Arts visuels
Renseignements généraux
SOS Enfants, qui se déroule près de 200 sos écoles dans le monde en développement, a organisé cette sélection. Cliquez ici pour plus d'informations sur les enfants SOS.
Les arts visuels sont des formes d'art qui créent des œuvres qui sont principalement de nature visuelle, tel que la céramique, dessin , peinture , sculpture , gravure , design, artisanat et les arts visuels souvent modernes ( photographie , vidéo, et cinéma) et l'architecture . Ces définitions ne devraient pas être prises trop stricte autant de disciplines artistiques ( arts performants, l'art conceptuel, arts textiles) comportent des aspects des arts visuels ainsi que les arts d'autres types. Sont également inclus dans les arts visuels sont la arts appliqués tels que design industriel, conception graphique, design de mode, design d'intérieur et art décoratif.
Comme indiqué précédemment, l'utilisation actuelle du terme «arts visuels» comprend beaux-arts ainsi que la appliquée, arts décoratifs et artisanat, mais ce ne était pas toujours le cas. Avant le Arts and Crafts en Grande-Bretagne et ailleurs au tournant du 20e siècle, l'artiste terme a souvent été limitées à une personne travaillant dans les beaux-arts (tels que la peinture , la sculpture ou la gravure ) et non le artisanat, artisanat, ou les médias d'art appliquées. La distinction a été soulignée par des artistes de la Arts and Crafts Movement qui, séduites par les formes d'art vernaculaires autant que formes élevées. Les écoles d'art ont fait une distinction entre les beaux-arts et de la artisanat maintenir qu'un artisan ne pouvait pas être considéré comme un praticien de l'art.
La tendance croissante à la peinture de privilège, et à un degré moindre, la sculpture, au-dessus d'autres arts a été une caractéristique de Art occidental ainsi que Est asiatique. Dans les deux régions peinture a été vu comme comptant au plus haut degré de l'imagination de l'artiste, et l'éloigne le plus du travail manuel - dans Peinture chinoise les styles les plus prisées étaient celles de «savant-peinture", au moins en théorie, pratiqué par des amateurs gentleman. Le Western hiérarchie des genres reflète des attitudes similaires.
Éducation et formation
Formation dans les arts visuels a été généralement à travers les variations de la apprenti et système d'atelier. En Europe, la Renaissance mouvement pour augmenter le prestige de l'artiste conduit à la système académie pour la formation des artistes, et aujourd'hui, la plupart train écoles d'art à un niveau supérieur. Arts visuels sont devenus une matière facultative dans la plupart des systèmes éducatifs. (Voir aussi l'éducation artistique.)
Dessin
Dessin est un moyen de fabrication d'un image, en utilisant un quelconque d'une grande variété d'outils et de techniques. Il implique généralement de faire des marques sur une surface en appliquant une pression d'un outil, ou déplacement d'un outil sur une surface en utilisant les médias secs tels que graphite crayons, plume et encre, encrés brosses , de la cire crayons de couleur, crayons, fusains, pastels, et marqueurs. Les outils numériques qui simulent les effets de ceux-ci sont aussi utilisées. Les principales techniques utilisées en dessin sont: dessin au trait, éclosion, hachures, éclosion aléatoire, gribouiller, pointillé, et le mélange. Un artiste qui excelle dans le dessin est considéré comme un dessinateur ou dessinateur ".
Première histoire
Dessin remonte au moins à 16000 années Représentations rupestres paléolithiques d'animaux comme ceux de Lascaux en France et Altamira en Espagne. En l'egypte antique, dessins à l'encre sur papyrus, dépeignant souvent les gens, ont été utilisés comme modèles pour la peinture ou la sculpture. Dessins sur Vases grecs, d'abord géométrique, développé plus tard à la forme humaine avec Céramique attique à figures noires pendant le 7ème siècle avant JC.
Renaissance
Avec du papier devenir commun en Europe au 15ème siècle, le dessin a été adopté par des maîtres tels que Sandro Botticelli, Raphaël , Michel-Ange et Léonard de Vinci qui parfois traitée dessin comme un art à part entière plutôt que d'une phase préparatoire pour la peinture ou la sculpture.
Peinture
Peinture pris à la lettre est la pratique de l'application de pigments en suspension dans un support (ou Moyen) et un agent de liaison (a colle) à une surface (support) tels que papier, toile ou un mur. Toutefois, lorsqu'il est utilisé dans un sens artistique, cela signifie l'utilisation de cette activité en combinaison avec le dessin , composition et d'autres considérations esthétiques afin de manifester l'intention expressive et conceptuelle de praticien. La peinture est également utilisé pour exprimer des motifs et des idées spirituels; les sites de ce genre de gamme de peinture de l'illustration dépeignant les chiffres mythologiques sur la poterie aux La Chapelle Sixtine pour le corps humain lui-même.
Origines et histoire ancienne
Comme le dessin, la peinture a ses origines dans des grottes et sur des parois rocheuses. Les plus beaux exemples, considéré par certains comme ancienne 32000 années, sont dans le Chauvet et Grottes de Lascaux dans sud de la France. Dans des tons de rouge, brun, jaune et noir, les peintures sur les murs et les plafonds sont des bisons, bovins, chevaux et les cerfs.
Peintures de figures humaines peuvent être trouvés dans les tombes de l'Egypte ancienne. Dans le grand temple de Ramsès II , Néfertari, la reine, est représenté dirigé par Isis . Les Grecs ont contribué à l'évolution de la peinture, mais une grande partie de leur travail a été perdu. Une des meilleures représentations restantes est la mosaïque de la Bataille d'Issus trouvé à Pompéi qui a probablement été basé sur une peinture grecque. L'art grec et romain a contribué à Art byzantin dans le 4ème siècle avant JC qui a initié une tradition dans la peinture d'icônes.
