'amour de Kandinsky du bleu de couleur. Pour Kandinsky, le bleu est la couleur de la spiritualité: la plus sombre de la bleue, plus il réveille le désir humain pour l'éternel.
Expressionnisme, symbolisme, modernisme américain, Bauhaus
Gustav Klimt,l'expressionnisme, 1907-1908
Marc Chagall,l'expressionnismeetle surréalisme, 1911
Arthur Dove, débutmodernisme américain 1911
Egon Schiele, Symbolisme etexpressionnisme1912
Amedeo Modigliani, Symbolisme etexpressionnisme1917
Marsden Hartley,modernisme américain 1914
Paul Klee, Bauhaus 1921
Stuart Davis,modernisme américain 1921
Expressionnisme et symbolisme sont grandes rubriques qui décrit plusieurs mouvements importants et connexes dans la peinture du 20e siècle qui a dominé une grande partie de l' art d'avant-garde étant faite dans l'Ouest, l'Est et l'Europe du Nord. Expressionnisme a été peint en grande partie entre la Première Guerre mondiale et de la Seconde Guerre mondiale, principalement en France, en Allemagne, la Norvège, la Russie, la Belgique et l'Autriche. Artistes expressionnistes sont liés à la fois surréalisme et le symbolisme et sont chacun unique et quelque peu excentrée personnelle. Fauvisme, Die Brücke et Der Blaue Reiter sont trois des groupes les plus connus de expressionnistes et symbolistes peintres. Artistes intéressants et variés que Marc Chagall, dont la peinture Moi et le Village , (ci-dessus) raconte une histoire autobiographique qui examine la relation entre l'artiste et ses origines, avec un lexique de artistique Symbolisme. Gustav Klimt, Egon Schiele, Edvard Munch, Emil Nolde, Chaim Soutine, James Ensor, Oskar Kokoschka, Ernst Ludwig Kirchner, Max Beckmann, Franz Marc, Käthe Schmidt Kollwitz, Georges Rouault, Amedeo Modigliani et certains des Américains à l'étranger comme Marsden Hartley, et Stuart Davis, ont été considérés comme peintres expressionnistes influents. Bien que Alberto Giacometti est principalement considéré comme un intense sculpteur surréaliste, il a fait des peintures expressionnistes intenses ainsi.
Aux Etats-Unis pendant la période entre la Première Guerre mondiale et de la Seconde Guerre mondiale peintres avaient tendance à aller en Europe pour la reconnaissance. artistes modernistes comme Marsden Hartley, Patrick Henry Bruce, Gerald Murphy et Stuart Davis, les réputations créés à l'étranger. Tandis que Patrick Henry Bruce, créés cubiste connexes peintures en Europe, à la fois Stuart Davis et Gerald Murphy font peintures qui étaient premières inspirations pour American pop art et Marsden Hartley expérimenté avec l'expressionnisme . Durant les années 1920 photographe Alfred Stieglitz expose Georgia O'Keeffe , Arthur Dove, Alfred Henry Maurer, Charles Demuth, John Marin et d'autres artistes, y compris European Masters Henri Matisse , Auguste Rodin , Henri Rousseau, Paul Cézanne, et Pablo Picasso , dans sa galerie de New York le 291 . Dans maîtres européens comme Henri Matisse et Pierre Bonnard a continué le développement de leurs styles narratifs indépendants de tout mouvement.
Dada et le Surréalisme
Francis Picabia, 1916,Dada
André Masson, 1922, début Surréalisme
Marcel Duchamp, de 1915 à 1923,Dada
Kurt Schwitters, 1919,collage peint,Dada
Max Ernst, 1920, début Surréalisme
Joan Miró, 1923-1924,résumé Surréalisme
René Magritte, 1928-1929, Surréalisme
Yves Tanguy, 1927, Surréalisme
Marcel Duchamp est venu à la proéminence internationale dans le sillage de la ville de New York Armory Show en 1913 où son Nu descendant un escalier est devenu la cause célèbre. Il a ensuite créé le Bare The Bride Stripped par ses célibataires, même, Grand Verre (voir ci-dessus). Le Grand Verre poussé l'art de la peinture à de nouvelles limites radicales faisant partie peinture, collage partie, la construction de la pièce. Duchamp (qui devait bientôt renoncer à la création artistique pour les échecs ) est étroitement associé à l' Dada mouvement qui a commencé au neutre Zürich, Suisse , au cours de la Première Guerre mondiale et a atteint un sommet de 1916 à 1920. Le mouvement arts oeuvrant principalement visuels, la littérature (poésie, des manifestes de l'art , la théorie de l'art), le théâtre et la conception graphique, et concentrées ses propriétés anti politique de guerre par un rejet des normes en vigueur dans l'art par anti-art des œuvres culturelles. Francis Picabia (voir ci-dessus), Man Ray, Kurt Schwitters, Tristan Tzara, Hans Richter, Jean Arp, Sophie Taeuber-Arp , avec Duchamp et bien d'autres sont associés avec le mouvement dadaïste. Duchamp et plusieurs dadaïstes sont également associés avec le surréalisme, le mouvement qui a dominé la peinture européenne dans les années 1920 et 1930.
En 1924, André Breton publie le Manifeste du surréalisme. Le mouvement surréaliste dans la peinture est devenu synonyme de l' avant-garde et qui présentait des artistes dont les œuvres varient de l'abstrait à la super-réaliste. Avec des œuvres sur papier comme machine tourner rapidement, (ci-dessus) de Francis Picabia a continué son implication dans le Dada mouvement à travers 1919 à Zürich et à Paris, avant de tomber loin de lui après avoir développé un intérêt pour l'art surréaliste. Yves Tanguy, René Magritte et Salvador Dalí sont particulièrement connus pour . leurs représentations réalistes de l'imagerie de rêve et de manifestations fantastiques de l'imagination de Joan Miró Le Champs labourés de 1923-1924 accotements sur l'abstraction, cette peinture au début d'un complexe d'objets et de figures, et les arrangements de caractères sexuellement actifs; a été le premier de Miro surréaliste chef-d'œuvre. Le plus abstrait Joan Miró, Jean Arp, André Masson, et Max Ernst étaient très influente, en particulier aux États-Unis durant les années 1940.
Tout au long des années 1930, le surréalisme a continué à devenir plus visible pour le grand public. Un groupe surréaliste développé en Grande-Bretagne et, selon Breton, leur 1936 Exposition internationale du surréalisme à Londres était un des hautes eaux de la période et est devenu le modèle pour les expositions internationales. Groupes surréalistes au Japon, et en particulier en Amérique latine, dans les Caraïbes et au Mexique ont produit des œuvres originales et innovantes.
Dalí et Magritte a créé certaines des images les plus reconnues du mouvement. Le 1928/1929 peinture This Is Not A Pipe, par Magritte est l'objet d'un Michel Foucault livre de 1973, ce est pas une pipe (édition anglaise, 1991), qui traite de la peinture et son paradoxe. Dalí a rejoint le groupe en 1929, et a participé dans la mise en place rapide du style visuel entre 1930 et 1935.
Surréalisme comme un mouvement visuel avait trouvé une méthode: pour exposer la vérité psychologique en dépouillant les objets ordinaires de leur signification normale, afin de créer une image convaincante qui était au-delà de l'organisation formelle ordinaire, et de la perception, évoquant parfois l'empathie du spectateur, parfois rire et parfois l'indignation et la perplexité.
1931 a été une année lorsque plusieurs peintres surréalistes produit des œuvres qui ont marqué les points de retournement dans leur évolution stylistique: dans un exemple (voir galerie ci-dessus) des formes liquides deviennent la marque de Dalí, en particulier dans son La persistance de la mémoire , qui comporte l'image des montres qui sag comme si elles sont en train de fondre. Evocations de temps et de son mystère convaincante et l'absurdité.
Les caractéristiques de ce style - une combinaison des depictive, l'abstrait et le psychologique - sont venus à tenir pour l'aliénation que beaucoup de gens se sentaient dans lapériode moderniste, combinée avec le sentiment d'atteindre plus profondément dans la psyché, à être "faite ensemble avec un de l'individualité ".
Max Ernst, dont 1,920 peinture Murdering Avion (ci-dessus), a étudié la philosophie et la psychologie à Bonn et a été intéressé par les réalités alternatives éprouvées par les fous. Ses peintures pourraient avoir été inspirées par le psychanalyste Sigmund Freud l 'étude des illusions d'un paranoïaque, Daniel Paul Schreber. Freud a identifié le fantasme de Schreber de devenir une femme comme un complexe de castration. L'image centrale de deux paires de jambes se réfère aux désirs hermaphrodites de Schreber. L'inscription de Ernst sur le dos de la peinture lit comme suit: L'image est curieux en raison de sa symétrie. Les deux sexes équilibre l'autre.
