Histoire de la peinture
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L'histoire de la peinture remonte dans le temps à des artefacts provenant d'humains préhistoriques, et se étend sur toutes les cultures, qui représente un processus continu, si perturbé, la tradition de l'Antiquité. Dans toutes les cultures et les continents et couvrant des millénaires, l'histoire de la peinture est un fleuve continu de la créativité, qui continue dans le 21ème siècle. Jusqu'au début du 20e siècle, il se est appuyé principalement sur représentation, religieuse et motifs classiques, après quoi plus purement abstraite et approches conceptuelles gagné faveur.
Développements dans oriental peignant historiquement le parallèle ceux dans la peinture occidentale , en général, quelques siècles plus tôt. L'art africain, L'art islamique, Art indien, L'art chinois, et Art japonais chaque influence significative eue sur l'art occidental, et, éventuellement, vice-versa.
Articles recommandés: La peinture occidentale du 20e siècle, la peinture occidentale , peinture , Aperçu de l'histoire de la peinture.
Préhistoire
Les plus anciennes peintures connues sont au Grotte Chauvet en France, réclamée par quelques historiens pour être âgé d'environ 32000 années. Elles sont gravées et peintes utilisant ocre rouge et noir pigment et montrent chevaux, rhinocéros, lions, buffle, le mammouth ou les humains chassant souvent. Il existe des exemples de peintures rupestres partout dans le France, l'Inde, l'Espagne, le Portugal, la Chine, l'Australie etc. Diverses conjectures ont été faites quant à la signification de ces peintures devaient les gens qui les ont faites dans le monde. Les hommes préhistoriques ont peint les animaux peuvent "attraper" le leur âme ou esprit afin de les chasser plus facilement ou les peintures peut représenter une vision animiste et hommage à environnante nature , ou ils peuvent être le résultat d'un besoin fondamental de l'expression qui est innée pour les êtres humains, ou qu'ils auraient pu pour la transmission des informations pratiques.
Abris rupestres de Bhimbetka, peinture rupestre, l'âge de pierre , l'Inde
Lascaux, Cheval
Eland, peinture rupestre, Drakensberg , en Afrique du Sud
Lascaux, taureaux et des chevaux
Peinture rupestre espagnole de Bulls
Pétroglyphes, de la Suède, Nordic âge du bronze (peint)
Les pictogrammes de la Grande Galerie, Canyonlands National Park, Horseshoe Canyon, Utah, c. 1500 BCE
Cueva de las Manos (espagnol pour grotte aux mains) dans la province de Santa Cruz en Argentine, c.550 BC
En Paléolithique, la représentation de l'homme dans les peintures rupestres était rare. Surtout, les animaux ont été peints, non seulement les animaux qui ont été utilisés comme animaux d'élevage mais aussi qui représentaient la force comme le rhinocéros ou grande Félidés, comme dans le Grotte Chauvet. Signes comme points ont parfois été tirées. Représentations humaines rares comprennent empreintes de mains et mi-humain / figures animales. La grotte Chauvet dans le Ardèche Départements de France contient les plus importantes peintures rupestres préservé de l'ère paléolithique, peintes autour de 31 000 en Colombie-Britannique. Le Altamira peintures rupestres en Espagne ont été réalisées à 14 000 12 000 Colombie-Britannique et spectacle, entre autres, bisons . La salle des taureaux dans Lascaux, Dordogne, France, est l'un des tableaux les plus connus de la grotte d'environ 15 000 à 10 000 BC.
Se il ya un sens à la peinture, il reste inconnu. Les grottes ne étaient pas dans une zone habitée, de sorte qu'ils peuvent avoir été utilisés pour des rituels saisonniers. Les animaux sont accompagnés par des signes qui suggèrent une utilisation possible la magie. Arrow-symboles comme dans Lascaux sont parfois interprété comme calendrier ou l'utilisation de l'almanach. Mais les preuves demeurent non concluantes. Le travail le plus important de la Mésolithique étaient les guerriers marchant, une peinture rupestre au Cingle de la Mola, Castellón, Espagne daté à environ 7000 à 4000 av. La technique utilisée était probablement crachant ou en soufflant les pigments sur le rocher. Les peintures sont très naturaliste, mais stylisée. Les chiffres ne sont pas en trois dimensions, même si elles se chevauchent
Les peintures connues plus tôt indiennes (voir section ci-dessous) ont été les peintures rupestres de la préhistoire, le pétroglyphes que l'on trouve dans des endroits comme la Abris rupestres de Bhimbetka, (voir ci-dessus) et certains d'entre eux sont âgés de plus de 5500 BC. Ces travaux ont continué et après plusieurs millénaires, au 7ème siècle, piliers de sculptés Ajanta, État actuel Maharashtra une amende exemple de peintures indiennes, et les couleurs, principalement diverses nuances de rouge et orange, ont été dérivées de minéraux.
La peinture orientale
L'histoire de la peinture orientale comprend un vaste éventail d'influences de différentes cultures et religions. Développements dans La peinture orientale historiquement le parallèle ceux dans la peinture occidentale , en général quelques siècles plus tôt. L'art africain, L'art islamique, Art indien, Art coréen, L'art chinois, et Art japonais chaque influence significative eue sur l'art occidental, et, vice-versa.
Peinture chinoise est l'une des plus anciennes traditions artistiques continues dans le monde. Les premières peintures ne étaient pas représentatives, mais d'ornement; ils se composait de motifs ou de dessins plutôt que des images. Au début de poterie a été peinte avec des spirales, des zigzags, des points, ou des animaux. Ce est seulement au cours de la Période des Royaumes combattants (403-221 avant JC) que les artistes ont commencé à représenter le monde autour d'eux. Peinture japonaise est l'une des plus anciennes et les plus raffinées de la Arts japonais, englobant une grande variété de genres et styles. L'histoire de la peinture japonaise est une longue histoire de la synthèse et la concurrence entre natif L'esthétique japonaise et l'adaptation des idées importées. L'histoire de Peinture coréenne est daté à environ 108 CE, quand il apparaît d'abord comme une forme indépendante. Entre ce moment et les peintures et fresques qui apparaissent sur le Goryeo tombes de la dynastie, il ya eu peu de recherches. Autant dire que jusqu'à ce que le Dynastie Joseon l'influence primaire était chinoise peinture bien fait avec des paysages coréens, les traits du visage, les sujets bouddhistes, et l'accent mis sur l'observation céleste en harmonie avec le développement rapide de l'astronomie coréenne.
La peinture asiatique
Peintures sur tuile esprits gardiens enfilé dans Robes chinoises, de la Dynastie des Han (202 BC - 220 AD)
Luoshenfu, par Gu Kaizhi (344-406 AD), chinois
Empereur Sun Quan dans les treize empereurs de défilement et du Nord Qi Scholars Collationnement Textes classiques, par Yan Liben (c. 600-673 AD), chinois
Quatre-vingt-sept Célestes, par Wu Daozi (685-758), chinois
Portrait de Nuit-blanc brillant, par Han Gan, 8e siècle, chinois
Printemps Outing de la Cour Tang, par Zhang Xuan, 8e siècle, chinois
Paradise du Bouddha Amitabha, 8e siècle, chinois
Mesdames fabrication de la soie, un remake d'un 8ème siècle d'origine par Zhang Xuan par Song Huizong, début du 12ème siècle, le chinois
Un sutra illustré de la Période Nara, 8e siècle, japonais
Mesdames Jouer Double Sixes, par Zhou Fang (730-800 AD), chinois
Jardin concert, 10e siècle, chinois
Le Xiao et Xiang-Rivières, par Dong Yuan (c. 934-962 AD), chinois
Portrait Cour de Song Shenzong (r. 1067-1085), chinois
Golden Pheasant et Cotton Rose, par Song Huizong (AD r.1100-1126), chinois
Écoute de la Guqin, par Song Huizong (1100-1126 AD), chinois
Enfants jouant, par Su Han Chen, c. 1150, chinois
Chinois, artiste anonyme du 12ème siècle la dynastie des Song
Portrait de la Bouddhiste zen Wuzhun Shifan, 1238 AD, chinois
Ma Lin, 1246 AD, chinois
Un homme et son cheval dans le vent, par Zhao Mengfu (1254-1322 AD), chinois
Shukei-sansui (Paysage d'automne), Sesshū, (1420-1506), japonais
Kanō Masanobu, fondateur 15e siècle de la L'école Kano, Zhou Maoshu Apprécier Lotus, japonais
Une robe blanche Kannon, Bodhisattva de la Compassion, par Kanō Motonobu (1476-1559), japonais
Yi Ahm (1499-?), Mère Chien, 15ème siècle, Musée national de Corée
Tang Yin, A Fisher à l'automne, (1523), chinois
Nanban navires arrivant pour le commerce au Japon, 16ème siècle, japonais
Une peinture d'écran illustrant personnes jouant Go , par Kanō Eitoku (1543-1590), japonais
Pins, six écran face, par Hasegawa Tohaku (1539-1610), japonais
Nuit Revels, une dynastie Song remake d'un 10ème siècle d'origine par Gu Hongzhong.
Parchemin de la calligraphie Bodhidharma, "les points Zen directement au cœur de l'homme, voir dans votre nature et devenir Bouddha», Hakuin Ekaku (1686-1769), japonais
Hanging scroll 1672, Kanō Tanyu, (1602-1674), japonais
Pivoines, par Yun Shouping (1633-1690), chinois
Genji Monogatari, par Tosa Mitsuoki (1617-1691), japonais
Vue de Geumgang, Jeong Seon (1676-1759), 1734, coréen
Ike no Taiga, (1723-1776), Poisson au printemps, japonais
L'école Maruyama, pin, bambou, Plum, six fois l'écran, Maruyama Ōkyo (1733-1795), japonais
Un chat et un Butterly, Kim Hong-do (1745-?), 18ème siècle, coréen
A Boat Ride, Hyewon (1758-?), 1805, coréen
L'école Rimpa, "Automne Fleurs et de la Lune", Sakai Hoitsu, (1761-1828), japonais
Un tanuki (chien viverrin) comme une bouilloire de thé, par Katsushika Hokusai (1760-1849), japonais
Une maison parmi les Abricotiers, Jo Hee-Ryong (1797-1859), coréen
Katsushika Hokusai , Le Dragon de fumée qui se échappe du Mont Fuji, Japon
Miyagawa Isshō, untitled Peinture ukiyo-e, japonais
Tomioka Tessai, (1837-1924), Le style Nihonga, deux divinités Danse, 1924, japonaise
Chine, le Japon et la Corée ont une forte tradition dans la peinture qui est aussi très attaché à l'art de la calligraphie et de la gravure (si bien qu'il est généralement considérée comme la peinture). Loin peinture traditionnelle à l'est se caractérise par des techniques à base d'eau, moins de réalisme, «élégante» et les sujets stylisés, l'approche graphique pour la représentation, l'importance de espace blanc (ou espace négatif) et une préférence pour le paysage (au lieu de la figure humaine) comme un sujet. Au-delà de l'encre et couleur sur soie ou sur papier défile, sur de l'or laque était aussi un support commun en oeuvre peinte Asie de l'Est. Bien que la soie est un moyen peu coûteux de peindre sur le passé, l'invention de papier pendant le 1er siècle après JC par le tribunal eunuque Han Cai Lun a fourni non seulement un milieu pas cher et très répandue pour l'écriture, mais aussi un moyen pas cher et très répandue pour la peinture (le rendant plus accessible au public).
Les idéologies de confucianisme , le taoïsme et le bouddhisme ont joué des rôles importants dans l'art asiatique. Médiévales peintres tels que la dynastie des Song Lin Tinggui et son blanchiment de Luohan (Logée dans le Smithsonian Freer Gallery of Art) du 12ème siècle sont d'excellents exemples d'idées bouddhistes fusionnés en oeuvre classique chinoise. Dans ce dernier peinture sur soie (image et description fournie dans le lien), bouddhiste chauve Luohan sont représentés dans un cadre pratique du lavage du linge par une rivière. Cependant, la peinture elle-même est visuellement superbe, avec le Luohan dépeint dans le détail riche, des couleurs vives et opaques contrairement à un trouble, brun, environnement boisé et fade. En outre, la cime des arbres sont enveloppées dans le brouillard tourbillonnant, fournissant «l'espace négatif» commune mentionnée ci-dessus à l'art asiatique.
En Japonisme, artistes la fin du 19e siècle comme les impressionnistes , Van Gogh , Henri de Toulouse-Lautrec et Whistler admiré traditionnel japonais Artistes Ukiyo-e comme Hokusai et Hiroshige et leur travail a été influencé par elle.
Peinture chinoise
Les premiers (survivants) exemples de Chinois peints date d'œuvre à la Période des Royaumes combattants (481-221 avant JC), avec des peintures sur soie ou de tombes peintures murales sur la roche, la brique ou de la pierre. Ils étaient souvent en format stylisé simpliste et motifs géométriques plus ou moins rudimentaires. Ils sont souvent représentés créatures mythologiques, des scènes domestiques, des scènes de travail, ou des scènes somptueuses remplies de fonctionnaires à la cour. Création au cours de cette période et de la subséquente dynastie Qin (221-207 avant JC) et Dynastie des Han (202 BC - 220 AD) a été faite non pas comme un moyen en soi ou pour l'expression personnelle plus élevée. Plutôt oeuvre a été créé pour symboliser et les droits honneur funéraires, des représentations de divinités mythologiques ou esprits des ancêtres, etc. Peintures sur soie des fonctionnaires de la cour et des scènes domestiques pourraient être trouvés au cours de la dynastie des Han, avec des scènes d'hommes chasse à cheval ou participant à défilé militaire. Il peint également sur trois dimensions des œuvres d'art sur les figurines et les statues, comme les couleurs d'origine peint couvrant les soldats et statues de chevaux de la Armée de terre cuite. Pendant le climat social et culturel de l'ancienne Dynastie des Jin de l'Est (316-420 AD) basé à Nanjing dans le sud, la peinture est devenue l'un des loisirs officielles de confucéens fonctionnaires bureaucratiques et -taught aristocrates (avec la musique joué par le guqin cithare, l'écriture fantaisiste calligraphie , l'écriture et récitation de poésie ). La peinture est devenue une forme courante de l'expression artistique, et pendant cette période peintres au tribunal ou entre circuits sociaux d'élite ont été jugé et classé par leurs pairs.
La création de la peinture de paysage chinoise classique est accrédité en grande partie à la Dynastie des Jin de l'Est artiste Gu Kaizhi (344-406 AD), l'un des artistes les plus célèbres de l'histoire chinoise. Comme les scènes de défilement allongées de Kaizhi, dynastie des Tang (618-907 AD) artistes chinois comme Wu Daozi peint oeuvres colorées et très détaillées sur de longues Rouleaux illustrés horizontales (qui étaient très populaires au cours de la dynastie des Tang), comme ses quatre-vingts sept personnes célestes. Œuvre peinte pendant la période Tang concernait les effets d'un environnement paysager idéalisé, avec faible quantité d'objets, des personnes, ou de l'activité, ainsi que dans la nature monochromatique (exemple: les peintures murales de la tombe de Prix Yide dans le mausolée Qianling). Il y avait aussi des personnalités comme début peintre Tang ère Zhan Ziqian, qui a peint de superbes peintures de paysage qui étaient bien en avance sur son temps dans la représentation de réalisme. Cependant, l'art du paysage n'a pas atteint une plus grande maturité et de réalisme en général jusqu'à ce que le Période des Cinq Dynasties et des Dix Royaumes (907-960 AD). Pendant ce temps, il y avait des paysagistes comme exceptionnelles Dong Yuan (voir cet article pour un exemple de son œuvre), et ceux qui peint des représentations plus vives et réalistes de scènes domestiques, comme Gu Hongzhong et ses Revels nuit de Han Xizai.
Pendant la chinoise dynastie des Song (960 - 1279 AD), non seulement l'art du paysage a été améliorée, mais la peinture de portrait est devenu plus standardisée et sophistiqué qu'auparavant (par exemple, voir Song Huizong), et a atteint sa maturité de l'âge classique au cours de la dynastie des Ming (1368 - 1644 AD). Au cours de la fin du 13ème siècle et la première moitié du 14ème siècle, le chinois dans le cadre du Mongole contrôlée dynastie des Yuan ne ont pas été autorisés à entrer postes supérieurs de gouvernement (réservé aux Mongols ou d'autres groupes ethniques de l'Asie centrale), et de la Examen Impérial a été interrompue pour le moment. Beaucoup de Chinois confucéens-instruit qui manquait désormais profession se est tourné vers les arts de la peinture et le théâtre à la place, comme la période Yuan est devenu l'une des époques les plus dynamiques et les plus abondantes pour œuvres d'art chinoises. Un exemple d'une telle serait Qian Xuan (1235-1305 AD), qui était un fonctionnaire de la dynastie des Song, mais par patriotisme, a refusé de servir la cour Yuan et se consacre à la peinture. Des exemples de superbe art de cette période comprennent les peintures murales riches et détaillées peintes du Palais Yongle Ou "Dachunyang longévité Palace", de 1262 AD, une UNESCO site du patrimoine mondial. Dans le palais, peintures couvrent une superficie de plus de 1000 mètres carrés, et la plupart détiennent thèmes taoïstes. Ce était au cours de la dynastie des Song que les peintres auraient aussi se réunir en clubs sociaux ou des réunions pour discuter de leur art ou les œuvres d'art des autres, l'éloge qui a souvent conduit à persuasions au commerce et à la vente de précieuses œuvres d'art. Cependant, il y avait aussi beaucoup de critiques sévères des autres art ainsi, montrant la différence de style et de goût entre les différents peintres. En 1088 AD, le scientifique de grand penseur et homme d'État Shen Kuo a écrit de l'œuvre d'un Li Cheng, qui a critiqué la façon suivante:
| " | ... Puis il ya eu Li Cheng, qui quand il dépeint pavillons et des pavillons au milieu des montagnes, des maisons à étages, pagodes et autres, toujours utilisé pour peindre le avant-toit telle vu de dessous. Son idée était que «il faut regarder vers le haut par le bas, tout comme un homme debout sur un terrain plat et en regardant les toits de pagode peut voir ses chevrons et ses chevrons en porte à faux de l'avant-toit». Ce est tout faux. En général, la bonne façon de peindre un paysage est de voir le petit du point de vue de la grande ... juste comme on regarde des montagnes artificielles dans les jardins (comme on marche environ). Si l'on applique (méthode Li) à la peinture de vraies montagnes, regardant d'en bas, on ne peut que voir un seul profil à la fois, et non la richesse de leurs pentes innombrables et les profils, pour ne rien dire de tout ce qui va dans les vallées et canyons, et dans les ruelles et cours avec leurs logements et maisons. Si nous sommes à l'est d'une montagne de ses parties occidentales seraient à la limite de fuite de la distance lointaine, et vice-versa. Assurément, ce ne pouvait pas être appelé une peinture réussie? M. Li n'a pas compris le principe de «voir le petit du point de vue de la grande '. Il était certainement à diminuer merveilleuse précision hauteurs et les distances, mais doit-on attacher une telle importance pour les angles et les coins de bâtiments? | " |
Bien que le niveau élevé de la stylisation, l'appel mystique, surréaliste et l'élégance ont été souvent préféré sur le réalisme (comme dans shan shui style), en commençant par la dynastie médiévale chanson il y avait de nombreux peintres chinois alors et ensuite qui dépeint des scènes de la nature qui ont été vivement réel. Plus tard, les artistes de la dynastie Ming prendraient après cette accent dynastie des Song du détail complexe et réalisme sur les objets dans la nature, en particulier dans les représentations d'animaux (comme les canards, les cygnes, les moineaux, les tigres, etc.) entre les plaques de fleurs aux couleurs vives et des bosquets de brosse et du bois (un bon exemple serait les Oiseaux de peinture anonyme de la dynastie Ming et Plum Blossoms , Logé dans la Freer Gallery de la Smithsonian Museum à Washington, DC). Il y avait de nombreux artistes de renom de la dynastie Ming; Qiu Ying est un excellent exemple d'une époque peintre Ming primordiale (célèbre même dans son propre jour), en utilisant dans ses illustrations des scènes domestiques, animée scènes grandioses, et des scènes de la nature des vallées et des montagnes chargés enveloppé dans la brume et nuages tourbillonnants. Au cours de la dynastie des Ming, il y avait aussi différent et rivalisant avec les écoles d'art associés à la peinture, comme le Wu scolaire et le Ecole Zhe.