La Renaissance
En dehors de la manuscrits produits par les moines illuminés pendant les Moyen-Age , la prochaine contribution significative à l'art européen était de Les peintres de la Renaissance italienne. À partir de Giotto dans le 13ème siècle pour Leonardo da Vinci et Raphaël au début du 16ème siècle, ce était la période la plus riche en L'art italien que la technique de clair-obscur a été utilisé pour créer l'illusion de l'espace 3-D.
Peintres en Europe du Nord trop ont été influencés par l'école italienne. Jan van Eyck de Belgique, Pieter Bruegel l'Ancien des Pays-Bas et Hans Holbein le Jeune de l'Allemagne sont parmi les peintres les plus réussies de l'époque. Ils ont utilisé le vitrage technique avec des huiles pour atteindre la profondeur et la luminosité.
Maîtres hollandais
Le 17e siècle a vu l'émergence des grands maîtres néerlandais comme le polyvalent Rembrandt qui est surtout connu pour ses portraits et des scènes de la Bible, et Vermeer qui se est spécialisé dans les scènes intérieures de la vie néerlandaise.
Impressionnisme
Impressionnisme a commencé en France au 19ème siècle avec une association lâche des artistes dont Claude Monet , Pierre-Auguste Renoir et Paul Cézanne qui a apporté un nouveau style brossé librement à la peinture, en choisissant souvent à peindre des scènes réalistes de la vie moderne à l'extérieur plutôt que dans le studio. Ils ont atteint vibration intense de couleur en utilisant des couleurs pures non mélangées et coups de pinceau courts.
Post-impressionnisme
Vers la fin du 19ème siècle, plusieurs jeunes peintres ont pris l'impressionnisme une nouvelle étape, en utilisant des formes géométriques et des couleurs non naturelles de dépeindre les émotions tout en se efforçant pour le symbolisme profond. On notera en particulier Paul Gauguin, qui a été fortement influencée par l'art asiatique, africaine et japonaise, Vincent van Gogh , un Hollandais qui se installe en France où il a attiré sur la forte lumière du soleil du sud, et Toulouse-Lautrec, connu pour ses peintures vives de la vie nocturne dans le quartier de Paris Montmartre.
Symbolisme, l'expressionnisme et du cubisme
Edvard Munch, un artiste norvégien, a développé son approche symboliste à la fin du 19ème siècle, inspiré par l'impressionniste français Manet . Le Cri (1893), son œuvre la plus célèbre, est largement interprété comme représentant l'angoisse universelle de l'homme moderne. En partie à cause de l'influence de Munch, l'allemand expressionniste mouvement est né en Allemagne au début du 20ème siècle que des artistes tels que Ernst Kirschner et Erich Heckel a commencé à déformer la réalité pour un effet émotionnel. En parallèle, le style connu comme le cubisme développé en France en tant qu'artistes axée sur le volume et l'espace des structures vives dans une composition. Pablo Picasso et Georges Braque étaient les principaux partisans du mouvement. Les objets sont brisés, analysés, et ré-assemblés sous une forme abstraite. Dans les années 1920, le style se est développée en surréalisme Dali et Magritte.
Estampe
Gravure crée des fins artistiques d'une image sur une matrice qui est ensuite transférée sur une surface bidimensionnelle (plane) au moyen d'encre (ou d'une autre forme de la pigmentation). Sauf dans le cas d'un Monotype, la même matrice peut être utilisée pour produire de nombreux exemples de l'impression. Historiquement, les principales techniques (également appelés les médias) sont impliqués gravure sur bois, Gravure de ligne, gravure, lithographie, sérigraphie et (sérigraphie, sérigraphie) mais il ya beaucoup d'autres, y compris les techniques numériques modernes. Normalement, la surface sur laquelle l'impression est imprimé est papier, mais il ya des exceptions, de tissu et vélin aux matériaux modernes. Affiches dans la tradition occidentale fabriqués avant 1830 sont connus comme gravures anciennes maîtresses. Il ya d'autres grandes traditions de gravure, en particulier celle du Japon ( ukiyo-e).
Origines chinoises
En Chine , l'art de la gravure développé il ya quelques 1100 années comme des illustrations à côté du texte coupées en planches de bois pour l'impression sur papier. Initialement images étaient principalement religieux, mais dans la dynastie des Song , les artistes ont commencé à réduire paysages. Au cours de la Ming (1368-1644) et Qing (1616-1911) dynasties, la technique a été perfectionnée pour les deux gravures religieuses et artistiques.
Histoire de l'Europe
En Europe, passant d'environ 1400 AD gravure sur bois, a été utilisé pour gravures de maîtres sur le papier à l'aide de techniques d'impression sur toile qui avait été développé dans les mondes byzantin et islamique. Michael Wolgemut améliorée gravure allemande d'environ 1475, et Erhard Reuwich, un Hollandais, fut le premier à utiliser des hachures. A la fin du siècle Albrecht Dürer a apporté la gravure sur bois de l'Ouest à un niveau qui n'a jamais été dépassé, ce qui augmente l'état de la gravure sur bois vantail.
Photographie
Photographie est le processus de faire des photos au moyen de l'action de la lumière. légers motifs réfléchie ou émise par des objets sont enregistrées sur un support de stockage ou puce sensible à travers un chronométré exposition. Le processus se fait par le biais mécanique, chimique ou des dispositifs numériques appelées caméras.
Le mot vient du Mots grecs φως phos ("light"), et γραφις graphis ("stylet", "pinceau") ou Graphe γραφη, ainsi que signifie "dessiner avec la lumière» ou «la représentation au moyen de lignes» ou «dessin." Traditionnellement, le produit de la photographie a été appelé photo. La photo de terme est une abréviation; beaucoup de gens les appellent aussi des photos. En photographie numérique, l'image terme a commencé à remplacer la photo. (Le terme image est traditionnel dans géométriques optiques .)