Durant les années 1920 l'œuvre d'André Masson était très influent en aidant le jeune artiste Joan Miró trouver ses racines dans la nouvelle peinture surréaliste. Miró a reconnu dans ses lettres à son marchand Pierre Matisse l'importance de Masson comme un exemple pour lui dans ses premières années à Paris.
Longtemps après que les tensions personnelles, politiques et professionnels ont fragmenté le groupe surréaliste dans les airs et de l'éther, Magritte, Miro, Dali et les autres surréalistes continuer à définir un programme visuel dans les arts. Autres artistes surréalistes importants incluent Giorgio de Chirico, Meret Oppenheim, Toyen, Grégoire Michonze, Roberto Matta, Kay Sage, Leonora Carrington, Dorothea Tanning, et Leonor Fini, entre autres.
Neue Sachlichkeit, le réalisme social, le régionalisme, la peinture de la scène américaine, Symbolisme
George Grosz, 1920,Neue Sachlichkeit
Thomas Hart Benton, 1920,régionalisme
Charles Demuthprintemps1921, AmericanPrécisionnisme (protoPop Art)
Joaquín Torres García, 1932,Amérique latine abstraite Symbolisme
Durant les années 1920 et les années 1930 et la Grande Dépression , la scène de l'art européen a été caractérisée par le surréalisme, le cubisme fin, le Bauhaus, De Stijl, Dada, Neue Sachlichkeit, et l'expressionnisme; et a été occupée par magistrales peintres modernistes de couleurs comme Henri Matisse et Pierre Bonnard.
En Allemagne Neue Sachlichkeit («Nouvelle Objectivité») a émergé comme Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz et d'autres politisé leurs peintures. Le travail de ces artistes est née de l'expressionnisme, et était une réponse aux tensions politiques de la République de Weimar , et était souvent fortement satirique.
La peinture américaine de scène et de la réalité sociale et des mouvements Régionalisme qui contenait la fois le commentaire politique et social dominé le monde de l'art aux Etats-Unis. Des artistes tels que Ben Shahn, Thomas Hart Benton, Grant Wood, George Tooker, John Steuart Curry, Reginald Marsh, et d'autres sont devenues importantes. En Amérique latine, plus de la uruguayenne peintre Joaquín Torres García et Rufino Tamayo de Mexico, le mouvement muraliste avec Diego Rivera, David Siqueiros, José Orozco, Pedro Nel Gómez et Santiago Martinez Delgado et les peintures symbolistes par Frida Kahlo a commencé une renaissance des arts pour la région, avec une utilisation de la couleur et historique, et les messages politiques. Frida Kahlo symboliste s 'travaille également trait fortement au surréalisme et à la circulation de réalisme magique dans la littérature. Le drame psychologique dans de nombreux autoportraits de Frida Kahlo (ci-dessus) soulignent la vitalité et la pertinence de ses peintures aux artistes du 21e siècle.
Diego Rivera est peut-être mieux connu par le monde public pour sa fresque 1933, " L'homme à la croisée des chemins ", dans le hall de l'édifice RCA au Centre Rockefeller. Lorsque son patron Nelson Rockefeller a découvert que la peinture murale inclus un portrait de Lénine et d'autres images communiste, il tiré Rivera, et le travail inachevé a finalement été détruit par le personnel de Rockefeller. Le film Cradle Will Rocher comprend une dramatisation de la controverse. Frida Kahlo les travaux (de la femme de Rivera) sont souvent caractérisées par leurs portraits austères de la douleur. De ses 55 143 peintures sont des autoportraits, qui intègrent souvent des représentations symboliques de ses blessures physiques et psychologiques. Kahlo a été profondément influencé par la culture indigène mexicaine, qui est apparente dans des couleurs vives de ses peintures et le symbolisme dramatique. Thèmes chrétiens et juifs sont souvent dépeints dans son travail ainsi; elle a combiné les éléments de la classique tradition religieuse mexicaine, qui étaient souvent sanglante et violente avec- rendus surréalistes. Tandis que ses peintures ne sont pas ouvertement chrétienne, elle était, après tout, un communiste-ils avoué contiennent certainement des éléments du style Christian mexicaine macabre de peintures religieuses.
L'activisme politique était un élément important de la vie de David Siqueiros, et souvent lui a inspiré de mettre de côté sa carrière artistique. Son art était profondément enraciné dans la révolution mexicaine, une période violente et chaotique dans l'histoire du Mexique dans laquelle diverses factions sociales et politiques se sont battus pour la reconnaissance et la puissance. La période des années 1920 aux années 1950 est connu comme la Renaissance mexicaine, et Siqueiros a été actif dans la tentative de créer un art qui était à la fois mexicaine et universel. Il a brièvement abandonne la peinture pour se concentrer sur l'organisation de mineurs à Jalisco. Il a dirigé un atelier d'art politique à New York en vue de la grève générale de 1936 pour la paix et la Journée mai défilé. Le jeune Jackson Pollock assisté à l'atelier et a aidé à construire des flotteurs pour la parade. Entre 1937 et 1938, il a combattu dans la guerre civile espagnole aux côtés des forces républicaines espagnoles, en opposition à coup d'État militaire de Francisco Franco. Il était exilé à deux reprises en provenance du Mexique, une fois en 1932 et encore en 1940, à la suite de sa tentative d'assassinat sur Léon Trotsky .
Pendant les années 1930, la politique de la gauche radicale caractérisé la plupart des artistes liés au surréalisme, dont Pablo Picasso . Le 26 Avril 1937, au cours de la Guerre civile espagnole, le ville basque de Gernika a été le théâtre de la « Bombardement de Gernika "par la Légion Condor de la Luftwaffe de l'Allemagne nazie. Les Allemands attaquaient à soutenir les efforts de Francisco Franco pour renverser le gouvernement basque et le gouvernement républicain espagnol. La ville a été dévastée, si l'ensemble de Biscaye et le chêne de Gernika survécu. Pablo Picasso a peint sa fresque dimensionné Guernica pour commémorer les horreurs de l'attentat.
Dans sa forme définitive, Guernica est un immense noir et blanc, de 3,5 mètres (11 pi) de hauteur et 7,8 mètres (23 pieds) de large fresque peinte à l'huile. La murale présente une scène de la mort, de la violence, de la brutalité, de la souffrance, et d'impuissance sans dépeindre leurs causes immédiates. Le choix de peindre en contrastes noirs et blancs avec l'intensité de la scène représentée et invoque l'immédiateté d'une photo de journal. Picasso peint la peinture murale de taille appelé Guernica pour protester contre le bombardement. Le tableau a été exposé à Paris en 1937, puis la Scandinavie, puis à Londres en 1938 et enfin en 1939 à la demande de Picasso la peinture a été envoyé aux États-Unis dans un prêt à long terme (pour la garde) au MoMA. La peinture a fait une tournée des musées à travers les Etats-Unis jusqu'à son retour définitif au Musée d'Art Moderne de New York, où il a été exposé pendant près de trente ans. Enfin, en accord avec Pablo Picasso souhait de donner la peinture pour les gens de l'Espagne comme un cadeau, il a été envoyé en Espagne en 1981.
Pendant la Grande Dépression des années 1930, à travers les années de l'art américain de la Seconde Guerre mondiale a été caractérisée par le réalisme social et scène américaine (comme on le voit ci-dessus) dans le travail de Grant Wood, Edward Hopper, Ben Shahn, Thomas Hart Benton, et plusieurs autres. Nighthawks (1942) est une peinture par Edward Hopper qui dépeint des gens assis dans un centre de dîner tard dans la nuit. Il est non seulement le plus célèbre tableau de Hopper, mais l'un des plus reconnaissables dans l'art américain. Il est actuellement dans la collection de la Art Institute of Chicago. La scène a été inspirée par un séjour (démoli depuis) dans Greenwich Village, le quartier de la maison de Hopper dans Manhattan. Hopper a commencé à peindre immédiatement après l'attaque de Pearl Harbour . Après cet événement, il y avait un grand sentiment de morosité dans le pays, un sentiment qui est dépeint dans la peinture. La rue urbaine est vide en dehors de la salle à manger, et à l'intérieur, aucun des trois patrons est apparemment à la recherche ou de parler aux autres, mais à la place est perdue dans ses pensées. Cette représentation de la vie urbaine moderne comme vide ou solitaire est un thème commun dans l'œuvre de Hopper.