La peinture classique chinoise a continué dans le début des temps modernes dynastie des Qing , avec des peintures de portraits très réalistes, comme vu dans la fin de la dynastie Ming du début du 17e siècle. Les portraits de Empereur Kangxi, Empereur Yongzheng et Empereur Qianlong sont d'excellents exemples de la peinture réaliste portrait chinois. Pendant la période de règne de Qianlong et la poursuite de la 19ème siècle, européenne baroques styles de peinture ont une influence notable sur les peintures de portrait chinois, en particulier avec des effets visuels peints de l'éclairage et l'ombrage. De même, peintures Asie de l'Est et d'autres œuvres d'art (tels que porcelaine et laques) étaient très prisés en Europe depuis le premier contact dans le 16ème siècle.
Peinture japonaise
Peinture japonaise (絵 画) est une des plus anciennes et les plus raffiné des arts japonais, englobant une grande variété sur le genre et les styles. Comme avec l'histoire des arts japonais en général, l'histoire la peinture japonaise est une longue histoire de la synthèse et de la concurrence entre les japonais indigènes l'esthétique et l'adaptation des idées importées. Ukiyo-e, "images du monde flottant», est un genre de japonais estampes (ou gravures sur bois) et des peintures produites entre les 17èmes et 20èmes siècles, comportant des motifs des paysages, du théâtre et des quartiers de plaisance. Ce est le genre artistique principal de gravure sur bois au Japon. Estampe japonaise en particulier de la Période Edo a exercé une énorme influence sur la peinture occidentale en France au cours du 19ème siècle.
Peinture Asie du Sud
Un groupe de femmes de l'Inde du Sud, Hindupur, c. 1540.
Krishna embrasse gopis, Gîtâ-Govinda-manuscrit, 1760-1765.
Flottant figures de danse, une peinture murale de c. 850.
Pig Hunt sauvage, c. 1540.
Chand Bibi Hawking, le style Deccan, 18ème siècle
A Lady Écouter de la musique, c. 1750.
Rasamañjarî manuscrit du Bhânudatta (du traité érotique), 1720.
Fresque de fragment une dame avec un parasol, c. 700.
Peinture Bahsoli de Radha et Krishna dans Discussion, c. 1730.
Peinture Bahsoli de Maharaja Sital Dev des Mankot dans la dévotion, c. 1690.
Portrait de Ibrahim Adil Shah II (1580-1626) du Bijapur, 1615.
Le trône de la richesse, 'Ulum-manuscrit Nujum-al, 1570.
Elephant and cub de l'écurie de la moghol règle, 17ème siècle.
Mihrdukht tire une flèche à travers un anneau, de 1564 à 1579.
Portrait de la Govardhan Chand, Le style Pendjab, c. 1750.
Ravana tue Jathayu; Sita captive désespère.
Akbar et Tansen Visitez Haridas à Vrindavan, Le style Rajasthan, c. 1750.
Un homme avec des enfants, Le style Pendjab, 1760.
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Radha Krishna arrestations, Le style Pendjab, 1770.
Rama et Sita dans la forêt, Le style Pendjab, 1780.
Peinture indienne
Peintures indiennes historiquement tourné autour des divinités religieuses et des rois. Art indien est un terme collectif pour plusieurs écoles d'art qui existaient dans le Sous-continent indien. Les peintures variait de grandes fresques de Ajanta au complexe Peintures miniatures mogholes aux œuvres en métal ornées du École Tanjore. Les peintures de la Gandhar- Taxila sont influencés par la Persique travaille dans l'ouest. Le style est de la peinture a été principalement développée autour de la Nalanda école d'art. Les œuvres sont pour la plupart inspirés par diverses scènes de la mythologie indienne .
Histoire
Les premières peintures indiennes étaient les peintures rupestres de la préhistoire, le pétroglyphes que l'on trouve dans des endroits comme la Abris rupestres de Bhimbetka, et certains d'entre eux sont âgés de plus de 5500 BC. Ces travaux ont continué et après plusieurs millénaires, au 7ème siècle, piliers de sculptés Ajanta, État actuel Maharashtra une amende exemple de peintures indiennes, et les couleurs, principalement diverses nuances de rouge et orange, ont été dérivées de minéraux.
Ajanta Caves dans le Maharashtra, en Inde sont monuments rupestres taillés dans la roche datant du 2ème siècle BCE et contenant des peintures et des sculptures considérés comme des chefs-d'œuvre de l'art religieux à la fois bouddhiste et l'art pictural universel.
- Peinture Madhubani
Peinture Madhubani est un style de peinture indienne, pratiqué dans la région de Mithila l'Etat du Bihar, en Inde. Les origines de la peinture Madhubani sont enveloppées dans l'antiquité.
Peinture Rajput
Peinture Rajput, un style de Peinture indienne, a évolué et se est épanouie, au cours du 18ème siècle, dans les cours royales de Rajputana, Inde. Chaque royaume Rajput évolué un style distinct, mais avec certaines caractéristiques communes. Peintures Rajput représentent un certain nombre de thèmes, les événements de épopées comme le Ramayana et le Mahabharata, la vie de Krishna, de beaux paysages, et les humains. Miniatures étaient le support préféré de la peinture Rajput, mais plusieurs manuscrits contiennent également des peintures Rajput et peintures ont même été effectués sur les murs des palais, les chambres intérieures des forts, des havelis, en particulier, les havelis de Shekhawait.
Les couleurs extraites de certains minéraux, de sources végétales, conques, et ont même dérivé de la transformation des pierres précieuses, de l'or et l'argent ont été utilisés. La préparation des couleurs désirées est un processus long, prenant parfois des semaines. Brosses utilisées étaient très fine.
Peinture moghole
Peinture moghole est un style particulier de Peinture indienne, généralement limitée aux illustrations sur le livre et fait en miniatures, et qui a émergé, développé et a pris forme au cours de la période de l' Empire moghol 16 au 19 siècles).
Peinture de Tanjore
Peinture de Tanjore est une forme importante de classique South Indian peinture originaire de la ville de Tanjore dans Tamil Nadu. Dates La forme d'art du début du 9ème siècle, une période dominée par les Chola dirigeants, qui ont encouragé l'art et la littérature. Ces peintures sont connus pour leur élégance, couleurs riches, et l'attention au détail. Les thèmes de la plupart de ces peintures sont Hindous Dieux et Déesses et des scènes de la mythologie hindoue . Dans les temps modernes, ces peintures sont devenues beaucoup cherché après souvenirs lors d'occasions festives en Inde du Sud.
Le processus de fabrication d'une peinture Tanjore implique de nombreuses étapes. La première étape consiste en la réalisation de la première ébauche de l'image sur la base. La base est constituée d'un tissu collé sur une base en bois. Puis la poudre de craie ou l'oxyde de zinc est mélangé avec de l'eau-soluble et adhésif appliqué sur la base. Pour rendre la base plus lisse, une légère abrasive est parfois utilisé. Après le tirage est fait, la décoration des bijoux et les vêtements de l'image se fait avec des pierres semi-précieuses. Lacets ou fils sont également utilisés pour décorer les bijoux. En plus de cela, les feuilles d'or sont collés. Finalement, colorants sont utilisés pour ajouter des couleurs aux chiffres figurant dans les tableaux.
L'école de Madras
Au cours de la domination britannique en Inde, la couronne constaté que Madras avaient certains des esprits les plus talentueux artistiques et intellectuelles dans le monde. Comme les Britanniques avaient également mis en place un règlement énorme dans et autour de Madras, Georgetown a été choisi pour créer un institut qui répondrait aux attentes artistiques de la famille royale à Londres. Ce est venu à être connu sous le nom Ecole de Madras. Au début, les artistes traditionnels ont été utilisées pour produire des variétés exquis de meubles, travail du métal, et des bibelots et de leur travail a été envoyé aux palais royaux de la reine.
Contrairement à l'École du Bengale où 'copie' est la norme de l'enseignement, l'École de Madras se épanouit sur «créer» de nouveaux styles, des arguments et tendances.
L'école du Bengale
L'École d'Art du Bengale était un style d'influence de l'art qui se épanouit Inde pendant la Raj britannique au début du 20e siècle. Il a été associé à l'Inde le nationalisme , mais a également été promu et soutenu par de nombreux administrateurs des arts britanniques.
L'école du Bengale a surgi comme un avant-gardiste et mouvement nationaliste réagir contre le universitaires styles artistiques déjà promus en Inde, à la fois par Artistes indiens tels que Raja Ravi Varma et dans les écoles d'art britanniques. Suite à l'influence généralisée des idées spirituelles indiennes dans le Ouest, le professeur d'art Colombie- Ernest Binfield Havel a tenté de réformer les méthodes d'enseignement à la Calcutta School of Art en encourageant les élèves à imiter Miniatures mogholes. Cela a provoqué une immense controverse, conduisant à une grève des étudiants et des plaintes de la presse locale, y compris des nationalistes qui considéraient qu'il se agit d'un mouvement rétrograde. Havel a été soutenue par l'artiste Abanindranath Tagore, un neveu du poète Rabindranath Tagore . Tagore peint un certain nombre d'œuvres influencées par l'art moghol, un style que lui et Havel croyait être expressive des qualités spirituelles distinctes de l'Inde, par opposition à la «matérialisme» de l'Occident. La peinture la plus connue de Tagore, Bharat Mata (Mother India), dépeint une jeune femme, représenté avec quatre bras à la manière des divinités hindoues, tenir des objets symboliques des aspirations nationales de l'Inde. Tagore tard tenté de développer des liens avec des artistes japonais dans le cadre d'une aspiration à construire une modèle pan-Asianist de l'art.
L'influence de l'école du Bengale en Inde a diminué avec la propagation de idées modernistes dans les années 1920. Dans la période post-indépendance, artistes indiens ont montré plus d'adaptabilité ils ont emprunté librement de styles européens et leur fusionné librement avec les motifs indiens aux nouvelles formes d'art. Alors que des artistes comme Francis Newton Souza et Tyeb Mehta était plus à l'ouest dans leur approche, il y avait d'autres comme Ganesh Pyne et Maqbool Fida Husain, qui a développé styles soigneusement autochtones de travail. Aujourd'hui, après le processus de libéralisation du marché en Inde, les artistes connaissent une plus grande exposition à la scène artistique internationale qui les aide dans les pays émergents avec les nouvelles formes d'art qui ont été jusqu'à présent pas vu en Inde. Jitish Kallat avait tiré à la renommée dans les années 90 avec ses peintures qui étaient à la fois moderne et au-delà de la portée de la définition générique. Cependant, alors que les artistes en Inde dans le nouveau siècle essaient de nouveaux styles, des thèmes et des métaphores, il ne aurait pas été possible d'obtenir une telle reconnaissance rapide sans l'aide des maisons de commerce qui entrent maintenant dans le domaine de l'art comme ils ne avaient jamais auparavant.
Peinture indienne moderne
Amrita Sher-Gil, trois filles, 1935, National Gallery of Modern Art de New Delhi
John Wilkins, Sneha-village belle, c.1970s
- Settingnotes.JPG
Devajyoti Ray, Réglage Remarques, 2007, Pseudorealism
Amrita Sher-Gil était un peintre indien, parfois connu sous le nom de l'Inde Frida Kahlo , et considéré aujourd'hui comme un peintre de femmes importantes du 20e siècle l'Inde, dont l'héritage se élève à égalité avec celle des Maîtres de Renaissance du Bengale; elle est aussi la 'le plus cher' femme peintre de l'Inde.
Aujourd'hui, elle est parmi les neuf Masters, dont le travail a été déclaré comme des trésors artistiques de The Archaeological Survey of India, en 1976 et 1979, et plus de 100 de ses peintures sont maintenant affichés au National Gallery of Modern Art, New Delhi .
Pendant la période coloniale, les influences occidentales ont commencé à avoir un impact sur l'art indien. Certains artistes ont développé un style qui utilise les idées occidentales de la composition, la perspective et du réalisme pour illustrer des thèmes indiens. D'autres, comme Jamini Roy, consciemment se est inspiré de l'art populaire.
Au moment de l'indépendance en 1947, plusieurs écoles d'art en Inde aient accès aux techniques modernes et des idées. Galeries ont été créés pour mettre en valeur ces artistes. Art indien moderne montre généralement l'influence des styles occidentaux, mais est souvent inspiré par des thèmes et des images indiennes. Artistes majeurs commencent à acquérir une reconnaissance internationale, d'abord parmi la diaspora indienne, mais aussi auprès du public non-indiens.
Le Le groupe des artistes progressistes, créé peu après l'Inde est devenue indépendante en 1947, visait à établir de nouvelles façons d'exprimer l'Inde dans l'ère post-coloniale. Les fondateurs étaient six artistes éminents - KH Ara, SK Bakre, HA Gade, MF Husain, SH Raza et FN Souza, si le groupe a été dissous en 1956, il était profondément contribué à changer l'idiome de l'art indien. Presque tous les grands artistes de l'Inde dans les années 1950 ont été associés avec le groupe. Certains de ceux qui sont aujourd'hui bien connus sont Bal Chabda, Manishi Dey, Mukul Dey, VS Gaitonde, Ram Kumar, Tyeb Mehta, et Akbar Padamsee. Autres peintres célèbres comme Jahar Dasgupta, Prokash Karmakar, John Wilkins, Narayanan Ramachandran et Bijon Choudhuri enrichi la culture de l'art de l'Inde. Ils sont devenus les icônes de l'art indien moderne. Les historiens d'art comme Prof. Rai Anand Krishna ont également appelé les œuvres d'artistes modernes qui reflètent la philosophie indienne. Geeta Vadhera a eu succès dans la traduction de thèmes spirituels complexes, indiennes sur la toile comme pensée soufie, les Upanishads et l'Bhagwad Geeta.
Art indien a obtenu un coup de pouce avec la libéralisation économique du pays depuis le début des années 1990. Des artistes de divers domaines ont commencé amène maintenant dans des styles variés de travail. Art indien de libéralisation Poster fonctionne non seulement dans les limites de traditions académiques, mais aussi à l'extérieur. Les artistes ont introduit de nouveaux concepts qui ont jusque-là pas été vu dans l'art indien. Devajyoti Ray a introduit un nouveau genre d'art appelé Pseudorealism. Pseudorealist Art est un style d'art originale qui a été entièrement développé sur le sol indien.Pseudorealism prend en compte le concept indien de l'abstraction et l'utilise pour transformer des scènes ordinaires de la vie indienne dans un fantastiques images.
En post-libéralisation de l'Inde, de nombreux artistes se sont établis sur le marché international de l'art comme le peintre abstrait Natvar Bhavsar et sculpteur Anish Kapoor dont le mammouth œuvres postminimalist ont acquis l'attention pour leur taille. Beaucoup de maisons et galeries d'art ont également ouvert aux Etats-Unis et en Europe pour mettre en valeur les oeuvres indiennes.
La peinture occidentale
Egypte, la Grèce et Rome
Egypte ancienne , une civilisation avec de très fortes traditions de l'architecture et de la sculpture (à la fois à l'origine peinte dans des couleurs vives) a également eu de nombreuses peintures murales dans les temples et bâtiments, et peint les illustrations sur papyrus manuscrits. Peinture murale égyptienne et la peinture décorative est souvent graphique, parfois plus symbolique que réaliste. Peinture égyptienne dépeint chiffres contour en gras et plat silhouette, dans lequel la symétrie est une caractéristique constante. peinture égyptienne présente un lien étroit avec ses langues écrites - appelé les hiéroglyphes égyptiens. Symboles peints se trouvent parmi les premières formes de la langue écrite. Les Égyptiens aussi peint sur toile de lin, les restes de ce qui survivent aujourd'hui. Peintures égyptiennes antiques ont survécu en raison du climat extrêmement sec. Les anciens Egyptiens créé peintures pour faire la vie après la mort du défunt un endroit agréable. Les thèmes inclus voyage à travers l'au-delà ou leurs divinités protectrices introduisant le défunt aux dieux de la pègre. Quelques exemples de ces peintures sont des peintures des dieux et des déesses Ra, Horus, Anubis, noix, Osiris et Isis . Certaines peintures des tombes montrent activités que la personne décédée ont été impliqués dans quand ils étaient vivants et souhaite continuer à le faire pour l'éternité. Dans le Nouveau-Uni et plus tard, le Livre des Morts a été enterré avec la personne ensevelie. Il a été considéré comme important pour une introduction à l'au-delà.
Sennedjem laboure ses champs avec une paire de bœufs, ca. 1200 BC
Egypte antique,la déesseIsis, peinture murale, ca.1360 BC
Egypte antique,la reine Néfertari
Egypte antique,papyrus
L'Egypte Ancienne
L'Egypte Ancienne
Pitsa panneaux, l'un des rares peintures sur panneau de survivant de la Grèce archaïque, ca. 540-530 BC
Symposium scène dans la Tombe du PlongeuràPaestum,circa 480 BCart grec
Knossos
L'art romain,Pompéi
-
L'art romain
L'art romain
L'art romain
L'art romain
L'art romain
L'art romain
Au nord de l'Egypte était la civilisation minoenne sur l'île de Crète. Les peintures murales trouvées dans le palais de Knossos sont similaire à celle des Egyptiens, mais beaucoup plus libre dans le style. Autour de 1100 avant JC, les tribus du nord de la Grèce ont conquis la Grèce et l'art grec a pris une nouvelle direction.