Réalisation
Filmmaking est le processus de fabrication d'une motion-picture, d'une conception initiale et la recherche, à travers l'écriture de scénario, prise de vue et l'enregistrement, d'animation ou d'autres effets spéciaux, montage, son et le travail de la musique et enfin la distribution à un public; il se réfère largement à la création de tous les types de films, documentaires, embrassant souches du théâtre et de la littérature dans le film, et les pratiques poétiques ou expérimentales, et est souvent utilisé pour désigner les processus basés sur la vidéo ainsi.
Art informatique
Les artistes visuels ne sont plus limités à les médias de l'art traditionnel. Les ordinateurs ont été utilisés comme un outil de plus en plus courante dans l'art visuel depuis les années 1960. Utilise pour les ordinateurs dans les arts visuels comprennent la capture ou la création d'images et de formes, le montage de ces images et de formes (y compris l'exploration multiples compositions), puis la finale rendu et / ou impression (y compris L'impression 3D).
Art informatique est tout l'art dans laquelle les ordinateurs ont joué un rôle dans la production ou l'affichage de l'œuvre d'art. Un tel art peut être une image, son, animation, vidéo, CD-ROM, DVD , jeu vidéo , un site web, algorithme , performances ou de l'installation de la galerie. Beaucoup de disciplines traditionnelles intègrent désormais technologies numériques et, par conséquent, les lignes entre les œuvres d'art traditionnelles et nouveaux médias créés à l'aide des ordinateurs ont été brouillées. Par exemple, un artiste peut combiner traditionnelle peinture avec art algorithmique et d'autres techniques numériques. Par conséquent, la définition de l'art informatique par son produit final peut donc être difficile. Néanmoins, ce type d'art commence à apparaître dans l'art musée expose, mais il doit encore prouver sa légitimité comme une forme en soi et cette technologie est largement considéré dans l'art contemporain plus comme un outil plutôt qu'une forme comme peinture.
utilisation de l'ordinateur a brouillé les distinctions entre illustrateurs, photographes, éditeurs de photo, Modélisateurs 3-D, et les artistes d'artisanat. Rendu sophistiqué et logiciel d'édition a conduit aux développeurs d'image multi-qualifiés. Photographes peuvent devenir artistes numériques. Illustrateurs peuvent devenir animateurs. Artisanat peut être l'utilisation assistée par ordinateur ou imagerie générée par ordinateur en tant que modèle. Ordinateur utilisation clip art a également fait la distinction claire entre les arts visuels et mise en page moins évident en raison de la facilité d'accès et l'édition de clip art dans le processus de pagination d'un document, en particulier à l'observateur non qualifiée.
Sculpture
Ce qui suit est une copie du résumé introductif sur la page de Sculpture
Sculpture est la branche des arts visuels qui opère dans trois dimensions, et l'un des arts plastiques. Processus sculpturales durables à l'origine utilisés sculpture (l'enlèvement de matière) et la modélisation (l'ajout de matière, comme l'argile), en pierre , en métal , la céramique, le bois et autres matériaux, mais, depuis le modernisme, les changements dans le processus de sculpture ont conduit à une liberté presque complète de matériaux et de processus. Une grande variété de matériaux peut être travaillée par enlèvement tel que découpage, assemblés par soudage ou modélisation, ou moulé, ou fonte.
Sculpture en pierre survit beaucoup mieux que des œuvres d'art en matériaux périssables, et souvent représente la majorité des œuvres survivants (autres que la poterie) à partir de cultures anciennes, mais inversement les traditions de la sculpture en bois peuvent ont disparu presque entièrement. Cependant, la plus ancienne sculpture a été peint de couleurs vives, ce qui a été perdu.
Sculpture a été au centre de la pratique religieuse dans de nombreuses cultures, et jusqu'à ce que les derniers siècles de grandes sculptures, trop cher pour les particuliers de créer, étaient généralement une expression de la religion ou de la politique. Ces cultures dont les sculptures ont survécu dans les quantités comprennent les cultures de la Méditerranée antique, l'Inde et la Chine, ainsi que de nombreux en Amérique du Sud et en Afrique.
Le Tradition occidentale de la sculpture a commencé en Grèce Antique , et la Grèce est largement considérée comme la production de grands chefs-d'œuvre de la période classique. Pendant le Moyen Age, Sculpture gothique a représenté les angoisses et les passions de la foi chrétienne. Le renouveau des modèles classiques de la Renaissance réalise des sculptures célèbres tels que Michel-Ange de l ' David. Sculpture moderniste éloigné de procédés traditionnels et l'accent mis sur la représentation du corps humain, avec le making of sculpture construite, et la présentation de objets trouvés comme des œuvres d'art finis.
Types de sculpture
Sculpture Une distinction fondamentale est entre la sculpture en ronde-bosse, autonome, comme statues, pas attachés (sauf peut-être à la base) sur toute autre surface, et les différents types de relief, qui sont au moins en partie fixé sur une surface de fond. Relief est souvent classé par le degré de projection de la paroi en bas ou bas-relief, haut-relief, et parfois un intermédiaire mi-relief. Coulé-relief est une technique limité à l'Egypte ancienne. Relief est le moyen sculpturale d'habitude pour les grands groupes de figures et sujets narratifs, qui sont difficiles à accomplir dans la ronde, et est la technique classique utilisée à la fois pour sculpture architecturale, qui est attaché aux bâtiments et pour la sculpture à petite échelle la décoration d'autres objets, comme dans une grande poterie , la ferronnerie et de bijoux . Reliefs peuvent aussi décorer stèles, dalles dressées, habituellement de pierre, qui contiennent la sculpture ou parfois simplement inscriptions.
Une autre distinction fondamentale existe entre les techniques de soustraction de sculpture, qui éliminent matériau à partir d'un bloc ou forfaitaire existant, par exemple, de la pierre et de techniques de modélisation qui forme ou construire le travail de la matière. Des techniques telles que moulage, l'estampage et moulage utiliser une matrice intermédiaire contenant la conception pour produire le travail; beaucoup d'entre eux permettent la production de plusieurs copies.