American Gothic est une peinture de Grant Wood de 1930. Décrivant un agriculteur de fourche de maintien et une jeune femme en face d'une maison de style de Carpenter gothique, elle est l'une des images les plus connues au 20e siècle l'art américain. Les critiques d'art ont des opinions favorables sur la peinture, comme Gertrude Stein et Christopher Morley, ils ont assumé la peinture a été conçu pour être une satire de la vie rurale de petite ville. Il a donc été considéré comme faisant partie de la tendance vers des représentations de plus en plus critiques de l'Amérique rurale, le long des lignes de Sherwood Anderson 1919 Winesburg, Ohio , 1920 de Sinclair Lewis , rue Main , et de Carl Van Vechten Le tatoué comtesse dans la littérature. Cependant, avec le début de la Grande Dépression , la peinture est venue à être considérée comme une représentation de fermes esprit pionnier américain.
L'expressionnisme abstrait
Willem De Kooning, 1952-1953,Figuratifexpressionnisme abstrait
Jackson Pollock , No. 5, 1948 , Expressionnisme abstrait
Franz Kline, 1950, peinture d'action
Barnett Newman,Voix de feu,1967,Couleur Champ - Expressionnisme abstrait
Les années 1940 à New York annonçaient le triomphe de l'Amérique de l'expressionnisme abstrait, un mouvement moderniste qui combine les leçons tirées de Henri Matisse , Pablo Picasso , Surréalisme, Joan Miró, le cubisme, le fauvisme, et au début du modernisme via grands maîtres en Amérique comme Hans Hofmann et John D. Graham. Artistes américains ont bénéficié de la présence de Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst et le groupe André Breton, la galerie de Pierre Matisse, et la galerie de Peggy Guggenheim The Art of This Century , ainsi que d'autres facteurs.
Post-American World Seconde Guerre peinture appelée expressionnisme abstrait inclus des artistes comme Jackson Pollock , Willem de Kooning, Arshile Gorky, Mark Rothko , Hans Hofmann, Clyfford Still, Franz Kline, Adolph Gottlieb, Barnett Newman, Mark Tobey, James Brooks, Philip Guston, Robert Motherwell, Conrad Marca-Relli, Jack Tworkov, Esteban Vicente , William Baziotes, Richard Pousette-Dart, Ad Reinhardt, Hedda Sterne, Jimmy Ernst, Bradley Walker Tomlin et Theodoros Stamos, entre autres. Expressionnisme abstrait américain a obtenu son nom en 1946 de la critique d'art Robert Coates. Il est considéré comme combinant l'intensité émotionnelle et l'abnégation des expressionnistes allemands avec l'esthétique anti-figuratif des écoles abstraites européens tels que le futurisme, le Bauhaus et le cubisme synthétique. L'expressionnisme abstrait, la peinture d'action, et la peinture Couleur champs sont synonymes avec le École de New York.
Techniquement surréalisme était un prédécesseur important pour l'expressionnisme abstrait avec son accent sur spontanée, la création automatique ou subconsciente. Jackson Pollock dégoulinant de peinture s 'sur une toile posée sur le sol est une technique qui a ses racines dans le travail de André Masson. Une autre manifestation importante au début de ce qui allait être l'expressionnisme abstrait est l'œuvre de l'artiste américain Northwest Mark Tobey, en particulier ses toiles à "écriture blanche", qui, bien que généralement pas de grande échelle, d'anticiper la "all over" regard des drip paintings de Pollock.
En outre, L'expressionnisme abstrait a une image d'être rebelle, anarchique, très singulier et, certains se sentent plutôt nihiliste. Dans la pratique, le terme est appliqué à un certain nombre d'artistes travaillant (surtout) à New York qui avaient styles assez différents, et même à des œuvres qui ne sont pas particulièrement abstraite, ni expressionniste. Énergétiques "de Pollock peintures d'action ", avec une ambiance" occupé ", sont différents à la fois techniquement et esthétiquement, à l'violentes et grotesques femmes série de Willem de Kooning. Comme on le voit ci-dessus dans la galerie Femme V est l'un d'une série de six peintures réalisées par de Kooning entre 1950 et 1953 qui dépeignent un personnage féminin de trois-quarts. Il a commencé le premier de ces peintures, femme Je collection: Le Museum of Modern Art, New York City, en Juin 1950, changeant à plusieurs reprises et la peinture de l'image jusqu'à ce que Janvier ou Février 1952, quand le tableau a été abandonné inachevé. L'historien d'art Meyer Schapiro a vu la peinture dans l'atelier de de Kooning peu après et a encouragé l'artiste à persister. La réponse de De Kooning devait commencer trois autres peintures sur le même thème; Femme II collection: Le Museum of Modern Art, New York City, Femme III, Musée d'art contemporain de Téhéran, Femme IV, Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City, Missouri. cours de l'été 1952, passé à East Hampton, de Kooning en outre exploré le thème à travers des dessins et des pastels. Il a peut-être fini le travail sur la femme, je la fin de Juin, ou peut-être le plus tard Novembre 1952, et probablement les trois autres femmes photos ont été conclus à peu près au même moment. Les séries de femme sont décidément peintures figuratives. Un autre artiste important est Franz Kline, comme démontré par sa peinture High Street, 1950 (voir galerie) comme Jackson Pollock et d'autres expressionnistes abstraits, a été marqué d'un " peintre d'action en raison de son style en apparence spontanée et intense, se concentrant moins, ou pas du tout, sur des chiffres ou des images, mais sur les coups de pinceau réelles et l'utilisation de la toile.
Clyfford Still,Barnett Newman, (voir ci-dessus),Adolph Gottlieb, et les blocs sereinement chatoyantes de couleurs àMark Rothkotravail de l '(qui ne sont pas ce qui serait normalement appelé expressionniste et qui Rothko était refusée abstraite), sont classés comme des expressionnistes abstraits , mais de ce queClement Greenberg appelle lesens du champ Couleur de l'expressionnisme abstrait. Les deux Hans Hofmann (voir la galerie) etRobert Motherwell (galerie) peuvent être confortablement décrits comme des praticiens del'action painting etla peinture de champ Couleur.
Expressionnisme abstrait a de nombreuses similitudes stylistiques avec les artistes russes du début du 20e siècle tels que Wassily Kandinsky. Bien qu'il soit vrai que la spontanéité ou de l'impression de spontanéité caractérisent la plupart des expressionnistes abstraits œuvres, la plupart de ces peintures impliqués planification minutieuse, surtout depuis leur grande taille exigeait. Une exception pourrait être les drip paintings de Pollock.
Pourquoi ce style a gagné l'acceptation dans le courant des années 1950 est un sujet de débat. Américain réalisme social avait été le grand public dans les années 1930. Il avait été influencée non seulement par la Grande Dépression , mais aussi par les réalistes sociaux du Mexique, tels que David Alfaro Siqueiros et Diego Rivera. le climat politique après la Seconde Guerre mondiale n'a pas tolérer longtemps les protestations sociales de ces peintres. L'expressionnisme abstrait né pendant la Seconde Guerre mondiale et a commencé à être présenté au début des années 1940 dans des galeries à New York comme l'art de cette galerie siècle . La fin des années 1940 jusqu'au milieu des années 1950 a marqué le début de la Ère McCarthy. Il était après la Seconde Guerre mondiale et un temps de conservatisme politique et la censure artistique extrême aux États-Unis. Certaines personnes ont conjecturé que depuis l'objet était souvent totalement abstrait, L'expressionnisme abstrait est devenu une stratégie sûre pour les artistes à poursuivre ce style. L'art abstrait peut être considéré comme apolitique. Ou si l'art est politique, le message était en grande partie pour les initiés. Toutefois, ces théoriciens sont en minorité. Comme la première école vraiment original de la peinture en Amérique, L'expressionnisme abstrait démontré la vitalité et la créativité du pays dans les années d'après-guerre, ainsi que sa capacité (ou besoin) de développer un sens de l'esthétique qui n'a pas été contraint par les normes européennes de la beauté.