Grèce antique avait de grands peintres, grands sculpteurs (bien que les deux efforts ont été considérés comme une simple main-d'œuvre à l'époque), et de grands architectes. Le Parthénon est un exemple de l'architecture qui a duré jusqu'à nos jours. Greek sculpture en marbre est souvent décrite comme la plus haute forme d' art classique. Peinture sur poterie de la Grèce antique et de la céramique donne un aperçu particulièrement instructif dans la façon dont la société dans la Grèce antique a fonctionné. figures noires peinture sur vase et la peinture à figures rouges vase donne de nombreux exemples survivants de ce que la peinture grecque était. Quelques célèbres peintres grecs sur des panneaux de bois qui sont mentionnés dans les textes sont Apelle, Zeuxis et Parrhasius toutefois pas d'exemples de la peinture grecque antique du panneau survivre, seulement des descriptions écrites de leurs contemporains ou plus tard Romains. Zeuxis a vécu dans 5-6 Colombie-Britannique et a été dit d'être le premier à utiliser sfumato. Selon Pline l'Ancien, le réalisme de ses peintures a été telle que les oiseaux ont essayé de manger les raisins peints. Apelle est décrit comme le plus grand peintre de l'Antiquité pour la technique parfaite dans le dessin, la couleur brillante et de la modélisation.
L'art romain a été influencé par la Grèce et peut être en partie considéré comme un descendant de l'ancienne peinture grecque. Cependant, la peinture romaine n'a importantes caractéristiques uniques. Les peintures romaines seul survivant sont des peintures murales, dont beaucoup de villas en Campanie, dans le sud de l'Italie. Cette peinture peut être regroupées en quatre principaux «styles» ou périodes et peut contenir les premiers exemples de trompe-l'œil, pseudo-perspective, et le paysage pur. Presque les portraits peints seulement survivants du monde antique sont un grand nombre de cercueils portraits de forme de buste trouvés dans le cimetière antique tardif de Al-Fayoum. Bien que ceux-ci ne sont ni de la meilleure période, ni la plus haute qualité, ils sont impressionnants en eux-mêmes, et donnent une idée de la qualité que le plus bel ouvrage antique a dû avoir. Un très petit nombre de miniatures de livres illustrés de l'antiquité tardive survivre aussi, et un peu plus grand nombre de copies de la période médiévale tôt.
Moyen Âge
Coton Genesis Une miniature de réunions Abraham Anges
Byzantin icône, 6ème siècle
Mosaïques de l'art byzantins Ravenne
Byzantine, datant du 6e siècle
Frères Limbourg
Frères Limbourg
Portrait évangéliste
Carolingienne
Carolingienne Saint-Marc
Yaroslavl Evangiles c. Années 1220
Giottino
Vitale da Bologna
Simone Martini
Cimabue
Giotto
Giotto
Andrei Roublev
Andrei Roublev,Ascension, 1408
Ambrogio Lorenzetti
Pietro Lorenzetti
Duccio
Bonaventura Berlinghieri,saint François d'Assise, 1235
La montée du christianisme donnait un esprit différent et visent à des styles de peinture. art byzantin, une fois son style a été créé par le 6ème siècle, a beaucoup insisté sur le maintien traditionnelle iconographie et le style, et a relativement peu changé à travers les mille ans de l' Empire byzantin et les traditions poursuivies de grec et russe orthodoxe peinture d'icônes. Peinture byzantine a un sentiment particulier hiératique et les icônes étaient et sont encore considérés comme un reflet du divin. Il y avait aussi de nombreuses peintures murales à fresque, mais moins d'entre eux ont survécu à byzantines mosaïques . En général Byzance art frontières sur l'abstraction, dans sa planéité et des représentations très stylisées de figures et de paysage. Cependant, il ya des périodes, en particulier dans la soi-disant art macédonien autour du 10ème siècle, quand l'art byzantin est devenu plus flexible dans l'approche.
En post-Antique Europe catholique le premier style artistique distinctif d'émerger qui comprenait la peinture était l' art insulaire des îles britanniques, où les seuls survivants (et très probablement le seul moyen où la peinture a été utilisé) sont miniatures dans les manuscrits enluminés tels que le Livre de Kells . Ceux-ci sont les plus célèbres pour leur décoration abstraite, bien que les chiffres, et parfois des scènes, ont également été représenté, en particulier dans Portraits évangéliste. Carolingienne et l'art ottonien survit aussi le plus souvent dans les manuscrits, bien que certains peinture murale restent, et plus sont documentées. L'art de cette période combine insulaire et les influences «barbares» avec une forte influence byzantine et une aspiration pour récupérer la monumentalité classique et l'équilibre.
Murs de roman et églises gothiques ont été décorées avec des fresques ainsi que la sculpture et beaucoup des rares peintures murales ont une grande intensité, et de combiner l'énergie décorative de l'art insulaire avec une nouvelle monumentalité dans le traitement des chiffres. Beaucoup plus de miniatures dans Manuscrits enluminés survivent de la période, montrant les mêmes caractéristiques, qui continuent dans la période gothique.
peinture sur panneau devient plus fréquente au cours de la période romane, sous l'influence lourde d'icônes byzantines. Vers le milieu du 13e siècle, l'art médiéval et peinture gothique est devenu plus réaliste, avec les débuts de l'intérêt dans la représentation du volume et de la perspective en Italie avec Cimabue puis son élève Giotto. De Giotto, le traitement de la composition par les meilleurs peintres est également devenu beaucoup plus libre et innovateur. Ils sont considérés comme les deux grands maîtres de la peinture médiévale dans la culture occidentale. Cimabue, dans la tradition byzantine, a utilisé une approche plus réaliste et dramatique à son art. Son élève, Giotto, a pris ces innovations à un niveau supérieur qui à son tour a jeté les bases pour la tradition de la peinture occidentale. Les deux artistes ont été des pionniers dans le mouvement vers le naturalisme.
Églises ont été construites avec de plus en plus de fenêtres et l'utilisation des couleurs des vitraux deviennent un aliment de base dans la décoration. Un des exemples les plus célèbres de cela se trouve dans la cathédrale de Notre Dame de Paris. Au 14ème siècle, les sociétés occidentales étaient à la fois plus riche et plus cultivée et peintres ont trouvé de nouveaux clients dans la noblesse et même les bourgeoisie. manuscrits enluminés ont pris un caractère nouveau et mince, court femmes élégantes ont montré dans leurs paysages. Ce style est vite devenu connu sous le nom de style et internationales peintures et retables panneau tempera gagné en importance.
Renaissance et Maniérisme
Fra Angelico
Filippo Lippi
Andrea Mantegna
Masacciol'expulsion d'Adam et Eve de l'Eden, avant et après restauration
Paolo Uccello
Albrecht Dürer
Giovanni Bellini
Titien
Piero della Francesca
Giorgione
Jacopo Tintoretto
Sandro Botticelli
Robert Campin
Rogier van der Weyden
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Jérôme Bosch
Pieter Bruegel
Hans Holbein le Jeune
El Greco
La Renaissance est dit par beaucoup comme l' âge d'or de la peinture. Couvrant à peu près la 14e par le milieu du 17e siècle. En Italie, des artistes comme Paolo Uccello, Fra Angelico, Masaccio, Piero della Francesca, Andrea Mantegna, Filippo Lippi, Giorgione, Tintoretto, Sandro Botticelli, Léonard de Vinci , Michel-Ange Buonarroti , Raphaël , Giovanni Bellini et Titien a pris la peinture à un niveau supérieur par le biais l'utilisation de la perspective, l'étude de l'anatomie humaine et de la proportion, et grâce à leur développement d'un raffinement sans précédent dans les techniques de dessin et de peinture.
Peintres flamands, hollandais et allemands de la Renaissance tels que Hans Holbein le Jeune, Albrecht Dürer, Lucas Cranach, Matthias Grünewald, Jérôme Bosch et Pieter Brueghel représentent une approche différente de leurs collègues italiens, celui qui est plus réaliste et moins idéalisé. Genre la peinture est devenue un idiome populaire parmi ces peintres du Nord que Pieter Brueghel. Un nouveau vraisemblance à dépeindre la réalité est devenu possible avec l'adoption de la peinture à l'huile , dont l'invention était traditionnellement, mais à tort, crédité de Jan Van Eyck (une figure de transition importante qui relie la peinture dans le Moyen- Age avec la peinture du début de la Renaissance ). Contrairement aux Italiens dont le travail a attiré beaucoup de l'art de la Grèce antique et de Rome, les nordistes conservés un résidu stylistique de la sculpture et de manuscrits enluminés du Moyen Age. Ces tendances sont également voir dans le art de l'Angleterre des Tudor, qui a été fortement influencée par les réfugiés protestants de la Pays-Bas.
Peinture de la Renaissance reflète la révolution d'idées et de la science ( astronomie , géographie ) qui se produisent dans cette période, la Réforme, et l'invention de la presse d'imprimerie. Dürer, considéré comme l'un des plus grands graveurs, stipule que les peintres ne sont pas de simples artisans, mais des penseurs ainsi. Avec le développement de la peinture de chevalet à la Renaissance, la peinture à l'indépendance de l'architecture. Après des siècles dominé par l'imagerie religieuse, sous réserve laïque affaire renvoyée lentement à la peinture occidentale. Artistes inclus visions du monde autour d'eux, ou les produits de leur propre imagination dans leurs peintures. Ceux qui ne pouvaient se permettre la dépense pourrait devenir mécènes et des portraits de la commission d'eux-mêmes ou pour leur famille.
Dans les 15e et 16e siècles, peintures sur bois qui pourraient être suspendus sur les murs et se déplaçaient à volonté, sont devenus de plus en plus populaire pour les églises et les maisons privées, plutôt que de fresques de peintures murales ou des tableaux intégrés dans des structures permanentes, comme les retables. Le Haut Renaissance a donné naissance à un art stylisé connu comme Maniérisme. la place des compositions équilibrées et approche rationnelle à la perspective qui caractérisent l'art à l'aube du 16ème siècle, les maniéristes cherché l'instabilité, l'artifice, et le doute. Les visages et les gestes de non perturbés Piero della Francesca et les Vierges calmes de Raphaël sont remplacés par les expressions troublées de Pontormo et l'intensité émotionnelle de El Greco. Quelques décennies plus tard Nord Maniérisme dominé l'art hollandais et allemand jusqu'à l'arrivée du baroque.
Baroque et rococo
Artemesia Gentileschi
Frans Hals
Jan Vermeer
Diego Velázquez
Nicolas Poussin
José de Ribera
Salvatore Rosa
Claude Lorrain
- La mort de Hyacinth.jpg
Giovanni Battista Tiepolo
Antoine Watteau
Jean-Honouré Fragonard, The Swing, ca. 1767
François Boucher
Élisabeth Vigée-Lebrun
Maurice Quentin de La Tour
Joshua Reynolds
Jean-Baptiste-Siméon Chardin
Francis Hayman
Angelica Kauffman
Peinture baroque est associé avec le baroque mouvement culturel, un mouvement souvent identifié avec l'absolutisme et de la Contre-Réforme catholique ou Revival; l'existence de la peinture baroque important dans la non-absolutistes et les États protestants aussi, cependant, souligne sa popularité, comme le style, réparties dans toute l'Europe occidentale.
Peinture baroque se caractérise par grand drame, des couleurs riches et profondes, et la lumière intense et des ombres. Art baroque était destiné à susciter l'émotion et la passion à la place de la rationalité calme qui avait été prisé pendant la Renaissance. Au cours de la période commençant autour de 1600 et tout au long du 17ème siècle, la peinture est caractérisé comme baroque. Parmi les plus grands peintres de l'époque baroque sont Caravage , Rembrandt , Frans Hals, Rubens , Velázquez, Poussin, et Jan Vermeer. Caravaggio est un héritier de l' humaniste peinture de la Renaissance. Son approche réaliste de la figure humaine, peinte directement de la vie et de façon spectaculaire Éclairage sur un fond sombre, choqué ses contemporains et a ouvert un nouveau chapitre dans l'histoire de la peinture. Peinture baroque dramatise souvent des scènes en utilisant des effets de lumière; ceci peut être vu dans les œuvres de Rembrandt, Vermeer, Le Nain et La Tour.
Au cours du 18ème siècle, rococo suivie comme une extension plus léger du baroque, souvent frivole et érotique. rococo d'abord développé dans les arts décoratifs et le design d'intérieur en France. succession de Louis XV a apporté un changement dans les artistes de la cour et de la mode artistique générale. Les années 1730 représentaient la hauteur du développement rococo en France comme en témoignent les œuvres d' Antoine Watteau et François Boucher. Rococo toujours maintenu le goût baroque pour des formes complexes et des motifs complexes, mais en ce moment, il avait commencé à intégrer une variété de diverses caractéristiques, y compris un goût pour les dessins orientaux et compositions asymétriques.
Le style rococo réparties avec des artistes français et publications gravés. Il a été facilement reçu dans les régions catholiques de l'Allemagne, la Bohême, et en Autriche, où il a été fusionné avec les traditions baroques allemands animés. Rococo allemand a été appliquée avec enthousiasme à des églises et des palais, en particulier dans le sud, tandis que frédéricien rococo développé dans le royaume de Prusse.
Les maîtres français Watteau, Boucher et Fragonard représentent le style, comme le font Giovanni Battista Tiepolo et Jean-Baptiste-Siméon Chardin qui a été considéré par certains comme le meilleur peintre français du 18ème siècle - l' Anti-rococo . Portraiture était un élément important de peinture dans tous les pays, mais surtout en Angleterre, où les dirigeants étaient William Hogarth , dans un style réaliste émoussé, et Francis Hayman, Angelica Kauffman (qui était suisse), Thomas Gainsborough et Joshua Reynolds dans des styles plus flatteuses influencés par Antony Van Dyck . Alors qu'en France pendant l'ère Rococo Jean-Baptiste Greuze (le peintre favori de Denis Diderot), Maurice Quentin de La Tour, et Élisabeth Vigée-Lebrun ont été très accompli portraitistes et peintres d'histoire.
William Hogarth a aidé à développer une base théorique pour Rococo beauté. Bien que non référencement volontairement le mouvement, il a fait valoir dans son Analysis of Beauty (1753) que les lignes ondulées et courbes en S éminents dans Rococo étaient à la base de la grâce et de la beauté dans l'art ou la nature (contrairement à la ligne droite ou le cercle dans Classicisme) . Le début de la fin pour Rococo est venu au début des années 1760 que des figures comme Voltaire et Jacques-François Blondel ont commencé à exprimer leur critique de la superficialité et de la dégénérescence de l'art. Blondel a dénoncé le «fatras ridicule des coquillages, des dragons, des roseaux, des palmiers et des plantes» dans les intérieurs contemporains. En 1785, Rococo avait passé de mode en France, remplacé par l'ordre et la gravité des néoclassiques artistes comme Jacques Louis David.
19ème siècle: le néo-classicisme, peinture d'histoire, le romantisme, impressionnisme, post impressionnisme, le symbolisme
Jacques-Louis David 1787
John Singleton Copley, 1778
Antoine-Jean Gros, 1804
Jean Auguste Dominique Ingres 1862
John Constable1802
Théodore Géricault 1819
Caspar David Friedrich c.1822
Eugène Delacroix, 1830
JMW Turner1838
Gustave Courbet 1849-1850
Camille Corot c.1867
Albert Bierstadt 1886
Claude Monet1872
Edgar Degas 1876
Édouard Manet 1882
Vincent van Gogh1888
Paul Gauguin 1897-1898
Georges Seurat 1884-1886
Thomas Eakins, 1884-1885
Albert Pinkham Ryder, 1890
Winslow Homer 1899
Paul Cézanne 1906
Après rococo , se leva dans la fin du 18e siècle, à l'architecture, puis à peindre sévère néo-classicisme , mieux représenté par des artistes tels que David et son héritier Ingres. Le travail d'Ingres contient déjà une grande partie de la sensualité, mais aucun de la spontanéité, qui était de caractériser le romantisme . Ce mouvement a tourné son attention vers le paysage et la nature ainsi que la figure humaine et la suprématie de l'ordre naturel au-dessus de la volonté de l'humanité. Il y a un philosophie panthéiste (voir Spinoza et Hegel) dans cette conception qui oppose Lumières idéaux en voyant le destin de l'humanité dans une plus tragique ou pessimiste lumière. L'idée que les êtres humains ne sont pas au-dessus des forces de la nature est en contradiction avec la Grèce antique et de la Renaissance idéaux où l'humanité était au-dessus toutes choses et appartenant à son sort. Cette réflexion a conduit les artistes romantiques pour dépeindre les sublimes églises en ruine, les épaves, les massacres et la folie.
Par les peintres milieu du 19ème siècle sont devenus libérée des exigences de leur patronage à seulement représenter des scènes de la religion, la mythologie, l'art du portrait ou de l'histoire. L'idée «l'art pour l'art» a commencé à trouver son expression dans l'œuvre de peintres comme Francisco de Goya, John Constable et JMW Turner. Peintres romantiques tourné la peinture de paysage en un genre majeur, considéré jusque là comme un genre mineur ou comme un fond décoratif pour compositions de figures. Certains des principaux peintres de cette période sont Eugène Delacroix, Théodore Géricault, JMW Turner , Caspar David Friedrich et John Constable . Francisco de Goya œuvre tardive de l 'démontre l'intérêt romantique dans l'irrationnel, tandis que le travail de Arnold Böcklin évoque mystère et la peintures de l'artiste esthétique de mouvement James McNeill Whistler évoquent à la fois la sophistication et décadence. Aux États-Unis la tradition romantique de la peinture de paysage a été connu comme le Hudson River School: exposants comprennent Thomas Cole, Frederic Edwin Church, Albert Bierstadt, Thomas Moran, et John Frederick Kensett. luminisme était un mouvement dans la peinture de paysage américaine liée à la Hudson River School.
Le premier peintre Ecole de Barbizon Camille Corot peint à la fois romantique et un veine réaliste; son travail préfigure l'impressionnisme , tout comme les peintures de Eugène Boudin qui fut l'un des premiers peintres paysagistes français à peindre en plein air. Boudin a également une influence importante sur le jeune Claude Monet , qui, en 1857, il a présenté à la peinture de plein air. A force majeure dans le virage vers le réalisme au milieu du siècle était Gustave Courbet. Dans le dernier tiers des impressionnistes siècle comme Édouard Manet, Claude Monet , Pierre-Auguste Renoir , Camille Pissarro, Alfred Sisley, Berthe Morisot, Mary Cassatt , et Edgar Degas travaillé dans une approche plus directe que ce qui avait été précédemment exposé publiquement. Ils ont évité l'allégorie et le récit en faveur des réponses individualisées au monde moderne, parfois peintes avec peu ou pas d'étude préparatoire, se fondant sur une habileté de dessin et une palette très chromatique. Manet, Degas, Renoir, Morisot et Cassatt concentre principalement sur le sujet humain. Les deux Manet et Degas réinterprétés canons figuratifs classiques dans des situations contemporaines; dans le cas de Manet la ré-imaginations se sont réunis avec la réception publique hostile. Renoir, Morisot et Cassatt se sont tournés vers la vie domestique pour l'inspiration, avec Renoir se concentrant sur le nu féminin. Monet, Pissarro, Sisley et utilisé le paysage comme motif principal, le caractère éphémère de la lumière et la météo joue un rôle majeur dans leur travail. Alors que Sisley plus étroitement respecté les principes originaux de la perception du paysage impressionniste, Monet cherchait défis dans des conditions de plus en plus chromatiques et changeantes, culminant dans sa série d'œuvres monumentales de Nymphéas peints en Giverny.