Sculpture est souvent utilisé principalement pour décrire les grandes œuvres, qui sont parfois appelés sculpture monumentale, sens ou l'autre de sculpture qui est grande, ou qui est attaché à un bâtiment. Mais le terme couvre correctement de nombreux types de petits travaux en trois dimensions en utilisant les mêmes techniques, y compris les pièces et médailles, sculptures en pierre dure, un terme pour les petites sculptures en pierre qui peuvent prendre travail détaillé.
La très grande ou "colossale" statue a eu un attrait durable depuis antiquité; la des records à 128 m (420 pi) est le chinois 2002 Printemps Temple du Bouddha. Une autre grande forme de portrait sculpté est la statue équestre d'un cavalier sur le cheval, qui est devenu rare dans les dernières décennies. Les plus petites formes de grandeur nature portrait sculpté sont la "tête", montrant simplement que, ou buste, une représentation d'une personne de la poitrine vers le haut. Petites formes de la sculpture sont les figurine, normalement une statue qui ne est plus que de dire 18 pouces de hauteur, et les reliefs plaquette, une médaille ou pièce.
Art moderne et contemporain ont ajouté un certain nombre de formes non traditionnelles de la sculpture, y compris: Sculpture sonore, Sculpture de lumière, Art environnemental, Sculpture environnementale, Sculpture cinétique, impliquant les aspects de mouvement physique , Land art et Site spécifique de l'art. La sculpture est une forme importante de art public. Une collection de sculpture dans un jardin peut être appelé un jardin de sculptures.
Buts et sujets
Un des buts les plus communs de la sculpture est dans une certaine forme d'association avec la religion. images cultes sont courantes dans de nombreuses cultures, si elles ne sont souvent pas les statues colossales de la divinité qui a caractérisé L'art grec antique, comme le Statue de Zeus à Olympie ; les images de culte dans les sanctuaires réels les plus intimes de Temples égyptiens, dont aucun n'a survécu, étaient évidemment assez faible, même dans les plus grands temples, et même est souvent vrai dans l'hindouisme , où la forme très simple et ancienne de la lingam est le plus fréquent. Le bouddhisme a apporté la sculpture de figures religieuses en Asie orientale, où il semble y avoir eu aucune tradition équivalente plus tôt, si les formes simples comme le nouveau bi et cong a probablement eu une signification religieuse.
Les petites sculptures comme biens personnels remontent au plus tôt l'art préhistorique, et l'utilisation de très grande sculpture que l'art public, en particulier pour impressionner le spectateur avec le pouvoir d'un souverain, remonte au moins à la Grand Sphinx de il ya quelques 4500 années. Dans l'archéologie et histoire de l'art de l'apparence, et parfois la disparition, de la sculpture monumentale grande ou dans une culture est considérée comme d'une grande importance, si l'émergence de traçage est souvent compliquée par l'existence présumée de la sculpture en bois et autres matériaux périssables dont aucune trace reste; la totem est un exemple d'une tradition de la sculpture monumentale en bois qui laisserait pas de traces pour l'archéologie. La capacité de convoquer les ressources pour créer la sculpture monumentale, en transportant généralement des matériaux très lourds et l'organisation pour le paiement de ce qui sont généralement considérés comme des sculpteurs à temps plein, est considéré comme une marque d'une culture relativement avancé en termes d'organisation sociale. De récentes découvertes inattendues de Ancient Chinese âge de bronze chiffres à Sanxingdui, certains beaucoup d'idées plus de deux fois la taille humaine, ont perturbé détenus sur les débuts de la civilisation chinoise, puisque seulement beaucoup plus petits bronzes étaient déjà connus. Certaines cultures sans aucun doute avancés, comme la civilisation de l'Indus , semblent avoir eu aucune sculpture monumentale du tout, bien que la production de figurines très sophistiqués et des phoques. Le Civilisation du Mississippi semble avoir été en progressant vers son utilisation, avec de petites figures de pierre, quand il se est effondré. D'autres cultures, comme l'Egypte antique et la Culture de l'Île de Pâques, semblent avoir consacré des ressources considérables à très grande échelle sculpture monumentale d'un stade très précoce.
La collecte de la sculpture, y compris celle des périodes antérieures, remonte à environ 2000 années en Grèce, la Chine et l'Amérique centrale, et de nombreuses collections étaient disponibles sur l'écran semi-public bien avant la moderne musée a été inventé. Du 20e siècle, le nombre relativement restreint de sujets trouvés en grande sculpture considérablement élargi, avec des sujets abstraits et l'utilisation ou la représentation de tout type de sujet maintenant commun. Aujourd'hui beaucoup sculpture est faite pour l'affichage intermittent dans les galeries et musées, et la capacité pour transporter et stocker les plus grandes œuvres est un facteur dans leur construction. Petit décorative figurines, le plus souvent dans la céramique, sont aussi populaires aujourd'hui (si étrangement négligé par moderne et Art contemporain) comme ils l'étaient dans le rococo , ou dans la Grèce antique où Figurines de Tanagra étaient une industrie majeure, ou en Asie de l'Est et Art précolombien. Petits raccords sculptés pour les meubles et d'autres objets vont bien de retour dans l'antiquité, comme dans le Ivoires Nimrud, Ivoires de Begram et trouve de la tombe de Toutankhamon.