Bien expressionnisme abstrait se propager rapidement à travers les États-Unis, les grands centres de ce style étaient à New York et en Californie, en particulier dans l' école de New York, et la baie de San Francisco. Peintures expressionnistes abstraits partagent certaines caractéristiques, y compris l'utilisation de grandes toiles, une approche «all-over», dans lequel toute la toile est traitée avec une importance égale (par opposition au centre être plus d'intérêt que les bords. La toile que le Arena est devenu un credo de la peinture d'action, tandis que l' intégrité du plan de l'image est devenue un credo des peintres Couleur terrain. Beaucoup d'autres artistes ont commencé présentant leurs peintures expressionnistes abstraits liés au cours des années 1950, y compris Alfred Leslie, Sam Francis, Joan Mitchell, Helen Frankenthaler, Cy Twombly, Milton Resnick, Michael Goldberg, Norman Bluhm, Ray Parker, Nicolas Carone, Grâce Hartigan, Friedel Dzubas, et Robert Goodnough entre autres.
Durant les années 1950 la peinture Coloration Champ d'abord renvoyé à un type particulier de l'expressionnisme abstrait, en particulier le travail de Mark Rothko , Clyfford Still, Barnett Newman, Robert Motherwell et Adolph Gottlieb. Il décrit essentiellement des peintures abstraites avec de grandes étendues, aplats de couleurs qui expriment les sentiments et les propriétés de grandes zones de surface nuancée. Sensuelles et visuels critique d'art Clement Greenberg perçue peinture Color Field comme liée à, mais différente de la peinture action. L'étendue globale et gestalt du travail des premiers peintres de terrain de couleur parle d'une expérience presque religieuse, émerveillé face à un univers en expansion de la sensualité, de la couleur et de la surface. Pendant les premiers à la mi-1960 la peinture Coloration Champ était le terme utilisé pour décrire des artistes comme Jules Olitski, Kenneth Noland, et Helen Frankenthaler, dont les œuvres ont été liés à la seconde génération de l'expressionnisme abstrait, et à des artistes plus jeunes comme Larry Zox, et Frank Stella, - tout mouvement dans une nouvelle direction. Des artistes tels que Clyfford Still, Mark Rothko , Hans Hofmann, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Larry Zox, et d'autres souvent utilisées références considérablement réduit à la nature, et ils peint avec une utilisation très articulé et psychologique des couleur. En général, ces artistes éliminés images reconnaissables. Dans les montagnes et la mer, à partir de 1952, (voir ci-dessus) un ouvrage précurseur de la peinture Colorfield par Helen Frankenthaler l'artiste a utilisé la technique de coloration pour la première fois.
En Europe, il était la poursuite du surréalisme, le cubisme, le dadaïsme et les œuvres de Matisse . Toujours en Europe, tachisme (l'équivalent européen de l'expressionnisme abstrait) a pris la main sur la nouvelle génération. Serge Poliakoff, Nicolas de Staël, Georges Mathieu, Vieira da Silva, Jean Dubuffet, Yves Klein et Pierre Soulages entre autres sont considérés comme des figures importantes dans européenne d'après-guerre la peinture.
Finalement, la peinture abstraite en Amérique a évolué dans des mouvements tels que Neo-Dada, la peinture Coloration Champ, Poster abstraction picturale, Op art, la peinture hard-edge, l'art minimal, peinture sur toile en forme, Abstraction Lyrique, néo-expressionnisme et la poursuite de l'expressionnisme abstrait. En réponse à la tendance à l'imagerie de l'abstraction a émergé à travers différents nouveaux mouvements, notamment le Pop art.
Réalisme, Paysage, Figuration, Nature morte, Paysage urbain
Edward Hopper,La station de El(1908) Paysage urbain
Arshile Gorky, 1929-1936, pré-figuration expressionniste abstrait
Andrew Wyeth,monde de Christina(1948), Réalisme
Lucian Freud, 1951 - 1952,FiguratifExpressionnisme
Edward Hopper, 1953, Paysage urbain
Milton Avery, 1958,La peinture de paysage
Frank Auerbach, 1960,FiguratifExpressionnisme
Edward Hopper, Nighthawks(1942) Paysage urbain
Pendant les années 1930 et les années 1960 la peinture abstraite en Amérique et en Europe a évolué dans des mouvements tels que l'expressionnisme abstrait, la peinture Coloration Champ, Post-Abstraction picturale, Op art, la peinture hard-edge, l'art minimal, peinture sur toile en forme, et de l'abstraction lyrique. D'autres artistes ont réagi comme une réponse à la tendance vers l'abstraction permettant l'imagerie de continuer à travers divers contextes nouveaux, comme le Mouvement Figuratif Bay Area dans les années 1950 et les nouvelles formes de l'expressionnisme des années 1940 aux années 1960. En Italie, pendant ce temps, Giorgio Morandi était le premier peintre encore de la vie, explorer une grande variété d'approches de bouteilles représentant la vie quotidienne et ustensiles de cuisine. Tout au long du 20e siècle, de nombreux peintres pratiquaient Réalisme et utilisées images expressives; pratiquer le paysage et la peinture figurative avec des sujets contemporains et une technique solide, et l'expressivité unique comme Milton Avery, John Graham, Fairfield Porter, Edward Hopper, Andrew Wyeth, Balthus, Francis Bacon, Frank Auerbach, Lucian Freud, Leon Kossoff, Philip Pearlstein, Willem de Kooning, Arshile Gorky, Grâce Hartigan, Robert De Niro, Sr., Elaine de Kooning et d'autres. Avec Henri Matisse , Pablo Picasso , Pierre Bonnard, Georges Braque, et d'autres maîtres du 20e siècle.
Le portrait de Arshile Gorky de Willem de Kooning (ci-dessus) est un exemple de l'évolution de l'expressionnisme abstrait du contexte de la figure peinture, le cubisme et surréalisme. avec ses amis de Kooning et John D. Graham Gorki créé bio-morphically en forme et des compositions figuratives abstraites que dans les années 1940 a évolué en peintures totalement abstraites. Le travail de Gorki semble être une analyse minutieuse de la mémoire, de l'émotion et de la forme, en utilisant la ligne et la couleur pour exprimer des sentiments et de la nature.
Étude après de Velázquez le portrait du pape Innocent X , 1953 (voir ci-dessus) est une peinture par l'artiste irlandais né Francis Bacon et est un exemple de Postes Seconde Guerre mondiale européenne expressionnisme . Le travail montre une version déformée du Portrait d'Innocent X peint par l'artiste espagnol Diego Velázquez en 1650. Le travail est l'un d'une série de variantes de la peinture Velázquez qui Bacon exécuté tout au long des années 1950 et au début des années 1960, sur un total de quarante -cinq œuvres. Lorsqu'on lui demande pourquoi il a été contraint de réexaminer la question si souvent, Bacon a répondu qu'il n'a rien contre les papes, qu'il a simplement "voulait une excuse pour utiliser ces couleurs, et vous ne pouvez pas donner des vêtements ordinaires que la couleur pourpre sans entrer dans un sorte de fausse manière fauve ". Le Pape dans cette version bouillonne de colère et d'agressivité, et les couleurs sombres donnent l'image un aspect grotesque et cauchemardesque. Les rideaux plissés de la toile de fond sont rendus transparents, et semblent tomber à travers le visage du pape. Le travail figuratif de Francis Bacon, Frida Kahlo , Edward Hopper, Lucian Freud Andrew Wyeth et d'autres servi comme une sorte d'alternative à l'expressionnisme abstrait. Une des images les plus connues dans l'art américain du 20e siècle est la peinture de Wyeth, Monde de Christina , actuellement dans la collection du Musée d'Art Moderne de New York City . Il représente une femme gisant sur le sol dans un déboisée, essentiellement champ fauve, regardant et de ramper vers une maison grise à l'horizon; une grange et diverses autres petites dépendances sont à côté de la maison. Cette travail à la détrempe, fait dans un style réaliste, est presque toujours exposé au Museum of Modern Art à New York.
Après la Seconde Guerre mondiale le terme École de Paris appelle souvent le tachisme, l'équivalent européen de l'expressionnisme abstrait américain et ces artistes sont également liés à Cobra. Promoteurs importants étant Jean Dubuffet, Pierre Soulages, Nicolas de Staël, Hans Hartung, Serge Poliakoff, et Georges Mathieu, parmi plusieurs autres. Pendant les premières années 1950 Dubuffet (qui a toujours été un artiste figuratif), et de Staël, abandonné l'abstraction, et retournés à l'imagerie via figuration et paysage. Le travail de De Staël a été rapidement reconnue dans le monde de l'art d'après-guerre, et il est devenu l'un des artistes les plus influents des années 1950. Son retour à la représentation (paysages marins, les footballeurs, les musiciens de jazz, mouettes) pendant les années 1950 peut être considérée comme un précédent influence de l'American Mouvement Figuratif Bay Area, comme beaucoup de ces peintres abstraits comme Richard Diebenkorn, David Park, Elmer Bischoff, Wayne Thiebaud, Nathan Oliveira, Joan Brown et d'autres a fait un geste similaire; retour à l'imagerie au milieu des années 1950. Une grande partie de l'œuvre tardive de l 'de Staël - en particulier son amincie, et dilué huile sur toile des paysages abstraits de la mi-1950 prédit la peinture Couleur de terrain et l'abstraction lyrique des années 1960 et 1970. couleur audacieuse et intensément vivante de Nicolas de Staël dans son dernier peintures prédisent la direction d'une grande partie de la peinture contemporaine qui venait après lui, y compris pop art des années 1960.