Pissarro a adopté certaines des expériences de post-impressionnisme. Un peu plus jeunes post-impressionnistes comme Vincent van Gogh , Paul Gauguin, et Georges Seurat, avec Paul Cézanne a conduit l'art au bord de la modernité; Gauguin impressionnisme a fait place à un symbolisme personnel; Seurat transformé couleur brisée de l'impressionnisme dans une étude optique scientifique, structuré sur des compositions de frise; Méthode turbulente de Van Gogh d'application de peinture, couplé avec une utilisation sonore de la couleur, a prédit l'expressionnisme et le fauvisme, et Cézanne, désireux d'unir composition classique avec une abstraction révolutionnaire des formes naturelles, viendrait à être considéré comme un précurseur de l'art du 20e siècle. Le sort de l'impressionnisme a été ressenti à travers le monde, y compris aux États-Unis, où il est devenu partie intégrante de la peinture des impressionnistes américains tels que Childe Hassam, John Twachtman, et Theodore Robinson. Il a également exercé une influence sur les peintres qui ne sont pas principalement impressionniste en théorie, comme le portrait et le paysage peintre John Singer Sargent. Dans le même temps en Amérique au tournant du 20e siècle, il existait un réalisme natif et presque insulaire, aussi richement incarné dans l'œuvre figurative de Thomas Eakins, l' École Ashcan, et les paysages terrestres et marins de Winslow Homer, dont tous les tableaux étaient profondément investi dans la solidité des formes naturelles. Le paysage visionnaire, un motif largement tributaire de l'ambiguïté de la nocturne, a trouvé ses défenseurs à Albert Pinkham Ryder et Ralph Albert Blakelock.
Dans la fin du 19e siècle, il ya également eu plusieurs, assez différents, des groupes depeintres symbolistes dont les œuvres en résonance avec les jeunes artistes du 20e siècle, en particulier avec lesFauves et lessurréalistes. Parmi eux se trouvaient Gustave Moreau, Odilon Redon, Pierre Puvis de Chavannes,Henri Fantin-Latour,Arnold Böcklin, Edvard Munch, Félicien Rops, etJan Toorop, et deGustave Klimt, entre autres, y compris lessymbolistes russes commeMikhaïl Vroubel.
Peintres symbolistes minés la mythologie et de l'imagerie de rêve pour un langage visuel de l'âme, à la recherche tableaux évocateurs qui ont amené à l'esprit un monde statique de silence. Les symboles utilisés dans Symbolisme ne sont pas les familiers emblèmes du grand public , mais les références iconographie extrêmement personnelles, privées, obscures et ambiguës. Plus d'une philosophie que par un style actuel de l'art, les peintres symbolistes influencés contemporain Art Nouveau mouvement et Nabis. Dans leur exploration de sujets oniriques, peintres symbolistes sont trouvés à travers les siècles et les cultures, car ils sont encore aujourd'hui; Bernard Delvaille a décrit le surréalisme de René Magritte comme «Symbolisme plus de Freud ".
20ème siècle moderne et contemporain
Le patrimoine des peintres comme Van Gogh , Cézanne , Gauguin, et Seurat était essentielle pour le développement de l'art moderne. Au début du 20e siècle Henri Matisse et plusieurs autres jeunes artistes ont révolutionné le monde de l'art à Paris avec "sauvage", multi-coloré, expressif, paysages et peintures de figures que les critiques appellent le fauvisme. Pablo Picasso a fait ses premiers cubistes peintures basées sur Cézanne idée que toute représentation de la nature peut être réduite à trois solides: cube , sphère et cône.
Pionniers du 20e siècle
Henri Matisse1905, Fauvisme
Pablo Picasso1907, débutdu cubisme
Georges Braque 1910,le cubisme analytique
Henri Rousseau 1910 Primitif Surréalisme
Le patrimoine des peintres comme Van Gogh , Cézanne , Gauguin, et Seurat était essentiel pour le développement de l'art moderne. Au début du 20e siècle Henri Matisse et plusieurs autres jeunes artistes, y compris la pré-cubiste Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy et Maurice de Vlaminck a révolutionné le monde de l'art à Paris avec "sauvage", multi-coloré, expressif, paysages et peintures de figures que les critiques appellent fauvisme - (comme on le voit dans la galerie ci-dessus). Henri Matisse deuxième version de l 'de La Danse signifie un point clé dans sa carrière et dans le développement de la peinture moderne. Il reflète la fascination naissante de Matisse avec l'art primitif: les couleurs chaudes intenses contre le fond bleu-vert frais et la succession rythmique de nus de danse transmettre les sentiments de libération émotionnelle et l'hédonisme. Pablo Picasso a fait ses premiers cubistes peintures basées sur l'idée de Cézanne que tout de représentation de la nature peut être réduite à trois solides: cube , sphère et cône. Avec la peinture Les Demoiselles d'Avignon 1907, (voir galerie) Picasso considérablement créé une nouvelle et radicale image représentant une scène de bordel brut et primitif avec cinq prostituées, les femmes violemment peints, rappellent africaine masques tribaux et ses propres nouvelles cubistes inventions. cubisme analytique (voir galerie) a été développé conjointement par Pablo Picasso et Georges Braque, illustré par Violon et Candlestick, Paris , (voir ci-dessus) d'environ 1908 à travers 1912. cubisme analytique, la première manifestation claire du cubisme, a été suivie par le cubisme synthétique , pratiquée par Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp et d'innombrables autres artistes dans les années 1920. cubisme synthétique se caractérise par l'introduction de différentes textures, surfaces, éléments de collage, papier collé et une grande variété d'objet fusionné.
Les Fauves (français pour les bêtes sauvages ) étaient au début du 20e siècle, les peintres, en expérimentant avec la liberté d'expression par la couleur. Le nom a été donné, avec humour et non pas comme un compliment, au groupe par le critique d'art Louis Vauxcelles. fauvisme était un regroupement de courte durée et lâche des premiers artistes du 20ème siècle dont les travaux ont souligné des qualités picturales, et l'utilisation imaginative de la couleur profonde sur la valeurs représentatives. Fauves fait l'objet de la peinture facile à lire, exagéré perspectives et une prédiction prémonitoire intéressante de la Fauves a été exprimé en 1888 par Paul Gauguin à Paul Sérusier,
"Comment voyez-vous ces arbres Ils sont jaune Donc, mis en jaune;?. Cette ombre, plutôt bleue, peignez avec pur outremer;? ces feuilles rouges Mettre en vermillon. "
Les chefs du mouvement étaient Henri Matisse et André Derain - rivaux respectueux d'une sorte, chacun avec ses propres disciples. En fin de compte Matisse est devenu le yang à Picasso s ' yin dans le 20e siècle. Peintres fauvistes inclus Albert Marquet, de Charles Camoin, Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy, Othon Friesz, le peintre hollandais Kees van Dongen, et la compagne de Picasso dans le cubisme, Georges Braque, entre autres.
Fauvisme, en tant que mouvement, avait pas de théories concrètes, et a été de courte durée, en commençant en 1905 et se terminant en 1907, ils ont seulement eu trois expositions. Matisse était considéré comme le leader du mouvement, en raison de son ancienneté dans l'âge et de l'auto-création avant dans le monde de l'art académique. Son portrait de Mme 1905. Matisse La Ligne verte , (ci-dessus), a fait sensation à Paris quand il a été exposé pour la première. Il a dit qu'il voulait créer de l'art pour le plaisir; l'art comme une décoration était son but et il peut être dit que son utilisation de couleurs vives essaie de maintenir la sérénité de la composition. En 1906, à la suggestion de son marchand Ambroise Vollard, André Derain est allé à Londres et produit une série de tableaux comme Pont de Charing Cross, Londres (ci-dessus) dans le style de fauve, paraphrasant la célèbre série par l' impressionniste peintre Claude Monet . Maîtres comme Henri Matisse et Pierre Bonnard a continué le développement de leurs styles narratifs indépendants de tout mouvement au long du 20e siècle.
En 1907, le fauvisme était plus un nouveau mouvement choquant, bientôt, il a été remplacé parle cubismesur l'écran radar de la critique comme la dernière nouveauté dansl'art contemporain de l'époque. En 1907, Appolinaire, commentant à propos de Matisse dans un article publié dans La Phalange, a déclaré, "Nous ne sommes pas ici en présence d'un extravagant ou une entreprise extrémiste:. l'art de Matisse est éminemment raisonnable"cubisme analytique(voir galerie) a été développé conjointement par Pablo Picasso etGeorges Braque d'environ 1908 à travers 1912. cubisme analytique, le premier clair manifestation du cubisme, a été suivie parle cubisme synthétique, pratiquée par Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp et d'innombrables autres artistes dans les années 1920. cubisme synthétique se caractérise par l'introduction de différentes textures, surfaces, éléments de collage, papier collé et une grande variété d'objet fusionné.
Pendant les années entre 1910 et la fin de la Première Guerre mondiale et après l'apogée du cubisme , plusieurs mouvements ont émergé à Paris. Giorgio De Chirico a déménagé à Paris en Juillet 1911, où il a rejoint son frère Andrea (le poète et peintre connu comme Alberto Savinio ). Grâce à son frère, il a rencontré Pierre Laprade membre du jury du Salon d'Automne, où il expose trois de ses œuvres oniriques: Enigma de l'Oracle , Enigma d'un Après-midi et Self-Portrait . Au cours de 1913, il expose son travail au Salon des Indépendants et au Salon d'Automne, son travail a été remarqué par Pablo Picasso et Guillaume Apollinaire et plusieurs autres. Ses peintures fascinantes et mystérieuses sont considérés instrumentale aux débuts de Surréalisme. (voir galerie) Au cours de la première moitié du 20e siècle dans l'Europe comme maîtres Georges Braque, André Derain, et Giorgio De Chirico a continué à peindre indépendante de tout mouvement.
Pionniers de l'art moderne
Marc Chagall 1911,l'expressionnismeet surréalisme
Franz Marc 1912,Der Blaue Reiter
Robert Delaunay, 1911, Orphisme
Fernand Léger 1919,le cubisme synthétique,tubism
Dans les deux premières décennies du 20e siècle et après le cubisme , plusieurs autres mouvements importants ont émergé; futurisme ( Balla), art abstrait ( Kandinsky), Der Blaue Reiter), Bauhaus, ( Kandinsky) et ( Klee), l'orphisme, ( Robert Delaunay et František Kupka ), Synchromism ( Morgan Russell), De Stijl ( Mondrian), suprématisme ( Malevitch), le constructivisme ( Tatlin), dadaïsme ( Duchamp, Picabia, Arp) et le surréalisme ( De Chirico, André Breton, Miró, Magritte, Dalí, Ernst). La peinture moderne a influencé tous les arts visuels, de l'architecture moderniste et le design, pour le cinéma d'avant-garde, le théâtre et la danse moderne et est devenu un laboratoire expérimental pour l'expression de l'expérience visuelle, de la photographie et de la poésie concrète à l'art de la publicité et de la mode. La peinture de Van Gogh a exercé une grande influence sur 20ème siècle expressionnisme , comme on peut le voir dans le travail des Fauves, Die Brücke (un groupe dirigé par le peintre allemand Ernst Kirchner), et l'expressionnisme de Edvard Munch, Egon Schiele, Marc Chagall, Amedeo Modigliani, Soutine et d'autres ..
Wassily Kandinsky un peintre, russe graveur et théoricien de l'art, l'un des artistes les plus célèbres du 20ème siècle est généralement considéré comme le premier peintre importante de l'art abstrait moderne. Comme un moderniste précoce, à la recherche de nouveaux modes d'expression visuelle, et l'expression spirituelle, il théorisé comme l'a fait contemporains occultistes et théosophes, que l'abstraction visuelle pur avait vibrations corollaires avec le son et la musique. Ils postulé que l'abstraction pure pouvait exprimer la spiritualité pure. Ses premières abstractions étaient généralement intitulé comme l'exemple de la (ci-dessus galerie) Composition VII , faire des connexions avec le travail des compositeurs de musique. Kandinsky inclus beaucoup de ses théories sur l'art abstrait dans son livre Du Spirituel dans l'Art. Robert Delaunay a été un artiste français qui est associé à l'orphisme, (qui rappelle d'un lien entre l'abstraction pure et le cubisme). Ses œuvres ultérieures étaient plus abstraite, rappelle Paul Klee. Ses principales contributions à la peinture abstraite se réfèrent à son utilisation audacieuse de la couleur, et un amour évident de l'expérimentation à la fois la profondeur et la tonalité. À l'invitation du Wassily Kandinsky, Delaunay et son épouse l'artiste Sonia Delaunay, a rejoint Le Cavalier bleu ( Der Blaue Reiter), un Munich groupe à base d'artistes abstraits, en 1911, et son art ont pris un tour à l'abstrait.
Autres pionniers majeurs de l'abstraction début comprennent peintre russeKasimir Malevitch, qui, après laRévolution russeen 1917, et après la pression durégime stalinien en 1924 revient à la peinture des images et despaysans et des travailleurs dans le domaine, et peintre suissePaul Klee dont les expériences de couleurs magistrale fait de lui un important pionnier dela peinture abstraiteau Bauhaus.Encore d'autres pionniers importants de la peinture abstraite comprennent l'artiste suédoiseHilma af Klint, peintre tchèqueFrantišek Kupka ainsi que des artistes américainsStanton MacDonald-Wright etMorgan Russell qui, en 1912, fondèrentSynchromism, un mouvement artistique qui ressemble étroitement Orphisme.
Expressionnisme et symbolisme sont grandes rubriques qui décrit plusieurs mouvements importants et connexes dans la peinture du 20ème siècle qui a dominé une grande partie de l'art d'avant-garde étant faite dans l'Ouest, l'Est et l'Europe du Nord. Expressionnisme a été peint en grande partie entre la Première Guerre mondiale et de la Seconde Guerre mondiale, principalement en France, en Allemagne, la Norvège, la Russie, la Belgique et l'Autriche. Artistes expressionnistes sont liés à la fois surréalisme et le symbolisme et sont chacun unique et quelque peu excentrée personnelle. Fauvisme, Die Brücke et Der Blaue Reiter sont trois des groupes les plus connus de expressionnistes et symbolistes peintres.
Artistes intéressants et variés queMarc Chagall, dont la peinture Moi et le Village, (ci-dessus) raconte une histoire autobiographique qui examine la relation entre l'artiste et ses origines, avec un lexique de artistiqueSymbolisme. Gustav Klimt, Egon Schiele, Edvard Munch, Emil Nolde, Chaim Soutine, James Ensor, Oskar Kokoschka, Ernst Ludwig Kirchner, Max Beckmann, Franz Marc, Käthe Kollwitz Schmidt , Georges Rouault, Amedeo Modigliani et certains des Américains à l'étranger commeMarsden Hartley, etStuart Davis, ont été considérés comme peintres expressionnistes influents. Bien que Alberto Giacometti est principalement considéré comme un intensesurréalistesculpteur, il a fait des peintures expressionnistes intenses ainsi.
Pionniers de l'abstraction
Piet Mondrian, 1912, début deDe Stijl
Kasimir Malevich 1916,suprématisme
Theo van Doesburg 1917,De Stijl,néo-plasticisme
Stanton MacDonald-Wright 1920,Synchromism
L'art de Piet Mondrian a été également liée à ses études spirituelles et philosophiques. En 1908, il est devenu intéressé par le mouvement théosophique lancé par Helena Petrovna Blavatsky dans la fin du 19e siècle. Blavatsky croyait qu'il était possible d'atteindre une connaissance de la nature plus profonde que celle fournie par des moyens empiriques, et beaucoup de travail de Mondrian pour le reste de sa vie a été inspiré par sa quête de connaissance spirituelle.
De Stijl également connu sous lenéo-plasticisme, était un mouvement artistique néerlandaise fondée en 1917. Le terme De Stijlest utilisé pour désigner un ensemble de travaux de 1917 à 1931 fondée aux Pays-Bas.
De Stijl est aussi le nom d'un journal qui a été publié par le peintre hollandais, designer, écrivain, critique et Theo van Doesburg propager les théories du groupe. Suivant van Doesburg, les membres principaux du groupe étaient les peintres Piet Mondrian, Vilmos Huszár, et Bart van der Leck, et les architectes Gerrit Rietveld, Robert van 't Hoff, et JJP Oud. Le artistique philosophie qui a formé une base pour le travail de groupe est connu comme neoplasticism - le nouvel art plastique (ou Nieuwe Beelding en néerlandais).
Les partisans de De Stijl ont cherché à exprimer une nouvelle utopie de l'harmonie et de l'ordre spirituel. Ils ont préconisé pur abstraction et de l'universalité par une réduction à l'essentiel de la forme et de la couleur; ils simplifiées compositions visuelles pour les directions verticale et horizontale, et utilisés seulement couleurs primaires ainsi que le noir et blanc. En effet, selon la Tate Gallery 'article en ligne s sur neoplasticism, Mondrian se présente ces délimitations dans son essai «néo-plasticisme en art pictural». Il écrit: «... cette nouvelle idée en plastique va ignorer les détails de l'apparence, qui est-à-dire, la forme et la couleur naturelle. Au contraire, il devrait trouver son expression dans l'abstraction de la forme et la couleur, qui est à dire, dans la ligne droite et la couleur primaire clairement définis ". L'article Tate outre résume que cet art permet "seules couleurs primaires et non-couleurs, seuls les carrés et rectangles, que droite et ligne horizontale ou verticale." Le article en ligne du Musée Guggenheim de De Stijl résume ces traits dans des termes similaires: "Il [De Stijl] a été posé sur le principe fondamental de la géométrie de la ligne droite, le carré et le rectangle, combinée à une forte asymmetricality; l'utilisation prédominante de couleurs primaires pures avec le noir et blanc, et la relation entre les éléments positifs et négatifs un agencement de formes et de lignes non-objectives ".
Mouvement De Stijl a été influencé par cubiste la peinture ainsi que par le mysticisme et les idées sur les formes géométriques «idéales» (tels que la «ligne droite parfaite») dans la philosophie néoplatonicienne du mathématicien Schoenmaekers MHj. Les œuvres de De Stijl seraient influencer le style Bauhaus et le style international de l'architecture ainsi que des vêtements et de la décoration intérieure. Cependant, il n'a pas suivi les directives générales d'un «isme» (cubisme, le futurisme, le surréalisme), ni ne respecte les principes des écoles d'art comme Bauhaus; il était un projet collectif, une entreprise commune.