Portrait sculpture a commencé en Egypte, où le Palette Narmer montre une règle de la 32e siècle avant notre ère, et Mespotamia , où nous avons 27 survivant statues de Gudea, qui ont régné Lagash c. 2144 - 2124 av. Dans la Grèce antique et de Rome l'érection d'une statue portrait dans un lieu public était presque la plus haute marque d'honneur, et l'ambition de l'élite, qui pourrait aussi être représenté sur une pièce de monnaie, Dans d'autres cultures comme l'Egypte et le public Proche-Orient statues étaient presque exclusivement l'apanage de la règle, avec d'autres personnes riches ne étant dépeintes dans leurs tombes. Dirigeants sont généralement les seules personnes donnés portraits dans les cultures précolombiennes, en commençant par le Tête colossale d'il ya environ 3000 années. Est sculpture portrait asiatique était entièrement religieux, avec les principaux membres du clergé commémorés avec des statues, en particulier les fondateurs de monastères, mais pas les dirigeants, ou des ancêtres. La tradition méditerranéenne relancé, initialement uniquement pour les effigies et des pièces tombeau, au Moyen Age, mais considérablement élargi à la Renaissance, qui a inventé de nouvelles formes comme le portrait personnel médaille.
Les animaux sont, avec la figure humaine, le premier sujet de la sculpture, et ont toujours été populaires, parfois réaliste, mais souvent monstres imaginaires; en Chine animaux et les monstres sont presque les seuls sujets traditionnels de la sculpture en pierre tombes et des temples à l'extérieur. Le royaume des plantes est important que dans les bijoux et les reliefs décoratifs, mais ceux-ci font presque toute la grande sculpture de L'art byzantin et L'art islamique, et sont très importantes dans la plupart des traditions Eurasie, où des motifs tels que la palmette et défilement de vigne ont passé est et l'ouest depuis plus de deux millénaires.
Une forme de sculpture trouvé dans de nombreuses cultures préhistoriques dans le monde entier est spécialement versions d'outils ordinaires, des armes ou des navires créés dans des matériaux précieux impraticables, soit pour une certaine forme d'utilisation de cérémonie ou affichage ou comme offrandes agrandie. Jade ou d'autres types de Greenstone ont été utilisés en Chine, olmèque Mexique et Europe néolithique, et au début de la Mésopotamie grandes formes de poterie ont été produites dans la pierre. Bronze a été utilisé en Europe et en Chine pour les grands axes et lames, comme le Oxborough Dirk.
Matériaux et techniques
Les matériaux utilisés dans la sculpture sont diverses, en changeant à travers l'histoire. Les matériaux classiques, avec une durabilité exceptionnelle, sont en métal, en particulier bronze, pierre et en céramique, bois, os et andouiller moins durables mais moins cher options. Matériaux précieux tels que l'or , l'argent , jade et ivoire sont souvent utilisés pour les petits travaux de luxe, et parfois dans les grandes, comme dans statues chryséléphantines. Matériaux plus communs et moins coûteux ont été utilisés pour la sculpture à la consommation au sens large, y compris feuillus (tels que le chêne , / boîte de buis, et la chaux / tilleul); en terre cuite et d'autres céramique, cire (un matériau très commun pour les modèles pour la coulée, et de recevoir les impressions de les phoques et les pierres gravées cylindres), et coulé métaux tels que l'étain et le zinc (Mattes). Mais un grand nombre d'autres matériaux ont été utilisés dans le cadre de sculptures, d'œuvres ethnographiques et anciens autant que modernes.
Sculptures sont souvent peinte, mais souvent perdre leur peinture en temps, ou restaurateurs. De nombreuses techniques de peinture différentes ont été utilisées dans la fabrication sculpture, y compris tempera, peinture à l'huile , dorure, peinture maison, d'aérosol, de l'émail et sablage.
Beaucoup de sculpteurs cherchent de nouveaux moyens et des matériaux pour faire de l'art. Un de Pablo Picasso sculptures les plus célèbres inclus vélo pièces. Alexander Calder et d'autres modernistes fait usage spectaculaire de peinte en acier . Depuis les années 1960, les acryliques et d'autres matières plastiques sont utilisés aussi bien. Andy Goldsworthy rend ses sculptures éphémères exceptionnellement à partir de matériaux presque entièrement naturelles dans les milieux naturels. Certains sculpture, tels que sculpture de glace, sculpture de sable , et la sculpture de gaz, est délibérément courte durée. Sculpteurs récentes ont utilisé des vitraux , des outils, des pièces de machines, matériel et emballage de consommation à la mode de leurs œuvres. Sculpteurs utilisent parfois objets trouvés, et les Chinois les roches de savants ont été appréciées pendant de nombreux siècles.
Pierre
Pierre sculpture est une activité ancienne où des morceaux de brut naturel pierre sont façonnées par le élimination contrôlée de la pierre. Du fait de la permanence de la matériel, la preuve peut être trouvé que même les premières sociétés se livraient à une certaine forme de travail de la pierre, mais pas toutes les régions du monde ont une telle abondance de bonne pierre pour la sculpture que l'Egypte, la Grèce, l'Inde et la plupart de l'Europe. Pétroglyphes (également appelés gravures rupestres) sont peut-être la plus ancienne forme: images créées en enlevant une partie d'une surface de la roche qui reste in situ, par incision, hiérarchie, la sculpture et l'abrasion. Sculpture monumentale couvre de grandes œuvres, et la sculpture architecturale, qui est attaché aux bâtiments. Hardstone sculpture est la sculpture à des fins artistiques pierres semi-précieuses telles que jade, agate, onyx, cristal de roche , ADRD ou cornaline, et un terme général pour un objet fabriqué de cette manière. Albâtre ou minéral du gypse est un minéral mou qui est facile à sculpter pour les petits travaux et encore relativement durable. Pierres gravées sont de petits bijoux sculptés, y compris camées, à l'origine utilisé comme bagues d'étanchéité.
La copie d'une statue originale dans la pierre, qui était très important pour les statues grecques antiques, qui sont presque tous connus à partir de copies, a été traditionnellement réalisée par " pointant ", ainsi que des méthodes plus à main levée. pointage est agi de créer une grille de carrés de cordes sur un cadre en bois qui entoure l'original, puis en mesurant la position sur la grille et la distance entre la grille et la statue d'une série de points individuels, puis utiliser cette information pour tailler dans le bloc à partir duquel la copie est faite.