Pop Art
Pop art en Amérique a été dans une large mesure d'abord inspiré par les oeuvres de Jasper Johns, Larry Rivers, et Robert Rauschenberg. Bien que les peintures de Gerald Murphy, Stuart Davis et Charles Demuth pendant les années 1920 et 1930, mis la table pour Pop art en Amérique.
À New York au milieu des années 1950, Robert Rauschenberg et Jasper Johns créé des œuvres d'art qui, à première semblaient être des suites de la peinture expressionniste abstraite. En fait, leurs œuvres et le travail de Larry Rivers, étaient départs radicaux de l'expressionnisme abstrait en particulier dans l'utilisation de l'imagerie banal et littérale et l'inclusion et la combinaison de matériaux ordinaires dans leur travail. Les innovations spécifiques d'utilisation de Johns, de différentes images et des objets comme des chaises, des chiffres, des cibles, des canettes de bière et le drapeau américain; Rivers peintures de sujets tirés de la culture populaire telles que George Washington traversant le Delaware, et ses inclusions d'images de la publicité comme le chameau de cigarettes Camel, et les constructions surprenantes de Rauschenberg utilisant inclusions d'objets et de photos prises à partir de la culture populaire, les quincailleries, les parcs à ferrailles, rues de la ville, et la taxidermie ont donné lieu à un nouveau mouvement radical dans l'art américain. Finalement, par 1963, le mouvement est venu à être connu dans le monde entier comme le Pop Art.
Le pop art est illustré par des artistes: Andy Warhol , Claes Oldenburg, Wayne Thiebaud, James Rosenquist, Jim Dine, Tom Wesselmann et Roy Lichtenstein entre autres. Lichtenstein utilisé l'huile et peinture Magna dans ses œuvres les plus connues, comme la noyade Fille (1963), qui a été prélevé sur l'histoire de plomb dans de DC Comics coeurs secret le # 83. ( Drowning fille est maintenant dans la collection du Museum of Modern Art, New York.) Également en vedette contours épais, des couleurs vives et des points Ben-Day pour représenter certaines couleurs, comme si créé par la reproduction photographique. Lichtenstein disait de son propre travail: les expressionnistes abstraits "mettre les choses sur la toile et a répondu à ce qu'ils avaient fait, les positions de couleurs et de tailles Mon style est complètement différente, mais la nature de débarquer lignes à peu près est le même. , la mienne ne viennent pas à la recherche calligraphique, comme Pollock ou de Kline "Pop art fusionne la culture populaire et de masse avec les beaux-arts, tout en injectant humour, l'ironie et l'imagerie reconnaissable et contenu dans le mélange.. En Octobre 1962, la galerie Sidney Janis monté Les Nouveaux Réalistes la première grande exposition de groupe Pop art dans une galerie d'art dans les quartiers chics de New York City. Sidney Janis monté l'exposition dans une vitrine de la 57ème rue à proximité de sa galerie à 15 E. 57th Street. Le spectacle a envoyé des ondes de choc à travers l' école de New York et a résonné dans le monde entier. Plus tôt dans la chute de 1962, une importance historique et révolutionnaire Nouvelle peinture de Common Objects exposition de Pop art, organisée par Walter Hopps au Pasadena Art Museum a envoyé des ondes de choc à travers l'Ouest des États-Unis. Boîtes de soupe Campbell (parfois appelé 32 de Campbell Soup Cans ) est le titre d'un Andy Warhol œuvre d'art (voir galerie) qui a été produit en 1962. Il se compose de trente-deux toiles, chacune mesurant 20 pouces de hauteur x 16 pouces de largeur (50,8 x 40,6 cm) et chacun consistant en une peinture d'une soupe de Campbell peut-un de chaque soupe en conserve variété la société a offert à l'époque. Les peintures individuelles ont été produites avec un semi-mécanisée processus de sérigraphie, en utilisant un non le style pictural. Ils ont aidé à ouvrir la voie à Pop art comme un important mouvement artistique qui reposait sur des thèmes de la culture populaire . Ces oeuvres de Andy Warhol sont répétitives et elles sont faites d'une façon commerciale non-picturale.
Plus tôt en Angleterre en 1956, le terme «Pop Art» a été utilisé par Lawrence Alloway pour décrire peintures qui célébraient la consommation de l'ère après la Deuxième Guerre mondiale. Ce mouvement a rejeté l'expressionnisme abstrait et sa focalisation sur l'herméneutique et de l'intérieur psychologique, en faveur de l'art qui dépeint, et souvent célébré la culture matérielle des consommateurs, la publicité, et l'iconographie de l'âge de la production de masse. Les premières oeuvres de David Hockney dont les peintures émergé de l'Angleterre dans les années 1960 comme A Bigger Splash , (voir ci-dessus) et les œuvres de Richard Hamilton, Peter Blake, et Eduardo Paolozzi, sont considérés comme des exemples séminales dans le mouvement. Alors que dans la scène du centre-ville de New York East Village, 10 rue des artistes de galeries ont été la formulation d'une version américaine du Pop art. Claes Oldenburg avait sa vitrine, et la Green Gallery sur la 57e rue a commencé à montrer Tom Wesselmann et James Rosenquist. Plus tard Leo Castelli expose autre Américain artistes, dont la majeure partie de la carrière d'Andy Warhol et Roy Lichtenstein et son utilisation de points Benday, une technique utilisée dans la reproduction commerciale et vu dans les bandes dessinées ordinaires et dans les peintures comme Drowning Girl, 1963, dans la galerie ci-dessus. Il ya un lien entre les œuvres radicales de Duchamp et Man Ray, les dadaïstes rebelles - avec un sens de l'humour; et Artistes Pop comme Alex Katz (dont parodie de la photographie de portrait et de la vie de banlieue peut être vu ci-dessus), Claes Oldenburg, Andy Warhol , Roy Lichtenstein et les autres.
Art Brut, Nouveau Réalisme, Bay Area Figurative Mouvement, Néo-Dada, photoréalisme
Jasper Johns, 1961,Neo-Dada
Robert Rauschenberg, 1963,Neo-Dada
Jean Dubuffet, 1962,Art Brut
Richard Diebenkorn, 1963,École de San Francisco
Pendant les années 1950 et 1960 que la peinture abstraite en Amérique et en Europe a évolué dans des mouvements tels que la peinture Coloration Champ, Poster abstraction picturale, Op art, la peinture hard-edge, l'art minimal, peinture sur toile en forme, l'abstraction lyrique, et la poursuite de l'expressionnisme abstrait. D'autres artistes ont réagi comme une réponse à la tendance vers l'abstraction avec l'art brut, Fluxus, Neo-Dada, Nouveau Réalisme, permettant l'imagerie pour réapparaître à travers divers nouveaux contextes comme Pop art, du figuratif Mouvement Bay Area et plus tard dans les années 1970 Néo-expressionnisme. Le aire de mouvement figuratif Bay dont David Park, Elmer Bischoff, Nathan Oliveira et Richard Diebenkorn dont la peinture Paysage urbain 1, 1963 est un exemple typique (voir ci-dessus) étaient des membres influents prospéré pendant les années 1950 et 1960 en Californie. Bien que tout au long du 20ème siècle peintres ont continué à pratiquer Réalisme et l'utilisation des images, paysage et pratiquer la peinture figurative avec des sujets contemporains et une technique solide, et l'expressivité unique comme Milton Avery, Edward Hopper, Jean Dubuffet, Francis Bacon, Frank Auerbach, Lucian Freud, Philip Pearlstein, et d'autres. Les jeunes peintres ont pratiqué l'utilisation de l'imagerie dans des façons nouvelles et radicales. Yves Klein, Arman, Martial Raysse, Christo, Niki de Saint Phalle, David Hockney , Alex Katz, Malcolm Morley, Ralph Goings, Audrey Flack, Richard Estes, Chuck Close, Susan Rothenberg, Eric Fischl, et Vija Celmins étaient quelques-uns qui est devenue importante entre les années 1960 et 1980. Fairfield Porter (voir ci-dessus) était en grande partie autodidacte, et produites travail de représentation dans le milieu de la mouvement expressionniste abstrait. Ses sujets étaient principalement des paysages, des intérieurs résidentiels et des portraits de famille, les amis et collègues artistes, beaucoup d'entre eux affilié à l' Ecole de New York des écrivains, y compris John Ashbery, Frank O'Hara, et James Schuyler. Beaucoup de ses tableaux ont été mis dans ou autour de la maison d'été de la famille sur la Grande-Spruce Head Island, Maine.