Dada et le Surréalisme
Marcel Duchamp, de 1915 à 1923, Dada
Francis Picabia 1916, Dada
André Masson, 1922, Surréalisme début
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Salvador Dalí 1927, le surréalisme (super-réalisme)
Marcel Duchamp, venu à la proéminence internationale dans le sillage de son succès notoire à la ville de New York Armory Show en 1913, (peu de temps après il a dénoncé la création artistique pour les échecs ). Après de Duchamp Nu descendant un escalier est devenu la cause célèbre internationale de 1913 montrent Armory à New York, il a créé le le grand verre, Grand Verre (voir ci-dessus). Le Grand Verre poussé l'art de la peinture à de nouvelles limites radicales étant la peinture de la pièce, une partie collage, la construction de la pièce. Duchamp est étroitement associé à l' Dada mouvement qui a commencé au neutre Zurich , en Suisse, au cours de la Première Guerre mondiale et a atteint un sommet de 1916 à 1920. Le mouvement arts oeuvrant principalement visuels, la littérature (poésie, des manifestes de l'art, théorie de l'art), le théâtre, et la conception graphique , et concentré son action anti politique de guerre par un rejet des normes en vigueur dans l'art par anti-art des œuvres culturelles. Francis Picabia (voir ci-dessus), Man Ray, Kurt Schwitters, Tristan Tzara, Hans Richter, Jean Arp, Sophie Taeuber-Arp, avec Duchamp et bien d'autres sont associés avec le mouvement dadaïste . Duchamp et plusieurs dadaïstes sont également associés avec le surréalisme, le mouvement qui a dominé la peinture européenne dans les années 1920 et 1930.
En 1924, André Breton publie le Manifeste du surréalisme. Le mouvement surréaliste dans la peinture est devenu synonyme de l' avant-garde et qui présentait des artistes dont les œuvres varient de l'abstrait à la super-réaliste. Avec des œuvres sur papier comme machine tourner rapidement , (ci-dessus) de Francis Picabia a continué son implication dans le Dada mouvement à travers 1919 à Zurich et à Paris, avant de tomber loin de lui après avoir développé un intérêt pour l'art surréaliste. Yves Tanguy, René Magritte et Salvador Dalí sont particulièrement connus pour . leurs représentations réalistes de l'imagerie de rêve et de manifestations fantastiques de l'imagination de Joan Miró Le Champs labourés de 1923-1924 accotements sur l'abstraction, cette peinture au début d'un complexe d'objets et de figures, et les arrangements de caractères sexuellement actifs; a été le premier chef d'œuvre surréaliste de Miro. Le plus abstrait Joan Miró, Jean Arp, André Masson, et Max Ernst étaient très influente, en particulier aux États-Unis durant les années 1940.
Tout au long des années 1930, le surréalisme a continué à devenir plus visible pour le grand public. Un groupe surréaliste développé en Grande-Bretagne et, selon Breton, leur 1936 Exposition internationale du surréalisme à Londres était un des hautes eaux de la période et est devenu le modèle pour les expositions internationales. Groupes surréalistes au Japon, et en particulier en Amérique latine, dans les Caraïbes et au Mexique ont produit des œuvres originales et innovantes.
Dalí et Magritte créé certaines des images les plus reconnues du mouvement. La peinture 1928/1929 Ce est pas une pipe , par Magritte est l'objet d'un Michel Foucault livre de 1973, ce est pas une pipe (édition anglaise, 1991), qui traite de la peinture et son paradoxe. Dalí a rejoint le groupe en 1929, et a participé à la mise en place rapide du style visuel entre 1930 et 1935.
Surréalisme comme un mouvement visuel avait trouvé une méthode: pour exposer la vérité psychologique en dépouillant les objets ordinaires de leur signification normale, afin de créer une image convaincante qui était au-delà de l'organisation formelle ordinaire, et de la perception, évoquant parfois l'empathie du spectateur, parfois rire et parfois l'indignation et la perplexité.
1931 a été une année lorsque plusieurs peintres surréalistes produit des œuvres qui ont marqué les points de retournement dans leur évolution stylistique: dans un exemple (voir galerie ci-dessus) des formes liquides deviennent la marque de Dalí, en particulier dans son La persistance de la mémoire , qui comporte l'image des montres qui sag comme si elles sont en train de fondre. Evocations de temps et de son mystère convaincante et l'absurdité.
Les caractéristiques de ce style - une combinaison des depictive, l'abstrait et le psychologique - sont venus à tenir pour l'aliénation que beaucoup de gens se sentaient dans lapériode moderniste, combinée avec le sentiment d'atteindre plus profondément dans la psyché, à être "faite ensemble avec un de l'individualité ".
Max Ernst dont 1920 peinture Murdering Avion , a étudié la philosophie et la psychologie à Bonn et était intéressé par les réalités alternatives éprouvées par les fous. Ses peintures pourraient avoir été inspirées par le psychanalyste Sigmund Freud l 'étude des illusions d'un paranoïaque, Daniel Paul Schreber. Freud a identifié le fantasme de Schreber de devenir une femme comme un complexe de castration. L'image centrale de deux paires de jambes se réfère aux désirs hermaphrodites de Schreber. L'inscription de Ernst sur le dos de la peinture lit comme suit: L'image est curieux en raison de sa symétrie. Les deux sexes équilibre l'autre.
Durant les années 1920 l'œuvre d'André Masson était très influent pour aider les nouveaux arrivants à Paris et jeune artiste Joan Miró trouver ses racines dans la nouvelle peinture surréaliste. Miró a reconnu dans ses lettres à son marchand Pierre Matisse l'importance de Masson comme un exemple pour lui dans ses premières années à Paris.
Longtemps après que les tensions personnelles, politiques et professionnels ont fragmenté le groupe surréaliste dans les airs et de l'éther, Magritte, Miro, Dali et les autres surréalistes continuer à définir un programme visuel dans les arts. Autres artistes surréalistes importants incluent Giorgio de Chirico, Meret Oppenheim, Toyen, Grégoire Michonze, Roberto Matta, Kay Sage, Leonora Carrington, Dorothea Tanning, et Leonor Fini, entre autres.
Entre les guerres
Egon Schiele, Symbolisme etexpressionnisme1912
Ernst KirchnerDie Brücke 1913
Amadeo Modiglianisymbolisme etexpressionnisme1917
Stuart Davis Amériquemodernisme 1922
Der Blaue Reiter était un mouvement allemand durant 1911-1914, fondamental à l'expressionisme, avec meurent Brücke qui a été fondé la décennie précédente en 1905 et était un groupe d'allemands expressionnistes des artistes formés dans Dresde en 1905. Les membres fondateurs de Die Brücke étaient Fritz Bleyl, Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner et Karl Schmidt-Rottluff. Plus tard, les membres inclus Max Pechstein, Otto Mueller et d'autres. Le groupe a été l'un de ceux séminales, qui en temps opportun ont eu un impact majeur sur l'évolution de l'art moderne au 20ème siècle et a créé le style de l'expressionnisme .
Wassily Kandinsky, Franz Marc, Août Macke, Alexej von Jawlensky, dont le tableau de la Russie danseur psychiquement expressive Portrait d' Alexander Sakharoff 1909 est dans la galerie ci-dessus, Marianne von Werefkin, Lyonel Feininger et d'autres ont fondé le groupe Der Blaue Reiter en réponse au rejet de la peinture de Kandinsky du Jugement dernier d'un exposition. Der Blaue Reiter a manqué d'un manifeste artistique central, mais a été concentré sur Kandinsky et Marc. Artistes Gabriele Münter et Paul Klee ont également participé.
Le nom du mouvement vient d'une peinture par Kandinsky a créé en 1903 (voir l'illustration). Il est également affirmé que le nom pourrait avoir dérivé de l'enthousiasme de Marc pour des chevaux et de l'amour de Kandinsky du bleu de couleur. Pour Kandinsky, le bleu est la couleur de la spiritualité: la plus sombre de la bleue, plus il réveille le désir humain pour l'éternel.
Aux Etats-Unis pendant la période entre la Première Guerre mondiale et de la Seconde Guerre mondiale peintres tendance à aller en Europe pour la reconnaissance. Des artistes tels que Marsden Hartley, Patrick Henry Bruce, Gerald Murphy et Stuart Davis, créé réputation à l'étranger. À New York, Albert Pinkham Ryder et Ralph Blakelock étaient chiffres importants et influents de la peinture américaine de pointe entre 1900 et 1920. Au cours des années 1920 le photographe Alfred Stieglitz expose Georgia O'Keeffe , Arthur Dove, Alfred Henry Maurer, Charles Demuth, John Marin et d'autres artistes, y compris European Masters Henri Matisse , Auguste Rodin , Henri Rousseau, Paul Cézanne, et Pablo Picasso , dans sa galerie du 291.
Expressionnisme et symbolisme sont grandes rubriques qui décrit plusieurs mouvements importants et connexes dans la peinture du 20ème siècle qui a dominé une grande partie de l' art d'avant-garde étant faite dans l'Ouest, l'Est et l'Europe du Nord. Expressionnisme a été peint en grande partie entre la Première Guerre mondiale et de la Seconde Guerre mondiale, principalement en France, en Allemagne, la Norvège, la Russie, la Belgique et l'Autriche. Artistes expressionnistes sont liés à la fois surréalisme et le symbolisme et sont chacun unique et quelque peu excentrée personnelle. Fauvisme, Die Brücke et Der Blaue Reiter sont trois des groupes les plus connus de expressionnistes et symbolistes peintres. Artistes intéressants et variés que Marc Chagall, Gustav Klimt, Egon Schiele, Edvard Munch, Emil Nolde, Chaim Soutine, James Ensor, Oskar Kokoschka, Ernst Ludwig Kirchner, Max Beckmann, Franz Marc, Otto Dix, Käthe Schmidt Kollwitz, Georges Rouault, Amedeo Modigliani et certains des Américains à l'étranger comme Marsden Hartley, et Stuart Davis, ont été considérés comme peintres expressionnistes influents. Bien que Alberto Giacometti est principalement considéré comme un surréaliste intense sculpteur , il a fait des peintures expressionnistes intenses de chiffres ainsi.
La conscience sociale
George Grosz, 1920,Neue Sachlichkeit
Thomas Hart Benton 1920,le régionalisme
George Bellows, 1924,réalisme américain
- Charles Demuth - La figure 5 en or (1928) .jpg
Charles Demuth 1928, AmériquePrécisionnisme (protoPop Art)
Durant les années 1920 et les années 1930 et la Grande Dépression , le surréalisme, fin cubisme, le Bauhaus, De Stijl, Dada, l'expressionnisme allemand, l'expressionnisme, et modernistes et couleur magistrale peintres comme Henri Matisse et Pierre Bonnard a caractérisé la scène artistique européenne. En Allemagne Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz et d'autres politisés leurs peintures, préfigurant l'avènement de la Seconde Guerre mondiale. Alors qu'en Amérique peinture Scène américaine et les réalisme et sociales régionalisme mouvements qui contenaient la fois le commentaire politique et social dominé le monde de l'art. Des artistes comme Ben Shahn, Thomas Hart Benton, Grant Wood, George Tooker, John Steuart Curry, Reginald Marsh, et d'autres sont devenues importantes. En Amérique latine, plus de la uruguayenne peintre Joaquín Torres García et Rufino Tamayo de Mexico, le mouvement muraliste avec Diego Rivera, David Siqueiros, José Orozco, Pedro Nel Gómez et Santiago Martinez Delgado et les peintures symbolistes par Frida Kahlo a commencé une renaissance des arts pour la région, avec une utilisation de la couleur et historique, et les messages politiques. Frida Kahlo symboliste s 'fonctionne rapportent également fortement au surréalisme et à la circulation de réalisme magique dans la littérature. Le drame psychologique dans de nombreux autoportraits de Frida Kahlo (ci-dessus) soulignent la vitalité et la pertinence de ses peintures aux artistes du 21e siècle.
American Gothic est une peinture de Grant Wood de 1930. Décrivant un agriculteur de fourche de maintien et une jeune femme en face d'une maison de style de Carpenter gothique, elle est l'une des images les plus connues au 20e siècle l'art américain. Les critiques d'art ont des opinions favorables sur la peinture, comme Gertrude Stein et Christopher Morley, ils ont assumé la peinture a été conçu pour être une satire de la vie rurale de petite ville. Il a donc été considéré comme faisant partie de la tendance vers des représentations de plus en plus critiques de l'Amérique rurale, le long des lignes de Sherwood Anderson 1919 Winesburg, Ohio , 1920 de Sinclair Lewis , rue Main , et de Carl Van Vechten Le tatoué comtesse dans la littérature. Cependant, avec le début de la Grande Dépression , la peinture est venue à être considérée comme une représentation de fermes esprit pionnier américain.
Diego Rivera est peut-être mieux connu par le monde public pour sa fresque 1933, " L'homme à la croisée des chemins ", dans le hall de l'édifice RCA au Centre Rockefeller. Lorsque son patron Nelson Rockefeller a découvert que la peinture murale inclus un portrait de Lénine et d'autres communiste imagerie, il tiré Rivera, et le travail inachevé a finalement été détruit par le personnel de Rockefeller. Le film Cradle Will Rocher comprend une dramatisation de la controverse. Frida Kahlo les travaux (de la femme de Rivera) sont souvent caractérisées par leurs portraits austères de la douleur. De ses 55 143 peintures sont des autoportraits, qui intègrent souvent des représentations symboliques de ses blessures physiques et psychologiques. Kahlo a été profondément influencé par la culture indigène mexicaine, qui est apparente dans des couleurs vives de ses peintures et le symbolisme dramatique. Thèmes chrétiens et juifs sont souvent dépeints dans son travail ainsi; elle a combiné les éléments de la classique tradition religieuse mexicaine, qui étaient souvent sanglante et violente avec- rendus surréalistes. Tandis que ses peintures ne sont pas ouvertement chrétienne - elle était, après tout, un communiste avoué - ils contiennent certainement des éléments du style Christian mexicaine macabre de peintures religieuses.
L'activisme politique était un élément important de la vie de David Siqueiros, et souvent lui a inspiré de mettre de côté sa carrière artistique. Son art était profondément enraciné dans la révolution mexicaine, une période violente et chaotique dans l'histoire du Mexique dans laquelle diverses factions sociales et politiques se sont battus pour la reconnaissance et la puissance. La période des années 1920 aux années 1950 est connu comme la Renaissance mexicaine, et Siqueiros a été actif dans la tentative de créer un art qui était à la fois mexicaine et universel. Il a brièvement abandonne la peinture pour se concentrer sur l'organisation de mineurs à Jalisco. Il a dirigé un atelier d'art politique à New York en vue de la grève générale de 1936 pour la paix et Mayday la parade. Le jeune Jackson Pollock assisté à l'atelier et a aidé à construire des flotteurs pour la parade. Entre 1937 et 1938, il a combattu dans la guerre civile espagnole aux côtés des forces républicaines espagnoles, en opposition à coup d'État militaire de Francisco Franco. Il était exilé à deux reprises en provenance du Mexique, une fois en 1932 et encore en 1940, à la suite de sa tentative d'assassinat sur Léon Trotsky .
Conflit mondial
Max Beckmann 1938-1940,l'expressionnisme
Wassily KandinskyComposition X1939,abstraction géométrique
Arshile Gorky 1929-1936, avantl'expressionnisme abstrait
Frida Kahlo, 1940, l'Amérique latine Symbolisme
Pendant les années 1930, la politique de la gauche radicale caractérisé la plupart des artistes liés au surréalisme, dont Pablo Picasso . Le 26 Avril 1937, au cours de la Guerre civile espagnole, le ville basque de Gernika a été le théâtre de la « Bombardement de Gernika "par la Légion Condor de la Luftwaffe de l'Allemagne nazie. Les Allemands attaquaient à soutenir les efforts de Francisco Franco pour renverser le gouvernement basque et le gouvernement républicain espagnol. La ville a été dévastée, si l'ensemble de Biscaye et le chêne de Gernika survécu. Pablo Picasso a peint sa fresque dimensionné Guernica pour commémorer les horreurs de l'attentat.
Dans sa forme définitive, Guernica est un immense noir et blanc, de 3,5 mètres (11 pi) de hauteur et 7,8 mètres (23 pieds) de large fresque peinte à l'huile. La murale présente une scène de la mort, de la violence, de la brutalité, de la souffrance, et d'impuissance sans dépeindre leurs causes immédiates. Le choix de peindre en contrastes noirs et blancs avec l'intensité de la scène représentée et invoque l'immédiateté d'une photo de journal. Picasso peint la peinture murale de taille appelé Guernica pour protester contre le bombardement. Le tableau a été exposé à Paris en 1937, puis la Scandinavie, puis à Londres en 1938 et enfin en 1939 à la demande de Picasso la peinture a été envoyé aux États-Unis dans un prêt à long terme (pour la garde) au MoMA. La peinture a fait une tournée des musées à travers les Etats-Unis jusqu'à son retour définitif au Musée d'Art Moderne de New York, où il a été exposé pendant près de trente ans. Enfin, en accord avec Pablo Picasso souhait de donner la peinture pour les gens de l'Espagne comme un cadeau, il a été envoyé en Espagne en 1981.
Pendant la Grande Dépression des années 1930, à travers les années de l'art américain de la Seconde Guerre mondiale a été caractérisée par le réalisme social et scène américaine (comme vu ci-dessus) dans le travail de Grant Wood, Edward Hopper, Ben Shahn, Thomas Hart Benton, et plusieurs autres. Nighthawks (1942) est un tableau d'Edward Hopper qui dépeint des gens assis dans un centre de dîner tard dans la nuit. Il est non seulement le plus célèbre tableau de Hopper, mais l'un des plus reconnaissables dans l'art américain. Il est actuellement dans la collection de la Art Institute of Chicago. La scène a été inspirée par un séjour (démoli depuis) dans Greenwich Village, le quartier de la maison de Hopper dans Manhattan. Hopper a commencé à peindre immédiatement après l'attaque de Pearl Harbour . Après cet événement, il y avait un grand sentiment de morosité dans le pays, un sentiment qui est dépeint dans la peinture. La rue urbaine est vide en dehors de la salle à manger, et à l'intérieur, aucun des trois patrons est apparemment à la recherche ou de parler aux autres, mais à la place est perdue dans ses pensées. Cette représentation de la vie urbaine moderne comme vide ou solitaire est un thème commun dans l'œuvre de Hopper.
Le dynamique pour les artistes en Europe dans les années 1930 se détériora rapidement que le pouvoir des nazis en Allemagne et en Europe de l'Est a augmenté. Le climat est devenu si hostile pour les artistes et l'art associés avec le modernisme et l'abstraction que beaucoup à gauche pour les Amériques. art dégénéré était un terme adopté par le nazi régime en Allemagne pour décrire la quasi-totalité art moderne. Cet art a été interdit au motif qu'il était un-allemand ou bolchevique juive dans la nature, et ceux identifiés comme des artistes dégénérés ont été soumis à des sanctions. Ceux-ci étant inclus démis de postes d'enseignement, étant interdit d'exposer ou de vendre leur art, et dans certains cas, être interdit de produire des art entièrement.