Métal
Bronze et connexes alliages de cuivre sont les métaux les plus populaires pour le plus ancien et encore métal coulé sculptures ; un casting sculpture en bronze est souvent appelé simplement «bronze». Alliages de bronze communes ont la propriété inhabituelle et souhaitable d'étendre légèrement juste avant ils ont mis, remplissant ainsi les moindres détails d'un moule. Leur force et leur manque de fragilité (ductilité) est un avantage lorsque les chiffres sont en action à créer, surtout lorsqu'on les compare à divers matériaux céramiques ou en pierre (voir . sculpture pour plusieurs exemples marbre) d'or est le métal le plus doux et le plus précieux, et très important dans les bijoux; avec l'argent il est suffisamment souple pour être travaillé avec des marteaux et autres outils ainsi que la fonte; Repoussé sont parmi les techniques utilisées dans l'or et orfèvrerie.
Le moulage est un groupe de procédés de fabrication par lequel un matériau liquide (bronze, le cuivre, le verre, l'aluminium, fer) est (habituellement) versé dans un moule, qui contient une cavité de la forme souhaitée, puis on le laisse se solidifier. Le casting solide est alors éjecté ou éclaté pour compléter le processus, même si une étape finale de «travail à froid» peut suivre sur le modèle fini. Coulée peut être utilisé pour former des métaux liquides chauds ou divers matériaux qui définissent froid après le mélange des composants (tels que des époxydes, béton, plâtre et argile ). Coulée est le plus souvent utilisé pour la fabrication des formes complexes qui seraient autrement difficile ou non rentable de faire par d'autres méthodes. La plus ancienne est un survivant coulée de cuivre grenouille mésopotamienne de 3200 BC. Des techniques spécifiques comprennent la cire perdue, moulage au plâtre et moulage au sable.
Verre
Verre peut être utilisé pour la sculpture à travers un large éventail de techniques de travail, si l'utilisation de celui-ci pour les grandes œuvres est un développement récent. Il peut être sculpté, avec des difficultés considérables; romain Coupe Lycurgue est tout sauf unique. Coulée chaude peut être fait par louche verre fondu dans des moules qui ont été créés en appuyant formes dans le sable, sculpté graphite ou détaillées moules en plâtre / silice. Four de coulée du verre implique le chauffage des morceaux de verre dans un four jusqu'à ce qu'ils soient liquides et se écoulent dans un moule en attente au-dessous du four. Verre peut également être soufflé et / ou chaude sculpté avec des outils manuels soit comme une masse solide ou dans le cadre d'un objet soufflé.
Poterie
La poterie est l'un des matériaux les plus anciens pour la sculpture, ainsi que l'argile est le milieu dans lequel de nombreuses sculptures coulées dans le métal sont à l'origine modélisés pour la coulée. Sculpteurs construisent souvent de petits travaux préliminaires appelés maquettes de matériaux éphémères tels que plâtre de Paris, de la cire, argile non cuite, ou plasticine. De nombreuses cultures ont produit des poteries qui combine une fonction comme un navire avec une forme sculpturale et petite figurines ont souvent été aussi populaires car ils sont dans la culture occidentale moderne. Timbres et moules ont été utilisés par la plupart des civilisations anciennes, à partir de La Rome antique et de la Mésopotamie à la Chine.
Sculpture sur bois
Sculpture sur bois a été très largement pratiquée, mais survit beaucoup moins bien que les autres matières principales, être vulnérable à la pourriture, les insectes, et le feu. Elle constitue donc un élément caché important dans l'histoire de l'art de nombreuses cultures. Extérieure sculpture sur bois ne dure pas longtemps dans la plupart des régions du monde, afin que nous ayons une petite idée comment le tradition totem développé. Beaucoup des sculptures les plus importants de la Chine et le Japon en particulier sont en bois, et la grande majorité des La sculpture africaine et celle de l'Océanie et d'autres régions. Le bois est léger, si propice à masques et autres sculptures destinée à être transportée, et peut prendre des détails très fins. Il est aussi beaucoup plus facile à travailler que la pierre.
Histoire de la sculpture
Périodes préhistoriques
Beaucoup survivant art préhistorique est petites sculptures portatives, avec un petit groupe de femmes Vénus paléolithique comme le Vénus de Willendorf (24,000-22,000 BC) trouvé à travers l'Europe centrale; les 30 cm de hauteur Homme lion d'environ 30,000 BCE a pratiquement pas de pièces qui peuvent être liés. Le Piscine renne d'environ 11,000 BCE est un des plus beaux d'un certain nombre de Magdaléniens sculptures en os ou en bois de cervidés d'animaux dans le art du Paléolithique supérieur, se ils sont moins nombreux que les pièces gravées, qui sont parfois classés comme sculpture. Avec le début de la Mésolithique en Europe sculpture figurative considérablement réduit, et est resté un élément moins commun dans l'art de décoration en relief des objets pratiques jusqu'à la période romaine, malgré certains travaux comme le Gundestrup chaudron de l' Age de Fer européenne et l'âge du bronze Trundholm char du soleil.
Lion l'homme, de Hohlenstein-Stadel, l'Allemagne , maintenant dans Musée Ulmer, Ulm, Allemagne , la plus ancienne connue statuette zoomorphe, Époque aurignacienne, 30,000 BC -26 000 BC
Cheval Magdalénien, c. 15000 BCE Musée d'Archéologie Nationale
Creeping Hyène, c. Il ya 12.000 à 17.000 années, ivoire de mammouth, trouvée dans La Madeleine
Le Trundholm char du soleil, peut-être 1800-1500 BCE; ce côté est dorée, l'autre est "sombre".