Aussi pendant les années 1960 et 1970, il y avait une réaction contre la peinture. Des critiques comme Douglas Crimp consulté le travail d'artistes comme Ad Reinhardt, et déclaré la «mort de la peinture». Les artistes ont commencé à pratiquer de nouvelles façons de faire de l'art. De nouveaux mouvements pris de l'importance dont certains sont: Postminimalisme, l'art de la Terre, l'art vidéo, art d'installation, l'arte povera, art de la performance, l'art corporel, fluxus, mail art, les situationnistes et l'art conceptuel, entre autres.
Neo-Dada est aussi un mouvement qui a commencé 1n les années 1950 et 1960 et a été liée à l'expressionnisme abstrait seulement avec des images. Doté l'émergence de produits manufacturés combinées, avec des matériaux de l'artiste, se déplaçant loin de conventions antérieures de la peinture. Cette tendance dans l'art est illustré par le travail de Jasper Johns et Robert Rauschenberg, dont la "combine" dans les années 1950 ont été des précurseurs du Pop Art et l'art de l'installation et de l'utilisation faite de l'assemblage de grands objets physiques, y compris les animaux empaillés, des oiseaux et commerciale . la photographie Robert Rauschenberg, (voir untitled combinent, 1963, ci-dessus), Jasper Johns, Larry Rivers, John Chamberlain, Claes Oldenburg, George Segal, Jim Dine, et Edward Kienholz entre autres étaient des pionniers importants de fois abstraction et Pop Art; la création de nouvelles conventions de l'art de décisions; ils ont fait acceptable dans les milieux de l'art contemporain graves l'inclusion radicale de matériaux improbables comme des parties de leurs œuvres d'art.
L'abstraction géométrique, Op Art, Hard-Edge, champ Couleur, Minimal Art, Nouveau Réalisme
Yves Klein, 1962,Nouveau Réalisme
Josef Albers, 1965,abstraction géométrique
Barnett Newman, 1966,Couleur Champ - Minimalisme
Richard Anuszkiewicz, 1978, Op art
Josef Albers, Hans Hofmann, Ilya Bolotowsky, Burgoyne Diller, Victor Vasarely, Bridget Riley, Richard Anuszkiewicz, Frank Stella, Morris Louis, Kenneth Noland, Ellsworth Kelly, John McLaughlin, Barnett Newman, Larry Poons, Ronald Davis, John Hoyland, Larry Zox, Al Held, Mino Argento sont artistes étroitement associé à géométrique abstraction, Op art, la peinture Couleur Field et dans le cas de Hofmann et Newman expressionnisme abstrait ainsi. Agnes Martin, Robert Mangold (voir ci-dessus), Brice Marden, Jo Baer, Robert Ryman, Richard Tuttle, Neil Williams, David Novros, Paul Mogenson, sont des exemples d'artistes associés à Minimalisme et (exceptions de Martin, Baer et Marden) l'utilisation de la toile en forme également au cours de la période commençant au début des années 1960. Beaucoup artistes abstraits géométriques, minimalistes et peintres hard-edge élus à utiliser les bords de l'image pour définir la forme de la toile plutôt que d'accepter le format rectangulaire. En fait, l'utilisation de la toile en forme est principalement associée avec des peintures des années 1960 et 1970 qui sont froidement abstraite, formelle, géométrique, objectif, rationaliste, épuré, brashly tranchant, ou minimaliste caractère. Le Bykert Gallery, et le Park Place Gallery étaient vitrines importantes pour le minimalisme et la peinture de toile en forme à New York dans les années 1960.
En 1965, une exposition intitulée Le Responsive Eye , organisée par William C. Seitz, a eu lieu au Museum of Modern Art, à New York. Les œuvres présentées ont été très variés, englobant la [Minimalisme de Frank Stella, l'Op art de Larry Poons, le travail d' Alexander Liberman, aux côtés des maîtres du mouvement Op Art: Victor Vasarely, Richard Anuszkiewicz, Bridget Riley et autres. L'exposition concentrée sur les aspects perceptifs de l'art, qui résultent à la fois de l'illusion du mouvement et l'interaction des relations entre les couleurs. Op art, aussi connu comme l'art optique, est utilisé pour décrire certaines peintures et autres œuvres d'art qui utilisent illusions optiques. Op art est aussi étroitement apparenté à abstraction géométrique et la peinture hard-edge. Bien que parfois le terme utilisé pour cela est l'abstraction perceptuelle. Op art est une méthode de peinture sur l'interaction entre l'illusion et de l'image plane, entre la compréhension et de voir. Op œuvres sont abstraites, avec la plupart des morceaux les plus connus faites uniquement en noir et blanc. Lorsque le spectateur regarde, on donne l'impression de mouvement, des images cachées, clignotant et les vibrations, les modèles, ou alternativement, de gonflement ou de déformation.
Shaped canvas, Washington école en couleur, Abstrait illusionnisme, l'abstraction lyrique
Peinture Coloration Champ clairement pointé vers une nouvelle direction dans la peinture américaine, loin de l'expressionnisme abstrait. Peinture Couleur champ est lié à l'abstraction post-picturale, suprématisme, l'expressionnisme abstrait, la peinture de Dur-bord et de l'abstraction lyrique.
Peinture Coloration Champ cherché à débarrasser l'art de la rhétorique superflue. Des artistes tels que Clyfford Still, Mark Rothko , Hans Hofmann, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Larry Zox, et d'autres souvent utilisé des références à la nature fortement réduits, et ils ont peint avec une utilisation très articulé et psychologique des couleur. En général, ces artistes éliminés images reconnaissables. Certains artistes ont fait des références à l'art du passé ou du présent, mais en général, la peinture de domaine de la couleur présente l'abstraction comme une fin en soi. Dans la poursuite de ce sens de l'art moderne, les artistes voulaient présenter chaque peinture comme un unifiée, cohérente, l'image monolithique. Gene Davis avec Kenneth Noland, Morris Louis et plusieurs autres était un membre des peintres Washington scolaires Couleur qui a commencé à créer des peintures Couleur terrain à Washington DC pendant les années 1950 et 1960, Noir, Gris, Beat (voir ci-dessus) est un grand tableau de bande verticale et typique de l'œuvre de Gene Davis.
Frank Stella, Kenneth Noland, Ellsworth Kelly, Barnett Newman, Ronald Davis, Neil Williams, Robert Mangold, Charles Hinman, Richard Tuttle, David Novros, et Al Aimer sont des exemples d'artistes associés à l'utilisation de la toile en forme au cours de la période commençant au début des années 1960. Beaucoup abstrait géométrique artistes, minimalistes et peintres hard-edge élus d'utiliser les bords de l'image pour définir la forme de la peinture plutôt que d'accepter le format rectangulaire. En fait, l'utilisation de la toile en forme est principalement associée avec des peintures des années 1960 et 1970 qui sont froidement abstraite, formelle, géométrique, objectif, rationaliste, épuré, brashly tranchant, ou minimaliste caractère.
De 1960 Frank Stella produit des peintures en aluminium et de cuivre et peinture sont ses premières oeuvres en utilisant des toiles de forme (toiles dans une forme autre que le rectangle traditionnel ou carré), étant souvent en L, N, T-formes U ou. Ceux-ci ont développé plus tard dans des conceptions plus élaborées, dans le polygone irrégulier série (67), par exemple. Aussi dans les années 1960, Stella a commencé à utiliser une plus large gamme de couleurs, généralement disposés en lignes droites ou courbes. Plus tard, il a commencé sa série rapporteur (71) de peintures, dans lequel arcs , qui se chevauchent parfois, l'intérieur des frontières carrés sont disposés côte-à-côte pour produire cercles complets et demi peintes dans des anneaux de couleur concentriques. Harran II, 1967, est un exemple de la série rapporteur (voir ci-dessus). Ces peintures sont nommés d'après des villes circulaires qu'il avait visités alors que dans le Moyen-Orient plus tôt dans les années 1960. Les toiles irrégulière Polygon et séries rapporteur étendus davantage le concept de l' shaped canvas.