Art dégénéré était aussi le titre d'une exposition, montée par les nazis à Munich en 1937, composé d'œuvres modernistes chaotique guillotine et accompagnés par des étiquettes de texte moquant de l'art. Conçu pour enflammer l'opinion publique contre le modernisme, l'exposition est ensuite rendu à plusieurs autres villes en Allemagne et en Autriche. Artiste allemand Max Beckmann et des dizaines d'autres ont fui l'Europe pour New York. À New York une nouvelle génération de jeunes peintres modernistes et passionnants menés par Arshile Gorky, Willem de Kooning, et d'autres ont été commence à peine à venir de l'âge.
Le portrait de Arshile Gorky de quelqu'un qui pourrait être Willem de Kooning (ci-dessus) est un exemple de l'évolution de l'expressionnisme abstrait du contexte de la peinture de figure, le cubisme et le surréalisme. Avec ses amis de Kooning et John D. Graham Gorki créé compositions figuratives bio-morphically forme et abstraites que dans les années 1940 ont évolué en peintures totalement abstraites. Le travail de Gorki semble être une analyse minutieuse de la mémoire, de l'émotion et de la forme, en utilisant la ligne et la couleur pour exprimer des sentiments et de la nature.
Vers le milieu du siècle
- Au Bureau night.jpg
Edward HopperBureau At Night(1940),peinture à l'American Scene
- Amoskeag Canal, Sheeler.jpg
Charles Sheeler,Amoskeag Canal1948
Andrew Wyeth 1948, Réalisme
Lucian Freud 1951 - 1952, la Colombie-Peinture figurative
Les années 1940 à New York annonçaient le triomphe de l'Amérique de l'expressionnisme abstrait, un mouvement moderniste qui combine les leçons tirées de Henri Matisse , Pablo Picasso , Surréalisme, Joan Miró, le cubisme, le fauvisme, et au début du modernisme via grands maîtres en Amérique comme Hans Hofmann et John D. Graham. Artistes américains ont bénéficié de la présence de Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst et le groupe André Breton, la galerie de Pierre Matisse, et la galerie de Peggy Guggenheim The Art of This Century , ainsi que d'autres facteurs.
Post-American World Seconde Guerre peinture appelée expressionnisme abstrait inclus des artistes comme Jackson Pollock , Willem de Kooning, Arshile Gorky, Mark Rothko , Hans Hofmann, Clyfford Still, Franz Kline, Adolph Gottlieb, Mark Tobey, Barnett Newman, James Brooks, Philip Guston, Robert Motherwell, Conrad Marca-Relli, Jack Tworkov , William Baziotes, Richard Pousette-Dart, Ad Reinhardt, Hedda Sterne, Jimmy Ernst, Bradley Walker Tomlin et Theodoros Stamos, entre autres. Expressionnisme abstrait américain a obtenu son nom en 1946 de la critique d'art Robert Coates. Il est considéré comme combinant l'intensité émotionnelle et l'abnégation des expressionnistes allemands avec l'esthétique anti-figuratif des écoles abstraites européens tels que le futurisme, le Bauhaus et le cubisme synthétique. L'expressionnisme abstrait, la peinture d'action, et la peinture Couleur champs sont synonymes avec le École de New York.
Techniquement surréalisme était un prédécesseur important pour l'expressionnisme abstrait avec son accent sur spontanée, la création automatique ou subconsciente. Jackson Pollock dégoulinant de peinture s 'sur une toile posée sur le sol est une technique qui a ses racines dans le travail de André Masson. Une autre manifestation importante au début de ce qui allait être l'expressionnisme abstrait est l'œuvre de l'artiste américain Northwest Mark Tobey, en particulier ses toiles à "écriture blanche", qui, bien que généralement pas de grande échelle, d'anticiper la "all over" regard des drip paintings de Pollock.
L'expressionnisme abstrait
Willem De Kooning 1952-1953Figuratif de l'expressionnisme abstrait
Jackson Pollock , No. 5, 1948 , l'expressionnisme abstrait
Franz Kline 1954 l'action painting
Barnett Newman,Voix de feu, 1967,Couleur Champ - expressionnisme abstrait
En outre, L'expressionnisme abstrait a une image d'être rebelle, anarchique, très singulier et, certains se sentent plutôt nihiliste. Dans la pratique, le terme est appliqué à un certain nombre d'artistes travaillant (surtout) à New York qui avaient styles assez différents, et même à des œuvres qui ne sont pas particulièrement abstraite, ni expressionniste. Énergétiques "de Pollock peintures d'action ", avec une ambiance" occupé ", sont différents à la fois techniquement et esthétiquement, à l'violentes et grotesques femmes série de Willem de Kooning. Comme on le voit ci-dessus dans la galerie Femme V est l'un d'une série de six peintures réalisées par de Kooning entre 1950 et 1953 qui dépeignent un personnage féminin de trois-quarts. Il a commencé le premier de ces peintures, femme Je collection: Le Museum of Modern Art, New York City, en Juin 1950, changeant à plusieurs reprises et la peinture de l'image jusqu'à ce que Janvier ou Février 1952, quand le tableau a été abandonné inachevé. L'historien d'art Meyer Schapiro a vu la peinture dans l'atelier de de Kooning peu après et a encouragé l'artiste à persister. La réponse de De Kooning devait commencer trois autres tableaux sur le même thème; Femme II collection: Le Museum of Modern Art, New York City, Femme III , Musée d'art contemporain de Téhéran, Femme IV , Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City, Missouri. cours de l'été 1952, passé à East Hampton , de Kooning en outre exploré le thème à travers des dessins et des pastels. Il a peut-être fini le travail sur femme Je ici la fin de Juin, ou peut-être le plus tard Novembre 1952, et probablement les trois autres femmes photos ont été conclus à peu près au même moment. Les séries de femme sont décidément peintures figuratives. Un autre artiste important est Franz Kline, comme démontré par sa peinture Numéro 2 , 1954 (voir galerie) comme Jackson Pollock et d'autres expressionnistes abstraits, a été marqué d'un «peintre d'action» en raison de son style en apparence spontanée et intense, se concentrant moins, ou pas à tous, sur des chiffres ou des images, mais sur les coups de pinceau réelles et l'utilisation de la toile.
Clyfford Still,Barnett Newman, (voir ci-dessus),Adolph Gottlieb, et les blocs sereinement chatoyantes de couleurs àMark Rothkotravail de l '(qui ne sont pas ce qui serait normalement appelé expressionniste et qui Rothko était refusée abstraite), sont classés comme des expressionnistes abstraits , mais de ce queClement Greenberg appeléedirection Coloration Champ de l'expressionnisme abstrait. Les deux Hans Hofmann (voir la galerie) etRobert Motherwell (galerie) peut être confortablement décrit comme praticiens del'action painting et la peinture Coloration Champ.
L'expressionnisme abstrait a de nombreuses similitudes stylistiques avec les artistes russes du début du 20e siècle tels que Wassily Kandinsky. Bien qu'il soit vrai que la spontanéité ou de l'impression de spontanéité caractérisent la plupart des expressionnistes abstraits œuvres, la plupart de ces peintures impliqués planification minutieuse, surtout depuis leur grande taille exigeait. Une exception pourrait être les drip paintings de Pollock.
Pourquoi ce style a gagné l'acceptation dans le courant des années 1950 est un sujet de débat. Américain réalisme social avait été le grand public dans les années 1930. Il avait été influencée non seulement par la Grande Dépression , mais aussi par les réalistes sociaux du Mexique, tels que David Alfaro Siqueiros et Diego Rivera. le climat politique après la Seconde Guerre mondiale n'a pas tolérer longtemps les protestations sociales de ces peintres. L'expressionnisme abstrait né pendant la Seconde Guerre mondiale et a commencé à être présenté au début des années 1940 dans des galeries à New York comme l'art de cette galerie siècle . La fin des années 1940 jusqu'au milieu des années 1950 a marqué le début de la ère McCarthy. Il était après la Seconde Guerre mondiale et un temps de conservatisme politique et la censure artistique extrême aux États-Unis. Certaines personnes ont conjecturé que depuis l'objet était souvent totalement abstrait, L'expressionnisme abstrait est devenu une stratégie sûre pour les artistes à poursuivre ce style. L'art abstrait peut être considéré comme apolitique. Ou si l'art est politique, le message était en grande partie pour les initiés. Toutefois, ces théoriciens sont en minorité. Comme la première école vraiment original de la peinture en Amérique, L'expressionnisme abstrait démontré la vitalité et la créativité du pays dans les années d'après-guerre, ainsi que sa capacité (ou besoin) de développer un sens de l'esthétique qui n'a pas été contraint par les normes européennes de la beauté.
Bien expressionnisme abstrait se propager rapidement à travers les États-Unis, les grands centres de ce style étaient à New York et en Californie, en particulier dans l' école de New York, et la baie de San Francisco. Peintures expressionnistes abstraits partagent certaines caractéristiques, y compris l'utilisation de grandes toiles, une approche «all-over», dans lequel toute la toile est traitée avec une importance égale (par opposition au centre être plus d'intérêt que les bords. La toile que le Arena est devenu un credo de la peinture d'action, tandis que le intégrité du plan de l'image est devenue un credo des peintres Couleur terrain.
Durant les années 1950 la peinture Coloration Champ d'abord renvoyé à un type particulier de l'expressionnisme abstrait, en particulier le travail de Mark Rothko , Clyfford Still, Barnett Newman, Robert Motherwell et Adolph Gottlieb. Il décrit essentiellement des peintures abstraites avec de grandes étendues, aplats de couleurs qui expriment les sentiments et les propriétés de grandes zones de surface nuancée sensuelles et visuels. Critique d'art Clement Greenberg perçu peinture Color Field comme liée à, mais différente de la peinture action. L'étendue globale et gestalt du travail des premiers peintres de terrain de couleur parle d'une expérience presque religieuse, émerveillé face à un univers en expansion de la sensualité, de la couleur et de la surface. Pendant les premiers à la mi-1960 la peinture Coloration Champ était le terme utilisé pour décrire des artistes comme Jules Olitski, Kenneth Noland, et Helen Frankenthaler, dont les œuvres ont été liées à la deuxième génération expressionnisme abstrait et de jeunes artistes comme Larry Zox, et Frank Stella, - tout mouvement dans une nouvelle direction. Des artistes comme Clyfford Still, Mark Rothko , Hans Hofmann, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Larry Zox, et autres références souvent utilisés considérablement réduit à la nature, et ils ont peint avec une utilisation très articulé et psychologique de la couleur. En général, ces artistes éliminés images reconnaissables. Dans les montagnes et la mer , à partir de 1952, (voir ci-dessus) un ouvrage précurseur de la peinture Couleur terrain par Helen Frankenthaler l'artiste a utilisé la technique de coloration pour la première fois.
En Europe, il était la poursuite du surréalisme, le cubisme, le dadaïsme et les œuvres de Matisse . Toujours en Europe, tachisme (l'équivalent européen de l'expressionnisme abstrait) saisit la nouvelle génération. Serge Poliakoff, Nicolas de Staël, Georges Mathieu, Vieira da Silva, Jean Dubuffet, Yves Klein et Pierre Soulages entre autres sont considérés comme des figures importantes de la peinture européenne d'après-guerre.
Finalement, la peinture abstraite en Amérique a évolué dans des mouvements tels que Neo-Dada, la peinture Coloration Champ, Poster abstraction picturale, Op art, la peinture hard-edge, l'art minimal, peinture sur toile en forme, Abstraction Lyrique, néo-expressionnisme et la poursuite de l'expressionnisme abstrait. En réponse à la tendance à l'imagerie de l'abstraction a émergé à travers différents nouveaux mouvements, notamment le Pop art.
Pop Art
Jasper Johns 1954-1955 pré- Pop Art
Roy Lichtenstein, 1963 Pop Art
Andy Warhol1962,Pop Art (répétition)
David Hockney1967, anglais Pop Art
Le terme "pop art" a été utilisé par Lawrence Alloway en Angleterre en 1958 pour décrire les peintures qui ont célébré le consumérisme de l'époque de la Seconde Guerre mondiale après. Ce mouvement a rejeté l'expressionnisme abstrait et sa focalisation sur l'herméneutique et de l'intérieur psychologique, en faveur de l'art qui dépeint, et souvent la culture de consommation de matières célèbre, la publicité, et l'iconographie de l'âge de la production de masse. Les premières oeuvres de David Hockney et les œuvres de Richard Hamilton Peter Blake et Eduardo Paolozzi ont été considérés comme des exemples séminales dans le mouvement.
Pop art en Amérique a été dans une large mesure d'abord inspiré par les oeuvres de Jasper Johns, Larry Rivers, et Robert Rauschenberg. Bien que les peintures de Gerald Murphy, Stuart Davis et Charles Demuth pendant les années 1920 et 1930, mettre la table pour le pop art en Amérique. À New York au milieu des années 1950, Robert Rauschenberg et Jasper Johns créé des œuvres d'art qui, à première semblaient être des suites de la peinture abstraite expressionniste. En fait, leurs œuvres et le travail de Larry Rivers, étaient départs radicaux de l'expressionnisme abstrait en particulier dans l'utilisation de l'imagerie banal et littérale et l'inclusion et la combinaison de matériaux ordinaires dans leur travail. Les innovations spécifiques d'utilisation de Johns, de différentes images et des objets comme des chaises, des chiffres, des cibles, des canettes de bière et le drapeau américain; Rivers peintures de sujets tirés de la culture populaire telles que George Washington traversant le Delaware, et ses inclusions d'images de la publicité comme le chameau de cigarettes Camel, et les constructions surprenantes de Rauschenberg utilisant inclusions d'objets et de photos prises à partir de la culture populaire, les quincailleries, les parcs à ferrailles, rues de la ville, et la taxidermie ont donné lieu à un nouveau mouvement radical dans l'art américain. Finalement, par 1963, le mouvement est venu à être connu dans le monde entier comme le pop art.
Du pop art américain est illustrée par des artistes: Andy Warhol , Claes Oldenburg, Wayne Thiebaud, James Rosenquist, Jim Dine, Tom Wesselmann et Roy Lichtenstein entre autres. Pop art fusionne la culture populaire et de masse avec les beaux-arts, tout en injectant humour, l'ironie et l'imagerie reconnaissable et contenu dans le mélange. En Octobre 1962, la galerie Sidney Janis monté Les Nouveaux Réalistes la première grande exposition de groupe de pop art dans une galerie d'art uptown à New York. Sidney Janis monté l'exposition dans une vitrine de la 57ème rue à proximité de sa galerie à 15 E. 57th Street. Le spectacle a envoyé des ondes de choc à travers l' école de New York et a résonné dans le monde entier. Un historique important et novateur tôt à l'automne de 1962 New peinture d'objets communs exposition du pop art, organisée par Walter Hopps au Pasadena Art Museum a envoyé des ondes de choc à travers l'Ouest des États-Unis.
Alors que dans la scène du centre-ville en ville de New York East Village 10th Street artistes de galeries ont été la formulation d'une version américaine du Pop Art. Claes Oldenburg avait sa vitrine, et la Galerie vert sur la 57e rue a commencé à montrer Tom Wesselmann et James Rosenquist. Plus tard Leo Castelli expose d'autres artistes américains y compris la majeure partie de la carrière d'Andy Warhol et Roy Lichtenstein et son utilisation de points Benday, une technique utilisée dans la reproduction commerciale. Il ya un lien entre les œuvres radicales de Duchamp et Man Ray, les dadaïstes rebelles - avec un sens de l'humour; et les artistes pop comme Alex Katz (qui est devenu connu pour sa parodie de la photographie de portrait et de la vie de banlieue), Claes Oldenburg, Andy Warhol, Roy Lichtenstein et les autres.
Alors que tout au long du 20e siècle, de nombreux peintres ont continué à pratiquer le paysage et la peinture figurative avec des sujets contemporains et une technique solide, comme Milton Avery, John Graham, Fairfield Porter, Edward Hopper, Balthus, Francis Bacon, Nicolas de Staël,Andrew Wyeth,Lucian Freud,Frank Auerbach,Philip Pearlstein,David Park,Nathan Oliveira,David Hockney,Malcolm Morley,Richard Estes,Ralph Goings,Audrey Flack,Chuck Close,Susan Rothenberg, Eric Fischl, Vija Celmins etRichard Diebenkorn.
Figuratif, Paysage, Nature morte, et le réalisme
- Summertime Hopper.jpg
Edward Hopper, 1943,Summertime, Paysage urbain
Balthus, 1951,figurativeexpressionniste
Milton Avery, 1958, paysage
Francis Bacon 1953, la Colombie-expressionnisme
Pendant les années 1930 et les années 1960 la peinture abstraite en Amérique et en Europe a évolué dans des mouvements tels que l'expressionnisme abstrait, la peinture Coloration Champ, Poster abstraction picturale, Op art, la peinture hard-edge, l'art minimal, peinture sur toile en forme, et de l'abstraction lyrique. D'autres artistes ont réagi comme une réponse à la tendance vers l'abstraction, ce qui permet l'imagerie figurative pour continuer à travers divers contextes nouveaux, comme le Mouvement Figuratif Bay Area dans les années 1950 et les nouvelles formes de l'expressionnisme des années 1940 aux années 1960. En Italie, pendant ce temps, Giorgio Morandi était le premier peintre encore de la vie, explorer une grande variété d'approches de bouteilles représentant la vie quotidienne et ustensiles de cuisine. Tout au long du 20e siècle, de nombreux peintres pratiquaient Réalisme et utilisées images expressives; pratiquer le paysage et la peinture figurative avec des sujets contemporains et une technique solide, et l'expressivité unique, comme peintre de natures mortes de Giorgio Morandi, Milton Avery, John Graham, Fairfield Porter, Edward Hopper, Andrew Wyeth, Balthus, Francis Bacon, Leon Kossoff, Frank Auerbach, Lucian Freud, Philip Pearlstein, Willem de Kooning, Arshile Gorky, Grâce Hartigan, Robert De Niro, Sr., Elaine de Kooning et d'autres. Avec Henri Matisse , Pablo Picasso , Pierre Bonnard, Georges Braque, et d'autres maîtres du 20e siècle.
Étude après de Velázquez le portrait du pape Innocent X , 1953 (voir ci-dessus) est une peinture par l'artiste irlandais né Francis Bacon et est un exemple de Postes Seconde Guerre mondiale européenne expressionnisme . Le travail montre une version déformée du Portrait d'Innocent X peint par l'artiste espagnol Diego Velázquez en 1650. Le travail est l'un d'une série de variantes de la peinture Velázquez qui Bacon exécuté tout au long des années 1950 et au début des années 1960, sur un total de quarante -cinq œuvres. Lorsqu'on lui demande pourquoi il a été contraint de réexaminer la question si souvent, Bacon a répondu qu'il n'a rien contre les papes, qu'il a simplement "voulait une excuse pour utiliser ces couleurs, et vous ne pouvez pas donner des vêtements ordinaires que la couleur pourpre sans entrer dans un sorte de fausse manière fauve ". Le Pape dans cette version bouillonne de colère et d'agressivité, et les couleurs sombres donnent l'image un aspect grotesque et cauchemardesque. Les rideaux plissés de la toile de fond sont rendus transparents, et semblent tomber à travers le visage du pape.