Proche-Orient ancien
Le Période Protoliterate en Mésopotamie , dominé par Uruk, a vu la production d'œuvres sophistiquées comme le Vase d'Uruk et sceaux-cylindres. Le Lionne de Guennol est un remarquable petit calcaire figure du Elam d'environ 3000-2800 BC, moitié homme et moitié lion. Un peu plus tard il ya un certain nombre de figures de prêtres grands yeux et des fidèles, principalement en albâtre et jusqu'à un pied de haut, qui ont assisté temple images de culte de la divinité, mais très peu d'entre eux ont survécu. Sculptures de la sumérienne et akkadienne période avaient généralement de grande taille, les yeux fixes, et de longues barbes sur les hommes. Beaucoup de chefs-d'œuvre ont également été trouvés au cimetière royal à Ur (c. 2650 BC), y compris les deux chiffres d'un Ram dans un fourré, le Copper Bull et la tête d'un taureau sur l'un des Harpes d'Ur.
De nombreuses périodes ultérieures avant l'ascendant de la Neo-Empire assyrien au 10ème siècle BCE mésopotamienne art survit dans un certain nombre de formes: les sceaux-cylindres, relativement petites figures en ronde-bosse, et les reliefs de différentes tailles, y compris les plaques à bas prix de la poterie moulée pour la maison, des religieux et certains apparemment pas . Le Burney Relief est une inhabituelle élaborés et relativement grandes (20 x 15 pouces) plaque en terre cuite d'une déesse ailée nue dans les pieds d'un oiseau de proie et les hiboux qui en découlent et les lions. Il vient de la 18e ou 19e siècles avant notre ère, et peut également être moulé. Pierre stèles, des offrandes votives, ou celles commémorant probablement victoires et montrant fêtes, on trouve aussi de temples, qui, contrairement à celles plus officielles manquent inscriptions qui leur expliquer; le fragmentaire stèle des vautours est un exemple précoce de type inscrit, et l'Assyrien Obélisque noir une grande et solide défunt.
La conquête de l'ensemble de la Mésopotamie et beaucoup territoire environnant par les Assyriens ont créé un Etat plus grand et plus riche que la région avait connu auparavant, et l'art très grandiose dans les palais et les lieux publics, sans doute en partie destinés à correspondre à la splendeur de l'art de la voisin empire égyptien. Les Assyriens ont développé un style de très grands régimes de bas-reliefs narratifs très finement détaillées dans la pierre des palais, avec des scènes de guerre ou de chasse; la British Museum possède une collection exceptionnelle. Ils ont produit très peu de sculpture en ronde bosse, sauf pour les figures tutélaires colossaux, souvent à tête humaine lamassu, qui sont sculpté en haut relief sur les deux faces d'un bloc rectangulaire, avec les chefs efficacement dans le cycle (et aussi cinq jambes, de sorte que les deux points de vue semblent complète).Même avant de dominer la région, ils avaient continué la tradition de sceau-cylindre avec des dessins qui sont souvent extrêmement énergique et raffiné.
Le Lionne de guennol, 3e millénaire avant notre ère, 3,5 pouces de haut
Un des 18 Statues de Gudea, une règle autour de 2090 BCE
Le Burney secours,vieille Babylone, vers 1800 avant notre ère
Relief assyrien deNimroud, à partir de 728 c BCE
L'Egypte Ancienne
Le sculpture monumentale de l'Egypte antique est célèbre, mais les petites œuvres raffinées et délicates existe en plus grand nombre. Les Egyptiens utilisaient la technique distinctif de relief dans le creux, qui est très bien adapté à la lumière du soleil. Les principaux chiffres en reliefs adhèrent à la même convention de figure comme dans la peinture, avec les jambes écartées (où pas assis) et tête représentée par le côté, mais le torse de l'avant, et un ensemble standard de proportions qui composent la figure, en utilisant 18 «poings» pour passer de la terre à la chevelure en ligne sur le front. Cela semble dès la palette de Narmer de la Dynastie, mais là comme ailleurs la convention ne soit pas utilisé pour les chiffres indiqués mineurs engagés dans une activité, tels que les captifs et des cadavres. D'autres conventions font des statues de mâles plus sombres que celles des femelles. Très statues portrait stylisé apparaissent à partir dès la dynastie II, avant 2780 avant notre ère, et à l'exception de l' art de la période d'Amarna Ahkenaten , et quelques autres périodes telles que la XIIe dynastie, les caractéristiques idéalisées de dirigeants, comme les autres conventions artistiques égyptiennes , peu changé qu'après la conquête grecque.
Égyptien pharaons ont toujours été considérés comme des dieux, mais d'autres divinités sont beaucoup moins fréquents dans les grandes statues, sauf quand ils représentent le pharaon comme une autre divinité; Cependant les autres divinités sont souvent présentés dans des peintures et des reliefs. Le célèbre rangée de quatre statues colossales en dehors du temple principal à Abou Simbel chaque montrer Ramsès II , un schéma typique, mais ici exceptionnellement élevé. Petites figures de divinités, ou leurs personnifications des animaux, sont très fréquents, et a trouvé dans les matériaux populaires tels que la poterie. La plupart plus grande sculpture survit de temples ou de tombes égyptiennes; par la IVe dynastie (2680-2565 avant notre ère), au plus tard l'idée de la statue du Ka a été fermement établi. Ceux-ci ont été mis dans des tombes comme un lieu de repos pour le ka partie de l'âme, et nous avons donc un bon nombre de statues stylisées de moins aisés administrateurs et leurs épouses, beaucoup de bois que l'Egypte est l'un des rares endroits dans le monde où le climat permet au bois de survivre au cours des millénaires. La dite têtes de réserve, têtes chauves lisses, sont particulièrement naturaliste. Premières tombes contenaient également des petits modèles des esclaves, des animaux, des bâtiments et des objets tels que les bateaux nécessaires pour le défunt à continuer son mode de vie dans l'au-delà, et plus tard Ushabti chiffres.
Fac-similé de la palette de Narmer, c. 3100 BC, qui montre déjà la vue de profil égyptienne canonique et les proportions de la figure.