La Galerie André Emmerich, la Galerie Léo Castelli, Richard Feigen Gallery, et le Park Place Gallery étaient vitrines importantes pour la peinture Coloration Champ, peinture sur toile en forme et de l'abstraction lyrique à New York dans les années 1960. Il ya un lien avec l'abstraction post-picturale, qui a réagi contre le mysticisme de expressionisms abstraites, hyper-subjectivité, et l'accent mis sur faire l'acte de peindre lui-même visible de manière dramatique - ainsi que l'acceptation solennelle du rectangle plat comme une condition quasi rituelle pour peinture grave. Pendant les années 1960 la peinture et la couleur Champ Minimal art ont souvent été étroitement associé à l'autre. En réalité par les début des années 1970 les deux mouvements sont devenus décidément diversifiée.
Un autre mouvement connexe de la fin des années 1960 l'abstraction lyrique est un terme qui a été initialement inventé par Larry Aldrich (le fondateur du Musée d'art contemporain Aldrich, Ridgefield Connecticut) en 1969 pour décrire ce Aldrich dit qu'il a vu dans les studios de nombreux artistes à cette époque . Il est aussi le nom d'une exposition qui a pris naissance dans l'Aldrich Museum et a voyagé à la Whitney Museum of American Art et d'autres musées aux États-Unis entre 1969 et 1971.
Abstraction Lyrique dans la fin des années 1960 est caractérisée par les peintures de Dan Christensen, Ronnie Landfield, Peter Young et d'autres, et avec le mouvement Fluxus et Postminimalisme (un terme inventé par Robert abord Pincus-Witten dans les pages de Artforum en 1969) a cherché à étendre les limites de résumé la peinture et le minimalisme en se concentrant sur processus, de nouveaux matériaux et de nouveaux moyens d'expression. Postminimalisme incorporant souvent des matériaux industriels, les matières premières, des fabrications, des objets trouvés, l'installation, la répétition de série, et souvent avec des références à Dada et le surréalisme est le meilleur exemple dans les sculptures de Eva Hesse. Abstraction Lyrique, L'art conceptuel, Postminimalisme, Earth Art, la vidéo, l'art de la performance, l'art d'installation, avec la poursuite de Fluxus, l'expressionnisme abstrait, Couleur Field Painting, Peinture de Dur-bord, Minimal Art, Op art, pop art, photoréalisme et Nouveau Réalisme a étendu les frontières de l'art contemporain dans le milieu des années 1960 à travers les années 1970. Abstraction lyrique est un type de peinture abstraite roue libre qui a émergé au milieu des années 1960, lorsque peintres abstraits retournés à diverses formes de pictural, picturale, l'expressionnisme avec un accent prédominant sur le processus, la gestalt et les stratégies de composition répétitifs en général.
Abstraction Lyrique partage des similitudes avec la peinture Color Field et l'expressionnisme abstrait en particulier dans l'utilisation roue libre de peinture - texture et de surface. Dessin direct, l'utilisation du trait calligraphique, les effets de la brossé, éclaboussé, souillé, une raclette, versé, et la peinture éclaboussé ressemblent superficiellement les effets observés chez l'expressionnisme abstrait et Coloration Champ peinture. Cependant, les styles sont très différents. Se démarquant de l'expressionnisme abstrait et de l'Action Painting des années 1940 et 1950 est l'approche à la composition et le drame. Comme on le voit dans l'Action Painting l'accent est mis sur les coups de pinceau, un grand drame de la composition, de la tension de composition dynamique. Alors que dans l'abstraction lyrique comme en témoigne en 1971 la peinture Ronnie Landfield Garden of Delight, (ci-dessus), il ya un sens de la composition aléatoire, partout dans la composition, discret et le drame de composition détendue et l'accent mis sur le processus, la répétition, et une toute sensibilité .
Résumé illusionnisme, Monochrome, Minimalisme, Postminimalisme
Un des premiers artistes spécifiquement associés à Minimalisme était le peintre, Frank Stella, dont les peintures "à bande" au début ont été mis en évidence dans le spectacle 1959, "16 Américains", organisée par Dorothy Miller au Musée d'Art Moderne de New York. La largeur des bandes dans les peintures de bande de Frank Stellas ont été déterminés par les dimensions du bois, visibles que la profondeur de la peinture lorsqu'il est vu de côté, utilisé pour construire le châssis de soutien sur lequel la toile a été tendue. Les décisions concernant les structures sur la surface avant de la toile ne sont donc pas tout à fait subjective, mais pré-conditionnées par une fonction «donné» de la construction physique du support. Dans le catalogue de l'exposition, Carl Andre a noté, "Art exclut l'inutile. Frank Stella a jugé nécessaire de peindre les rayures. Il n'y a rien d'autre dans sa peinture." Ces œuvres réductrices étaient en contraste frappant avec les peintures apparemment très subjectives et chargées d'émotion et rempli d'énergie de Willem De Kooning ou Franz Kline et, en termes de précédent au sein de la génération précédente de expressionnistes abstraits, se pencha davantage vers moins gestuelle, souvent sombre coloriste peintures de terrain de Barnett Newman et Mark Rothko .
Bien que Stella a reçu une attention immédiate de l'émission MOMA, des artistes commeLarry Poons dont les travaux liés à l'Op Art avec son accent sur des points, des ovales et après-images rebondissant à travers les champs de couleurs,Kenneth Noland, Ralph Humphrey,Robert Motherwell etRobert Ryman avait commencé à explorer les rayures,monochromatiques etformats hard-edge de la fin des années 1950 jusqu'aux années 1960.
En raison d'une tendance à exclure le minimalisme pictural, illusionniste et fictive en faveur du littéral, (tel que démontré par Robert Mangold, qui a compris le concept de la forme de la toile et de sa relation avec Objecthood ) - il y avait un mouvement loin de picturale et vers les préoccupations sculpturales. Donald Judd avait commencé comme un peintre, et a fini comme un créateur d'objets. Son essai séminal, "objets spécifiques» (publié dans Arts Annuaire 8, 1965), était une pierre de touche de la théorie de la formation de l'esthétique minimaliste. Dans cet essai, Judd a trouvé un point de départ pour un nouveau territoire pour l'art américain, et un rejet simultané des valeurs artistiques européennes héritées résiduelles. Il a fait la preuve de ce développement dans les œuvres d'un éventail d'artistes actifs à New York à l'époque, y compris Jasper Johns, Dan Flavin et Lee Bontecou. D'une importance «préliminaire» pour Judd était l'œuvre de George Earl Ortman , qui avait concrétisé et distillé les formes de peinture dans contondants, dur, géométries philosophiquement chargées. Ces objets spécifiques habité un espace pas alors confortablement classées soit comme la peinture ou la sculpture. Que l'identité catégorique de ces objets lui-même était en cause, et qu'ils évitée association facile avec les conventions éculées et plus familiers, était une partie de leur valeur pour Judd.
Dans un sens beaucoup plus large et générale, on pourrait, en effet, trouver des racines européennes du minimalisme dans les abstractions géométriques peintres du Bauhaus, dans les œuvres de Piet Mondrian et d'autres artistes associés au mouvement DeStijl, dans constructivistes russes et dans le travail du sculpteur roumain Constantin Brancusi. Peintres américains Larry Poons, Ronald Davis, Robert Mangold, Brice Marden et même un plus orientée expressionniste-peintre comme Cy Twombly montrent une influence européenne claire dans leur pur abstraction, la peinture minimaliste des années 1960. Ronald Davis polyuréthane fonctionne à partir de la fin des années 1960 rendent hommage à la Broken Glass de Marcel Duchamp .