Peintre italien Giorgio Morandi était un important du 20e siècle, des pionniers du minimalisme. Né à Bologne, en Italie en 1890, tout au long de sa carrière, Morandi concentrée presque exclusivement sur mortes et de paysages, à l'exception de quelques autoportraits. Avec une grande sensibilité à la tonalité, la couleur, et équilibre de la composition, il serait dépeindre les mêmes bouteilles et vases familiers encore et encore dans les peintures remarquables pour leur simplicité d'exécution. Morandi exécuté 133 gravures, un important corpus de travail dans son propre droit, et ses dessins et aquarelles approcher l'abstraction, souvent dans leur économie de moyens. Par son motifs simples et répétitives et l'utilisation économique de la couleur, de la valeur et de la surface, Morandi est devenu un précurseur visionnaire et important de minimalisme. Il mourut à Bologne en 1964.
Après la Seconde Guerre mondiale le terme École de Paris appelle souvent le tachisme, l'équivalent européen de l'expressionnisme abstrait américain et ces artistes sont également liés à Cobra. Promoteurs importants étant Jean Dubuffet, Pierre Soulages, Nicolas de Staël, Hans Hartung, Serge Poliakoff, et Georges Mathieu, parmi plusieurs autres. Pendant les premières années 1950 Dubuffet (qui a toujours été un artiste figuratif), et de Staël, abandonné l'abstraction, et retournés à l'imagerie via figuration et paysage. Le travail de De Staël a été rapidement reconnue dans le monde de l'art d'après-guerre, et il est devenu l'un des artistes les plus influents des années 1950. Son retour à la représentation (paysages marins, les footballeurs, les musiciens de jazz, mouettes) pendant les années 1950 peut être considérée comme un précédent influence de l'American Mouvement Figuratif Bay Area, comme beaucoup de ces peintres abstraits comme Richard Diebenkorn, David Park, Elmer Bischoff, Wayne Thiebaud, Nathan Oliveira, Joan Brown et d'autres a fait un geste similaire; retour à l'imagerie au milieu des années 1950. Une grande partie de de Staël 'œuvre tardive s - en particulier son amincie, et dilué huile sur toile des paysages abstraits de la mi-1950 prédit la peinture Couleur de terrain et l'abstraction lyrique des années 1960 et 1970. Nicolas de Staël 's couleur audacieuse et intensément vivante dans ses dernières peintures prédisent la direction d'une grande partie de la peinture contemporaine qui venait après lui, y compris pop art des années 1960.
Art brut, Nouveau Réalisme, Mouvement Figuratif Bay Area, néo-Dada, photoréalisme
Jean Dubuffet, 1962,Art Brut
Richard Diebenkorn 1963,École de San Francisco
Richard Estes 1968 Photoréalisme
Fairfield Porter 1971-1972, La Côte Est Peinture figurative
Pendant les années 1950 et 1960 que la peinture abstraite en Amérique et en Europe évolué dans des mouvements tels que la peinture Coloration Champ, abstraction post-picturale, op art, la peinture hard-edge, l'art minimal, peinture sur toile en forme, l'abstraction lyrique, et la poursuite de l'expressionnisme abstrait . D'autres artistes ont réagi comme une réponse à la tendance vers l'abstraction avec l'art brut, fluxus, néo-Dada, Nouveau Réalisme, permettant l'imagerie pour réapparaître à travers divers contextes nouveaux, comme le pop art, le Mouvement Figuratif Bay Area et plus tard dans les années 1970 néo- expressionnisme. Le Mouvement Figuratif Bay Area dont David Park, Elmer Bischoff, Nathan Oliveira et Richard Diebenkorn dont la peinture Paysage urbain 1 1963 est un exemple typique (voir ci-dessus) étaient influents membres prospéré pendant les années 1950 et 1960 en Californie . Bien que tout au long du 20ème siècle peintres ont continué à pratiquer Réalisme et l'utilisation des images, paysage et pratiquer la peinture figurative avec des sujets contemporains et une technique solide, et l'expressivité unique, comme Milton Avery, Edward Hopper, Jean Dubuffet, Francis Bacon, Frank Auerbach, Lucian Freud, Philip Pearlstein, et d'autres. Les jeunes peintres ont pratiqué l'utilisation de l'imagerie dans des façons nouvelles et radicales. Yves Klein, Arman, Martial Raysse, Christo, Niki de Saint Phalle, David Hockney , Alex Katz, Malcolm Morley, Ralph Goings, Audrey Flack, Richard Estes, Chuck Close, Susan Rothenberg, Eric Fischl, et Vija Celmins étaient quelques-uns qui est devenue importante entre les années 1960 et 1980. Fairfield Porter (voir ci-dessus) était en grande partie autodidacte, et produites travail de représentation dans le milieu de la mouvement expressionniste abstrait. Ses sujets étaient principalement des paysages, des intérieurs résidentiels et des portraits de famille, les amis et collègues artistes, beaucoup d'entre eux affilié à l' Ecole de New York des écrivains, y compris John Ashbery, Frank O'Hara, et James Schuyler. Beaucoup de ses tableaux ont été mis dans ou autour de la maison d'été de la famille sur la Grande-Spruce Head Island, Maine.
Aussi pendant les années 1960 et 1970, il y avait une réaction contre la peinture. Des critiques comme Douglas Crimp consulté le travail d'artistes comme Ad Reinhardt, et déclaré la «mort de la peinture». Les artistes ont commencé à pratiquer de nouvelles façons de faire de l'art. De nouveaux mouvements pris de l'importance dont certains sont: Postminimalisme, l'art de la Terre, l'art vidéo, art de l'installation, l'arte povera, art de la performance, l'art corporel, fluxus, mail art, les situationnistes et l'art conceptuel, entre autres.
Neo-Dada est aussi un mouvement qui a commencé 1n les années 1950 et 1960 et a été liée à l'expressionnisme abstrait seulement avec des images. Doté l'émergence de produits manufacturés combinées, avec des matériaux de l'artiste, se déplaçant loin de conventions antérieures de la peinture. Cette tendance dans l'art est illustré par le travail de Jasper Johns et Robert Rauschenberg, dont la "combine" dans les années 1950 ont été des précurseurs du Pop Art et l'art de l'installation et de l'utilisation faite de l'assemblage de grands objets physiques, y compris les animaux empaillés, des oiseaux et commerciale . la photographie Robert Rauschenberg, (voir untitled combinent , 1963, ci-dessus), Jasper Johns, Larry Rivers, John Chamberlain, Claes Oldenburg, George Segal, Jim Dine, et Edward Kienholz entre autres étaient des pionniers importants de fois abstraction et Pop Art; la création de nouvelles conventions de l'art de décisions; ils ont fait acceptable dans les milieux de l'art contemporain graves l'inclusion radicale de matériaux improbables comme des parties de leurs œuvres d'art.
Nouveau abstraction des années 1950 jusqu'aux années 1980
Ellsworth Kelly, 1951,peinture de Dur-bord
Yves Klein, 1962,peinture monochrome
Josef Albers 1965,abstraction géométrique
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Richard Anuszkiewicz 1985Op Art
Peinture Coloration Champ clairement pointé vers une nouvelle direction dans la peinture américaine, loin de l'expressionnisme abstrait. Peinture Couleur champ est lié à l'abstraction post-picturale, suprématisme, l'expressionnisme abstrait, la peinture hard-edge et l'abstraction lyrique.
Pendant les années 1960 et 1970 la peinture abstraite a continué à se développer en Amérique à travers les styles variés. L'abstraction géométrique, Op art, la peinture hard-edge, peinture couleur sur le terrain et la peinture minimale, certaines directions étaient interdépendants pour la peinture abstraite de pointe ainsi que d'autres nouveaux mouvements. Morris Louis était un pionnier important dans avancé peinture domaine de la couleur, son travail peut servir de pont entre l'expressionnisme abstrait, la peinture Couleur Field et l'art minimal. Deux enseignants influents Josef Albers et Hans Hofmann introduit une nouvelle génération d'artistes américains à leurs théories avancées de la couleur et de l'espace. Josef Albers est surtout connu pour son travail comme un peintre abstractionist géométrique et théoricien. Le plus célèbre de tous sont les centaines de peintures et de gravures qui composent la série Hommage au carré , (voir galerie). Dans cette série rigoureuse, commencé en 1949, Albers exploré les interactions chromatiques avec des carrés de couleur plates disposées de façon concentrique sur la toile. Les théories Albers sur l'art et l'éducation étaient formative pour la prochaine génération d'artistes. Ses propres peintures constituent le fondement à la fois de la peinture hard-edge et l'Op art.
Josef Albers, Hans Hofmann,Ilya Bolotowsky,Burgoyne Diller,Victor Vasarely,Bridget Riley,Richard Anuszkiewicz,Frank Stella,Morris Louis, Kenneth Noland, Ellsworth Kelly, Barnett Newman, Larry Poons,Ronald Davis,Larry Zox,Al Held et quelques autres commeMino Argento, sont artistes étroitement associée àL'abstraction géométrique, Op art, la peinture Couleur Field et dans le cas de Hofmann et Newman expressionnisme abstrait ainsi.
En 1965, une exposition intitulée Le Responsive Eye , organisée par William C. Seitz, a eu lieu au Museum of Modern Art, à New York. Les œuvres présentées ont été très variés, englobant le minimalisme de Frank Stella, l'Op art de Larry Poons, le travail d' Alexander Liberman, aux côtés des maîtres du mouvement Op Art: Victor Vasarely, Richard Anuszkiewicz, Bridget Riley et autres. L'exposition concentrée sur les aspects perceptifs de l'art, qui résultent à la fois de l'illusion du mouvement et l'interaction des relations entre les couleurs. Op art, aussi connu comme l'art optique, est utilisé pour décrire certaines peintures et autres œuvres d'art qui utilisent des illusions d'optique. Op art est aussi étroitement apparenté à abstraction géométrique et la peinture hard-edge. Bien que parfois le terme utilisé pour cela est l'abstraction perceptuelle.
Op art est une méthode de peinture sur l'interaction entre l'illusion et de l'image plane, entre la compréhension et de voir. Op œuvres sont abstraites, avec la plupart des morceaux les plus connus faites uniquement en noir et blanc. Lorsque le spectateur regarde, on donne l'impression de mouvement, des images cachées, clignotant et les vibrations, les modèles, ou alternativement, de gonflement ou de déformation.
Peinture Coloration Champ cherché à débarrasser l'art de la rhétorique superflue. Des artistes comme Clyfford Still, Mark Rothko , Hans Hofmann, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Larry Zox, et autres références souvent utilisés considérablement réduit à la nature, et ils ont peint avec une utilisation très articulé et psychologique de la couleur. En général, ces artistes éliminés images reconnaissables. Certains artistes cités références à l'art du passé ou du présent, mais en général, la peinture de domaine de la couleur présente l'abstraction comme une fin en soi. Dans la poursuite de ce sens de l'art moderne, les artistes voulaient présenter chaque peinture comme un unifiée, cohérente, l'image monolithique.
Frank Stella, Kenneth Noland, Ellsworth Kelly, Barnett Newman, Ronald Davis, Neil Williams, Robert Mangold, Charles Hinman, Richard Tuttle, David Novros, et Al Aimer sont des exemples d'artistes associés à l'utilisation de la toile en forme au cours de la période commençant au début des années 1960. Beaucoup abstrait géométrique artistes, minimalistes et peintres hard-edge élus d'utiliser les bords de l'image pour définir la forme de la peinture plutôt que d'accepter le format rectangulaire. En fait, l'utilisation de la toile en forme est principalement associée avec des peintures des années 1960 et 1970 qui sont froidement abstraite , formelle, géométrique, objectif, rationaliste, épuré, brashly tranchant, ou minimaliste caractère. La Galerie André Emmerich, la Galerie Léo Castelli, Richard Feigen Gallery, et le Park Place Gallery étaient vitrines importantes pour la peinture Coloration Champ, peinture sur toile en forme et de l'abstraction lyrique à New York dans les années 1960. Il ya un lien avec l'abstraction post-picturale, qui a réagi contre le mysticisme de expressionisms abstraites, hyper-subjectivité, et l'accent mis sur faire l'acte de peindre lui-même visible de manière dramatique - ainsi que l'acceptation solennelle du rectangle plat comme une condition quasi rituelle pour peinture grave. Pendant les années 1960 la peinture et la couleur Champ Minimal art ont souvent été étroitement associé à l'autre. En réalité par les début des années 1970 les deux mouvements sont devenus décidément diversifiée.
Washington École Couleur, forme Toile, Abstrait illusionnisme, l'abstraction lyrique
Gene Davis 1964,Washington école Couleur
Frank Stella 1967,en forme de toile
Ronald Davis 1968Résumé illusionnisme
Ronnie Landfield 1968,l'Abstraction Lyrique
Un autre mouvement connexe de la fin des années 1960 l'abstraction lyrique européenne est un terme qui a été emprunté par Larry Aldrich (le fondateur du Musée d'art contemporain Aldrich, Ridgefield Connecticut) en 1969 pour décrire ce Aldrich dit qu'il a vu dans les studios de nombreux artistes à cette époque . Il est aussi le nom d'une exposition qui a pris naissance dans l'Aldrich Museum et a voyagé à la Whitney Museum of American Art et d'autres musées aux États-Unis entre 1969 et 1971.
Abstraction Lyrique dans la fin des années 1960 est caractérisée par les peintures de Dan Christensen, Ronnie Landfield, Peter Young et d'autres, et avec le mouvement Fluxus et Postminimalisme (un terme inventé par Robert abord Pincus-Witten dans les pages de Artforum en 1969) a cherché à étendre les limites de résumé la peinture et le minimalisme en mettant l'accent sur le processus, de nouveaux matériaux et de nouveaux moyens d'expression. Postminimalisme incorporant souvent des matériaux industriels, les matières premières, des fabrications, des objets trouvés, l'installation, la répétition de série, et souvent avec des références à Dada et le surréalisme est le meilleur exemple dans les sculptures de Eva Hesse. Abstraction Lyrique, art conceptuel, Postminimalisme, l'art de la Terre, la vidéo, la performance, l'art d'installation, ainsi que la poursuite de Fluxus, l'expressionnisme abstrait, la peinture Coloration Champ, hard-edge peinture, l'art minimal, art op, pop art, photoréalisme et Nouveau Réalisme a étendu la limites de l'art contemporain dans le milieu des années 1960 à 1970. Abstraction lyrique est un type de peinture abstraite roue libre qui a émergé au milieu des années 1960, lorsque peintres abstraits retournés à diverses formes de pictural, picturale, l'expressionnisme avec un accent prédominant sur le processus, la gestalt et les stratégies de composition répétitifs en général.
Abstraction lyrique part des similitudes avec la peinture de domaine de la couleur et de l'expressionnisme abstrait, l'abstraction lyrique comme en témoignent les 1 968 peinture Ronnie Landfield Pour William Blake , (ci-dessus), en particulier dans l'utilisation roue libre de peinture - texture et de surface. Dessin direct, l'utilisation du trait calligraphique, les effets de la brossé, éclaboussé, souillé, une raclette, versé, et la peinture éclaboussé ressemblent superficiellement les effets observés chez l'expressionnisme abstrait et la peinture de domaine de la couleur. Cependant, les styles sont très différents. Ce qui le distingue de expressionnisme abstrait et la peinture d'action des années 1940 et 1950 est l'approche à la composition et le drame. Comme on le voit dans la peinture d'action, il ya un accent sur les coups de pinceau, un grand drame de la composition, de la tension de composition dynamique. Alors que dans l'abstraction lyrique, il ya un sens de la composition aléatoire, partout dans la composition, discret et le drame de composition détendue et l'accent mis sur le processus, la répétition, et une toute sensibilité.,
Peinture de Dur-bord, le minimalisme, Postminimalisme, peinture monochrome
Larry Poons, ca. 1964, peinture de Dur-bord
Robert Mangold 1981, Minimalisme
Richard Tuttle, 1967,Postminimalisme
Brice Marden, 1966/1986,la peinture monochrome
Agnes Martin, Robert Mangold (voir ci-dessus), Brice Marden, Jo Baer, Robert Ryman, Richard Tuttle, Neil Williams, David Novros, Paul Mogenson, sont des exemples d'artistes associés à Minimalisme et (exceptions de Martin, Baer et Marden) l'utilisation de la toile en forme également au cours de la période commençant au début des années 1960. Beaucoup artistes géométriques abstraites, minimalistes et peintres hard-edge élus d'utiliser les bords de l'image pour définir la forme de la peinture plutôt que d'accepter le format rectangulaire. En fait, l'utilisation de la toile en forme est principalement associée avec des peintures des années 1960 et 1970 qui sont froidement abstraite, formelle, géométrique, objectif, rationaliste, épuré, brashly tranchant, ou minimaliste caractère. Le Bykert Gallery, et le Park Place Gallery étaient vitrines importantes pour le minimalisme et la peinture de toile en forme à New York dans les années 1960.
Pendant les années 1960 et 1970 des artistes tels que Robert Motherwell, Adolph Gottlieb,Phillip Guston,Lee Krasner, Cy Twombly, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Richard Diebenkorn, Josef Albers, Elmer Bischoff, Agnes Martin,Al Held, Sam Francis, Ellsworth Kelly,Morris Louis, Helen Frankenthaler, Gene Davis,Frank Stella, Kenneth Noland, Joan Mitchell,Friedel Dzubas, et les jeunes artistes comme Brice Marden,Robert Mangold,Sam Gilliam,Sean Scully,Pat Steir,Elizabeth Murray,Larry Poons, Walter Darby Bannard, Larry Zox, Ronnie Landfield, Ronald Davis,Dan Christensen, Joan Snyder,Ross Bleckner,Archie Rand,Susan Crile, et des dizaines d'autres produit un large variété de peintures.
Pendant les années 1960 et 1970, il y avait une réaction contre la peinture abstraite. Certains critiques ont vu le travail d'artistes comme Ad Reinhardt, et déclaré la «mort de la peinture». Les artistes ont commencé à pratiquer de nouvelles façons de faire de l'art. De nouveaux mouvements pris de l'importance dont certains sont: Postminimalisme, l'art de la Terre, l'art vidéo, art de l'installation, l'arte povera, art de la performance, l'art corporel, fluxus, mail art, les situationnistes et l'art conceptuel, entre autres.