Ce mouvement a été fortement critiqué par les critiques modernistes formalistes d'art et historiens élevés. Certains critiques anxieuses pensaient art minimaliste représenté une mauvaise compréhension de la dialectique moderne de la peinture et de la sculpture telle que définie par le critique Clement Greenberg, sans doute le critique américain dominante de la peinture dans la période précédant les années 1960. La critique la plus notable du minimalisme a été produit par Michael Fried, un critique greenbergien, qui est opposé à l'œuvre sur la base de son "théâtralité". En Art et Objecthood (publié dans Artforum en Juin 1967), il a déclaré que le travail minimaliste de l'art, la sculpture particulièrement minimaliste, est basée sur un engagement avec la physicalité du spectateur. Il a fait valoir que le travail comme Robert Morris transformé l'acte de voir en un type de spectacle, dans lequel l'artifice de l'acte d'observation et la participation du spectateur dans le travail ont été dévoilés. Fried a vu ce déplacement de l'expérience du spectateur d'un engagement esthétique au sein, à un événement à l'extérieur de l'œuvre d'art comme un échec de l'art minimal. Essai opiniâtre de Fried a été immédiatement contestée par l'artiste Robert Smithson dans une lettre à l'éditeur dans le numéro d'Octobre de Artforum. Smithson a déclaré ce qui suit: "Qu'est-ce Fried craint le plus est la conscience de ce qu'il fait, à savoir être lui-même théâtral. "
Autres artistes minimalistes comprennent:Richard Allen, Walter Darby Bannard, John Hoyland,Larry Bell, Ronald Bladen,Mel Bochner,Norman Carlberg,Erwin Hauer,Dan Flavin,Sol LeWitt,Brice Marden,Agnes Martin,Jo Baer,John McCracken, Paul Mogensen, David Novros,Ad Reinhardt,Fred Sandback,Richard Serra,Tony Smith,Robert Smithson, etAnne Truitt.
Ad Reinhardt, en fait un artiste de lagénération de l'expressionnisme abstrait, mais dontles peintures tout-noir réductrice semblait anticiper minimalisme, avait ceci à dire au sujet de la valeur d'une approche réductrice de l'art: «Le plus de choses en elle, le plus occupé du travail de l'art, le pire il est. Plus est moins. Moins est plus. L'œil est une menace pour effacer la vue. La mise à nu de soi-même est obscène. Art commence par se débarrasser de la nature. "
Pendant les années 1960 et 1970, des artistes aussi puissantes et influentes comme Robert Motherwell, Adolph Gottlieb,Phillip Guston,Lee Krasner, Cy Twombly, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Richard Diebenkorn, Josef Albers, Elmer Bischoff,Agnes Martin,Al Held, Sam Francis, Ellsworth Kelly,Morris Louis, Helen Frankenthaler, Gene Davis,Frank Stella, Kenneth Noland, Joan Mitchell,Friedel Dzubas, et des artistes plus jeunes commeBrice Marden,Robert Mangold,Sam Gilliam,Sean Scully,Pat Steir,Elizabeth Murray,Larry Poons, Walter Darby Bannard, Larry Zox, Ronnie Landfield, Ronald Davis,Dan Christensen, Joan Snyder,Richard Tuttle,Ross Bleckner,Archie Rand,Susan Crile, et des dizaines d'autres produits vitaux peintures et les plus influents.
Encore d'autres innovations importantes dans la peinture abstraite ont eu lieu pendant les années 1960 et les années 1970, caractérisées par la peinture monochrome et peinture de Dur-bord inspiré par Ad Reinhardt, Barnett Newman, Milton Resnick, et Ellsworth Kelly. Artistes aussi diversifiés que Al Held, Larry Zox, Frank Stella, Larry Poons, Brice Marden et d'autres explorent la puissance de simplification. La convergence de la peinture Coloration Champ, l'art minimal, Peinture de Dur-bord, l'abstraction lyrique, et Postminimalisme blurredthe distinction entre les mouvements qui est devenue plus apparente dans les années 1980 et 1990. Le mouvement néo-expressionnisme est liée à des développements antérieurs à l'expressionnisme abstrait, Neo-Dada, l'abstraction lyrique et la peinture postminimaliste.
Néo-expressionnisme
À la fin des années 1960, le peintre expressionniste abstrait Philip Guston a aidé à diriger une transition de l'expressionnisme abstrait au néo-expressionnisme dans la peinture, l'abandon de la soi-disant «pure abstraction" de l'expressionnisme abstrait en faveur des rendus plus caricaturales de divers symboles et objets personnels. Ces œuvres ont été source d'inspiration pour une nouvelle génération de peintres intéressés par une reprise de l'imagerie expressive. Sa peinture peinture, de fumer, manger de 1973, vu ci-dessus dans la galerie est un exemple de la déclaration finale et concluante de Guston à la représentation.
À la fin des années 1970 et au début des années 1980, il y avait aussi un retour à la peinture qui a eu lieu presque simultanément en Italie, Allemagne, France et Grande-Bretagne . Ces mouvements ont été appelés Transavantguardia, Neue Wilde, la Figuration Libre, néo-expressionnisme, l'école de Londres, et à la fin des années 80 les Stuckists respectivement. Ce tableau a été caractérisée par de grands formats, sans expressive marque de décision, la figuration, le mythe et l'imagination. Tous les travaux dans ce genre venait à être étiquetés néo-expressionnisme. La réaction critique a été divisée. Certains critiques ont considéré comme entraînée par des motivations de profit par de grandes galeries commerciales. Ce type d'art continue en popularité dans le 21ème siècle, même après le crash de l'art de la fin des années 1980. Anselm Kiefer est une figure de proue européenne néo-expressionnisme dans les années 1980, (voir au peintre Inconnu 1983, dans la galerie ci-dessus) Les thèmes de Kiefer élargies d'une focalisation sur l'Allemagne le rôle dans la civilisation pour le sort de l'art et la culture en général. Son travail est devenu plus sculpturale et implique non seulement l'identité nationale et de la mémoire collective, mais aussi occulte symbolisme, la théologie et la mystique . Le thème de tout le travail est le traumatisme subi par des sociétés entières, et la renaissance continue et le renouvellement dans la vie.
À la fin des années 1970 dans les peintres américains qui ont commencé à travailler avec des surfaces revigorés et qui est retourné à l'imagerie comme Susan Rothenberg a gagné en popularité, surtout comme on le voit ci-dessus dans les peintures comme Cheval 2, 1979. Pendant les années 1980, des artistes américains comme Eric Fischl, (voir Bad Boy, 1981, ci-dessus), David Salle, Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, et Keith Haring, et les peintres italiens comme Mimmo Paladino, Sandro Chia, et Enzo Cucchi, entre autres défini l'idée de Neo -expressionism en Amérique.
Néo-expressionnisme était un style de peinture moderne qui est devenu populaire dans les années 1970 et a dominé le marché de l'art jusqu'au milieu des années 1980. Il est développé en Europe comme une réaction contre le conceptuel et l'art minimaliste des années 1960 et 1970. Les néo-expressionnistes retournés à dépeindre des objets reconnaissables, comme le corps humain (bien que parfois de manière presque abstraite), d'une manière grossière et violemment émotionnelle en utilisant des couleurs vives et des harmonies de couleurs banales. Les peintres de vétéran Philip Guston, Frank Auerbach, Leon Kossoff, Gerhard Richter, AR Penck et Georg Baselitz, avec des artistes un peu plus jeunes comme Anselm Kiefer, Eric Fischl, Susan Rothenberg, Francesco Clemente, Damien Hirst , Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, Keith Haring, et beaucoup d'autres ont été connues pour travailler dans ce expressionniste intense veine de peinture .
Peinture détient toujours une position respectée dans art contemporain. l'art est un champ ouvert plus divisée par l'objectif dichotomie entre non-objectif. Les artistes peuvent atteindre le succès critique si leurs images sont figuratif ou abstrait. Quelle a été la monnaie est contenu, en explorant les limites du milieu, et un refus de récapituler les œuvres du passé comme un objectif final.
Peinture contemporaine dans le 21ème siècle
Tout au long du 20e siècle et au 21e siècle, avec l'avènement de Moderne et formes d'art postmodernes, les distinctions entre ce qui est généralement considérés comme lesbeaux-artset lesfaibles arts ont commencé à se fanent, comme l'art de haute contemporaine continue de contester ces concepts en les mélangeant avecpopulaire culture.
Au début de la peinture contemporaine du 21e siècle et de l'art contemporain en général continue dans plusieurs modes contigus, caractérisé par l'idée d' le pluralisme. La «crise» dans la peinture et l'art actuel et le courant critique d'art aujourd'hui est provoquée par le pluralisme. Il n'y a pas consensus, ni besoin il ya, à un style représentant de l'âge. Il ya un tout est l'attitude qui prévaut; un «tout se passe", et par conséquent "rien à faire" syndrome; cela crée une embouteillage esthétique sans direction ferme et claire et avec chaque voie sur le plan artistique autoroutes rempli à pleine capacité. En conséquence de magnifiques œuvres d'art importantes et continuent d'être faits mais dans une grande variété de styles et de tempéraments esthétiques, le marché étant laissé à juger du mérite.
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