Cependant encore d'autres innovations importantes dans la peinture abstraite ont eu lieu pendant les années 1960 et les années 1970, caractérisées par la peinture monochrome et la peinture hard-edge inspiré par Ad Reinhardt, Barnett Newman, Milton Resnick, et Ellsworth Kelly. Artistes aussi divers que Agnes Martin, Al Held, Larry Zox, Frank Stella, Larry Poons, Brice Marden et d'autres explorent la puissance de simplification. La convergence de la peinture Coloration Champ, art minimal, peinture hard-edge, l'abstraction lyrique, et Postminimalisme floue la distinction entre les mouvements qui sont devenus plus apparents dans les années 1980 et 1990. Le mouvement néo-expressionnisme est liée à des développements antérieurs à l'expressionnisme abstrait, le néo- Dada, l'abstraction lyrique et la peinture de postminimaliste.
Neo Expressionnisme
Philip Guston 1972, pré-néo-expressionnisme
Susan Rothenberg 1979,néo-expressionnisme
Eric Fischl 1981, Figuratifnéo-expressionnisme
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Anselm Kiefer 1983 européennenéo-expressionnisme
À la fin des années 1960, le peintre expressionniste abstrait Philip Guston a aidé à diriger une transition de l'expressionnisme abstrait au néo-expressionnisme dans la peinture, l'abandon de la soi-disant «pure abstraction" de l'expressionnisme abstrait en faveur des rendus plus caricaturales de divers symboles et objets personnels. Ces œuvres ont été source d'inspiration pour une nouvelle génération de peintres intéressés par une reprise de l'imagerie expressive. Sa peinture peinture, de fumer, manger de 1973, vu ci-dessus dans la galerie est un exemple de la déclaration finale et concluante de Guston à la représentation.
À la fin des années 1970 et au début des années 1980, il y avait aussi un retour à la peinture qui a eu lieu presque simultanément en Italie, Allemagne, France et Grande-Bretagne . Ces mouvements ont été appelés Transavantguardia, Neue Wilde, la Figuration Libre, néo-expressionnisme, l'école de Londres, et à la fin des années 80 les Stuckists respectivement. Ce tableau a été caractérisée par de grands formats, sans expressive marque de décision, la figuration, le mythe et l'imagination. Tous les travaux dans ce genre venait à être étiquetés néo-expressionnisme. La réaction critique a été divisée. Certains critiques ont considéré comme entraînée par des motivations de profit par de grandes galeries commerciales. Ce type d'art continue en popularité dans le 21ème siècle, même après le crash de l'art de la fin des années 1980. Anselm Kiefer est une figure de proue européenne néo-expressionnisme dans les années 1980, (voir au peintre Inconnu 1983, dans la galerie ci-dessus) Les thèmes de Kiefer élargies d'une focalisation sur le rôle de l'Allemagne dans la civilisation pour le sort de l'art et la culture en général. Son travail est devenu plus sculpturale et implique non seulement l'identité nationale et de la mémoire collective, mais aussi occulte symbolisme, la théologie et la mystique . Le thème de tout le travail est le traumatisme subi par des sociétés entières, et la renaissance continue et le renouvellement dans la vie.
À la fin des années 1970 dans les peintres américains qui ont commencé à travailler avec des surfaces revigorés et qui est retourné à l'imagerie commeSusan Rothenberg a gagné en popularité, surtout comme on le voit ci-dessus dans les peintures commeCheval 2, 1979. Pendant les années 1980, des artistes américains commeEric Fischl, (voirBad Boy, 1981, ci-dessus),David Salle, Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, etKeith Haring, et les peintres italiens commeMimmo Paladino,Sandro Chia, etEnzo Cucchi, entre autres définis l'idée denéo-expressionnisme en Amérique.
Néo-expressionnisme était un style de peinture moderne qui est devenu populaire dans les années 1970 et a dominé le marché de l'art jusqu'au milieu des années 1980. Il est développé en Europe comme une réaction contre le conceptuel et l'art minimaliste des années 1960 et 1970. Les néo-expressionnistes retournés à dépeindre des objets reconnaissables, comme le corps humain (bien que parfois de manière presque abstraite), d'une manière grossière et violemment émotionnelle en utilisant des couleurs vives et des harmonies de couleurs banales. Les peintres de vétéran Philip Guston, Frank Auerbach, Leon Kossoff, Gerhard Richter, AR Penck et Georg Baselitz, avec un peu plus jeunes artistes comme Anselm Kiefer, Eric Fischl, Susan Rothenberg, Francesco Clemente, Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, Keith Haring, et beaucoup d'autres sont devenus connus pour travailler dans cette veine expressionniste intense de la peinture.
Peinture détient toujours une position respectée dans art contemporain. l'art est un champ ouvert plus divisée par l'objectif dichotomie entre non-objectif. Les artistes peuvent atteindre le succès critique si leurs images sont figuratif ou abstrait. Quelle a été la monnaie est contenu, en explorant les limites du milieu, et un refus de récapituler les œuvres du passé comme un objectif final.
Peinture contemporaine dans le 21ème siècle
Au début de la peinture contemporaine du 21e siècle et de l'art contemporain en général continue dans plusieurs modes contigus, caractérisé par l'idée de le pluralisme. La «crise» dans la peinture et l'art actuel et le courant critique d'art aujourd'hui est provoquée par le pluralisme. Il n'y a pas consensus, ni besoin il ya, à un style représentant de l'âge. Il ya un tout est l'attitude qui prévaut; un «tout se passe", et par conséquent "rien à faire" syndrome; cela crée une embouteillage esthétique sans direction ferme et claire et avec chaque voie sur le plan artistique autoroute rempli à pleine capacité.travaux conséquent magnifiques et importantes de l'art continuent d'être faits mais dans une grande variété de styles et de tempéraments esthétiques, le marché étant gauche à juger du mérite.
Peinture de Dur-bord, abstraction géométrique,appropriation,hyperréalisme,le photoréalisme,expressionisme,minimalisme, Abstraction Lyrique, pop art, art op,l'expressionisme abstrait,la peinture Coloration Champ,peinture monochrome,néo-expressionnisme, collage, peinture intermedia,la peinture d'assemblage,peinture numérique,peinture post-moderne,néo-Dada peinture,peinture sur toile en forme , l'environnementpeinture murale, traditionnelle peinture figurative, peinture de paysage,peinture de portrait, sont quelques continuation et les directions actuelles dans la peinture au début du 21ème siècle.
Peinture dans les Amériques
Pendant la période avant et après l'exploration européenne et la colonisation des Amériques, y compris l'Amérique du Nord, Amérique Centrale, Amérique du Sud et les îles des Caraïbes, les Antilles, les Petites Antilles et d'autres groupes d'îles, les cultures indigènes indigènes produites œuvres de création dont l'architecture, la poterie , la céramique, le tissage, la sculpture, la sculpture , la peinture et des peintures murales ainsi que d'autres objets religieux et utilitaires. Chaque continent des Amériques a accueilli les sociétés qui étaient cultures uniques et développés individuellement; que les totems produits, des œuvres d'symbolisme religieux, œuvres peintes et décoratives et expressives. Influence africaine a été particulièrement forte dans l'art de la Caraïbe et de l'Amérique du Sud. Les arts des peuples autochtones des Amériques ont eu un énorme impact et de l'influence sur l'art européen et vice-versa pendant et après l' âge de l'exploration . Espagne, Portugal, France, Pays-Bas, et l'Angleterre étaient toutes puissantes et influentes puissances coloniales dans les Amériques pendant et après le 15ème siècle. Par le 19ème siècle, l'influence culturelle a commencé à couler dans les deux sens à travers l'Atlantique
Mexique et en Amérique centrale
Murale Grande Déesse sur le site auTeotihuacán, Mexique
Une partie de la murale réelle du composé Tepantitla qui apparaît sous le portrait Grande Déesse, Mexique
Peinture murale à partir du composé Tepantitla montrant ce qui a été identifié comme un aspect de laGrande Déesse de Teotihuacan, à partir d'une reproduction dans leMusée national d'anthropologie de Mexico
Jaguar murale sur le site auTeotihuacán, Mexique
Un Fresque maya duGuatemala, période pré-classique (1-250 AD)
Peinture sur le Seigneur du trône vase jaguar peau, une scène de lacour maya, 700-800 AD.
Une peinture murale maya deBonampak, Mexique, 580-800 AD.
Une peinture murale maya deBonampak, 580-800 AD
Peinture d'uncodex maya
Peints figurine de poterie d'un ivrogne à partir du site d'enfouissement àl'île de Jaina, art maya, 400-800 AD.
Peints relief du site mayade Palenque, mettant en vedette le fils deK'inich Ahkal Mo 'Naab' III (678-730s ?, r. 722-729).
Peinture sur un vase Maya de la période classique tardive (600-900), à partir deCopán,Honduras
UnAztecpeinture duCodex Borgia
UnAztecpeinture duCodex Borbonicus
Détail dela bataille murale, c.600-700,Cacaxtla, Mexique
Une peinture de Mendoza Codex montrant aînéAztèquesétant donné substances intoxicantes, Mexique, c.1553
Amérique Du Sud
Épaulard, poterie peinte,la culture Nazca, 300 BC-800 AD,Musée Larco.Lima, Pérou
Poterie peinte de laculture Nazca duPérou, 300 BC-800 AD
Un Moche murale d'un décapiteur de laplace de la Luna Huaca,Pérou, 100-700 AD.
Moche peintures murales de laplace de la Luna Huaca,Pérou, 100-700 AD.
Poterie peinte de laculture Huari duPérou, 500-1200 AD
Body painting,les peuples autochtones du Brésil, un couple d'Indiens du Brésil, c.2000
Amérique Du Nord
États Unis
La Grande Galerie,pictogrammes,Canyonlands National Park, Horseshoe Canyon, Utah, 15 pieds (4,6 m) de 200 pieds (61 m), c. 1500 BCE
Pictogramme, le sud-est Utah, c. 1200 BC de la culture Pueblo
Poterie peinte , Anasazi, Amérique du Nord: Une cantine (pot) excavé de les ruines de Chaco Canyon, au Nouveau-Mexique, c. AD 700 AD-1100
Cruche en céramique peinte représentant la panthère sous-marine de la Civilisation du Mississippi, trouvé à Rose Mound dans le comté de Cross, Arkansas, c. 1400-1600.
Un Haida masque de loup, 1880.
Un Bocal Hopi parNampeyo (c.1860-1942), réalisés dansl'Arizona, 1880.
Une fille de la tribu Zuni du Nouveau-Mexique avec un pot de poterie peinte, photographiée dans c. 1903.
Edward S. Curtis, Navajo sandpainting,sépiahéliogravure c. 1907
Navajo homme en tenue d'apparat avec masque et de la peinture de corps, c. 1904
Ledger art deHaokah (ca. 1880) parBlack Hawk (Lakota).
Kiowa livre art, éventuellement de la1874 Buffalo Wallow bataille,la guerre de la rivière Rouge.
Détail de la peinture du grand livre sur mousseline par Argent Corne (1860-1940), ca. 1880, l'Oklahoma Centre d'histoire
Les travaux sur papier, parArapaho peintre,Carl Sweezy (1881-1953), 1904
Une Uncompaghre Ute, Rasé Beaver Masquer peinture. Le Ute Nord serait castors piéger, raser les images dans les peaux tendues et salaisons des animaux, et les utiliser pour décorer leurs habitations personnelles et cérémonielles, c. 19ème siècle.
Totem TlingitsKetchikan, en Alaska,circa1901.
LeK'alyaanTotem de laTlingit Kiks.ádi clan, érigé àSitka National Historical Park pour commémorer les vies perdues dans le 1804Bataille de Sitka.
Un totem àKetchikan, en Alaska, dans lestyle de Tlingit.
masque de poisson des personnes Yupi'k , bois peint, Yukon / Kuskokwim région Alaska, c. début du 20e siècle
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De Saxman Totem Park,Ketchikan, en Alaska
De Saxman Totem Park,Ketchikan, en Alaska
Canada
Un totem dans Totem Park,Victoria, Colombie-Britannique.
De Totem Park,Victoria, Colombie-Britannique.
Caraïbes
Rock pétroglyphe recouvert avec de la craie, Caguana autochtones Ceremonial Centre.Utuado, Puerto Rico.
Peinture islamique
Yahyâ ibn Mahmûd al-Wasiti, Irak, 1237
Yahyâ ibn Mahmûd al-Wasiti, Irak, 1237
Syrischer Maler, 1315 Metropolitan Museum of Art
Ilkhanide Shahnameh, ca. 1330-1340, Smithsonian
Behzad, de 1494 à 1445, Musée Anglais
Peinture miniature persane, CE 1550
Reza Abbasi, 1609
Razmnama, 1616, Musée Anglais
Two Lovers parReza Abbasi, 1630
Miniature persane Harun al-Rashid à Mille et Une Nuits
Reza Abbasi, 1620
Adam et Eve, l'Iran safavide, c. 1550 AD.
Un tableau représentant Abû Zayd, 1335 AD.
Une scène du livre de Ahmad ibn al-Husayn ibn al-Ahnaf, montrant deux cavaliers au galop, 1210 AD.
L'ange Israfil, Irak, 1280 AD.
Le greffier, en Irak, 1287.
Un ornementCoran, par al-Bawwab, 11ème siècle.
Mehmet II, des albums de SaraiIstanbul, en Turquie, 15ème siècle après JC.
Maiden dans un bonnet de fourrure, par Muhammad 'Alî,Ispahan, Iran, milieu du 17ème siècle.
Jeunesse et prétendants,Mashhad, Iran, 1556-1565 AD.
La représentation de l'homme, les animaux ou tout autre sujets figuratifs est interdit dans l'Islam pour empêcher les croyants de l'idolâtrie il n'y a pas religieusement motivés peinture (ou de la sculpture) tradition dans la culture musulmane. Activité picturale a été réduite à Arabesque, principalement abstraite , avec géométrique configuration ou des motifs floraux et végétaux comme. Fortement lié à l'architecture et la calligraphie , il peut être largement considéré comme utilisé pour la peinture des tuiles dans les mosquées ou dans des illuminations autour du texte du Coran et d'autres livres. En fait l'art abstrait est pas une invention de l'art moderne, mais il est présent dans pré-classiques, les cultures barbares et non-occidentales de nombreux siècles avant et est essentiellement décoratif ou un arts appliqués. illustrateur Notable MC Escher a été influencé par cet art géométrique et motif basé. Art Nouveau ( Aubrey Beardsley et l'architecte Antonio Gaudí ) réintroduits motifs floraux abstraits dans l'art occidental.
Notez que malgré le tabou de la visualisation figurative, certains pays musulmans ne cultivent une riche tradition dans la peinture, mais pas dans son propre droit, mais comme un compagnon à l'écrit. Art iranien ou persan, largement connu comme miniature persane, se concentre sur l'illustration des œuvres épiques ou romantiques de la littérature. Illustrateurs persans délibérément évité l'utilisation de l'ombrage et de la perspective, si familier avec elle dans leur histoire pré-islamique, afin de se conformer à la règle de ne pas créer d'illusion de la vie comme du monde réel. Leur objectif était de ne pas représenter le monde tel qu'il est, mais pour créer des images d'un monde idéal de la beauté intemporelle et un ordre parfait.
Dans nos jours, la peinture par des étudiants en art ou des artistes professionnels dans les pays musulmans arabes et non-arabes suivent les mêmes tendances de l'art de la culture occidentale.
J'ai Couru
Historien Basil Oriental Gris croit "L'Iran a offert un art particulièrement unique [sic] pour le monde qui est excellent dans son genre". Caves à Lorestan province l'exposition de l'Iran peint des images d'animaux et des scènes de chasse. Certains, comme ceux de la province de Fars et Sialk sont âgés d'au moins 5000 ans. Peinture en Iran est supposé avoir atteint un point culminant à l'époque de Tamerlan où des maîtres en suspens telles que Kamaleddin Behzad a donné naissance à un nouveau style de peinture.
Peintures de la période Qajar, sont une combinaison d'influences européennes et les écoles miniatures safavides de la peinture tels que ceux mis en place par Reza Abbasi et œuvres classiques de Mihr Ali. Maîtres tels que Kamal-ol-Molk, poussé plus en avant l'influence européenne en Iran. Il était à l'époque Qajar lorsque "la peinture Coffee House» a émergé. Sujets de ce style sont souvent de nature religieuse représentant des scènes de épopées chiites et similaires.
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Kamal-ud-din Bihzad (c 1450 -.. C 1535), La construction du château de Khavarnaq ( arabe الخورنق ) dans al-Hira, c. 1494-1495 CE
Farrukh Beg (ca. 1545 - ca. 1615),A DrunkenBaburretour au camp la nuit,Lahore, Pakistan, 1589
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Reza Abbasi (1565-1635),le prince Mohammed-Beik dela Géorgie, 1620
Mihr Ali (fl. 1795-1830),Fath Ali Shah Qajar(1813-1814)
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Kamal-ol-Molk (1847-1940),garant de l'avenir, 1892, Musée de Sadabad,Téhéran
Pakistan
Lubna Agha,étoile- une peinture inspirée par les artisans du Maroc
AR Chughtai,Anarkali
Océanie
Australie
Nouvelle Zélande
Les îles du Pacifique
Afrique
Himba femme couverte de traditionnelocre rougepigment. Traditionnel corps peinture symbolique de la terre et de sang, et également porté pour la protection contre le soleil.
A Kikuyu femme en robe traditionnelle. Cérémonial]] peinture de visage.
Jeune Guerrier Masaï, avec tête-robe etla peinture de visage.
Dogon,grotte de circoncision, avec des peinturesMalic. contemporain
La culture et les tribus traditionnelle africaine ne semble pas avoir un grand intérêt dans les représentations bidimensionnelles en faveur de la sculpture et de soulagement. Toutefois, la peinture décorative dans la culture africaine est souvent abstrait et géométrique. Une autre manifestation picturale est la peinture de corps, et la peinture de visage présente par exemple dans Maasai et Kikuyu la culture dans leurs rituels de la cérémonie. Cérémonial peinture rupestre dans certains villages peuvent être trouvées à être encore en usage. Notez que Pablo Picasso et d'autres artistes modernes ont été influencés par la sculpture africaine et des masques dans leurs styles variés. Artistes africains contemporains suivre les mouvements de l'art occidental et de leurs peintures ont peu de différence à partir occidentaux œuvres d'art.
Influence sur l'art occidental
Au début du 20e siècle, des artistes comme Picasso , Matisse , Vincent van Gogh , Paul Gauguin et Modigliani ont pris conscience de, et ont été inspirés par l'art africain. Dans une situation où l'établi d'avant-garde a été tendu contre les contraintes imposées par servir le monde des apparences, l'art africain a démontré la puissance des formes extrêmement bien organisés; produit non seulement en répondant à la faculté de la vue, mais aussi et souvent surtout, la faculté d'imagination, l'émotion et l'expérience mystique et religieuse. Ces artistes ont vu dans l'art africain d'une perfection formelle et la sophistication unifié avec puissance expressive phénoménale.