Mykérinos (Mykérinos) et de la reine, Ancien Empire, Dynasty 4, 2490-2472 av. La formalité de la pose est réduit par le bras de la reine autour de son mari.
Modèles de tombes en bois, Dynastry XI; un haut administrateur compte ses bovins.
Le masque en or de Toutankhamon, c. tard XVIIIe dynastie,Musée égyptien
Le Jeune Memnon c. 1250 BC, Musée Anglais
Osiris sur une lapis lazuli pilier au milieu, flanqué deHorus sur la gauche, etIsissur la droite, 22 dynastie, Persienne
Le ka statue a fourni un lieu physique pour le ka de manifester.Musée égyptien du Caire
Bloquer statue de Pa-Ankh-Ra, maître du navire, portant une statue de Ptah. Époque, ca. 650-633 BC, Cabinet des Médailles.
Grèce Antique
Le premier style distinctif de la sculpture grecque antique développé dans le Bronze ancien période des Cyclades (3e millénaire avant notre ère), où les chiffres de marbre, généralement des femmes et des petites, sont représentés dans un style géométrique élégamment simplifiée. Le plus typique est une règle posent avec les bras croisés devant, mais d'autres chiffres sont présentés dans des poses différentes, y compris une figure compliquée d'un harpiste assis sur une chaise.
La suite minoenne et mycénienne cultures développées sculpture en outre, sous l'influence de la Syrie et ailleurs, mais il est tard dans la période archaïque de l'ordre de 650 avant notre ère que les kouros développés. Ce sont de grandes statues en pied de jeunes nus, trouvés dans les temples et tombeaux, avec le kore comme l'équivalent féminin habillé, avec des cheveux minutieusement habillé; les deux ont le " sourire archaïque ". Ils semblent avoir servi un certain nombre de fonctions, représentant peut-être parfois divinités et parfois la personne enterrés dans une fosse, comme avec le Kroisos Kouros. Ils sont clairement influencés par les styles égyptiens et syriens, mais les artistes grecs étaient beaucoup plus prêt à expérimenter au sein du style.
Au cours de la 6ème siècle sculpture grecque se développa rapidement, devenant plus naturaliste, et avec beaucoup plus de figure active et variée pose dans des scènes narratives, mais encore dans les conventions idéalisées. Sculptés frontons ont été ajoutés à des temples, y compris le Parthénon à Athènes, où les restes du fronton de l'ordre de 520 en utilisant les figures en ronde ont été heureusement utilisés comme remplissage pour les nouveaux bâtiments après le sac perse en 480 avant notre ère, et récupérés à partir des années 1880 dans état frais inaltéré. Autres importants vestiges de la sculpture architecturale venus de Paestum en Italie, Corfou, Delphes et le Temple d'Aphaia à Egine (beaucoup maintenant à Munich ).
Cyclades Femme Figurine, c. 2500-2400 BCE, 41,5 cm (16,3 po) de hauteur
La tête de Bull , mycénienne rhyton Terra cotta, 1300-1200 av. Trouvé dans un tombeau Karpathos, Musée Anglais
Vase Mykonos, 670 BC, décoréspithos trouve àMykonos, en Grèce, représentant l'un des restitutions connus les plus anciens ducheval de Troie,Musée archéologique de Mykonos
Lifesize Kouros, c. 590-580 BCE, Metropolitan Museum of Art
Le " NaxianSphinx "deDelphi, 570-560 BC, le chiffre de 222 cm (87,4 po) de hauteur
Peplos Kore , c. 530 BC, Athènes , Musée de l'Acropole
Guerrier archaïque tardive du fronton est de la Temple d'Aphaia, c. 500
Le sarcophage Amathus, à partirAmathus,Chypre, 2ème trimestre de la 5ème siècle avant JCpériode archaïque, Metropolitan Museum of Art
Classique
Nous avons moins de restes originaux de la première phase de la période classique, souvent appelé le style sévère; statues autoportantes sont maintenant pour la plupart fabriqués en bronze, qui a toujours eu valeur comme ferraille. Le style sévère a duré environ de 500 en reliefs, et peu de temps après dans 480 statues, à environ 450. Les poses relativement rigides de chiffres détendu, et positions de rotation asymétriques et des vues obliques est devenu commun, et a délibérément cherché. Cela a été combinée avec une meilleure compréhension de l'anatomie et la structure harmonieuse de figures sculptées, et la poursuite de la représentation naturaliste comme un but, qui n'a pas été présente auparavant. Les fouilles du Temple de Zeus à Olympie depuis 1829 ont révélé le plus grand groupe de vestiges, d'environ 460, dont beaucoup sont dans la Louvre.
La période «High classique" duré que quelques décennies d'environ 450 à 400, mais a eu une influence capitale sur l'art, et conserve un prestige spécial, en dépit d'un nombre très restreint de survivances d'origine. Les œuvres les plus connues sont les marbres du Parthénon, traditionnellement (depuis Plutarque) exécuté par une équipe dirigée par le plus célèbre sculpteur grec antique Phidias, actif d'environ 465 à 425, qui était dans son jour, plus célèbre pour sa colossale chryséléphantine Statue de Zeus à Olympie (c 432), l'une des Sept Merveilles du monde antique, son Athena Parthenos (438), l'image de culte du Parthénon , et Athena Promachos , une figure colossale en bronze qui se tenait à côté du Parthénon; tous ces éléments sont perdus, mais sont connus par de nombreuses représentations. Il est également crédité comme le créateur de certaines statues de bronze grandeur nature connus qu'à partir de copies ultérieures dont l'identification est controversée, y compris le Ludovisi Hermes .
Le style classique de haut a continué à développer le réalisme et la sophistication de la figure humaine, et d'améliorer la représentation des rideaux (vêtements), l'utiliser pour ajouter à l'impact des poses actives. Les expressions faciales étaient généralement très sobre, même dans les scènes de combat. La composition des groupes de chiffres en reliefs et sur les frontons combinés complexité et l'harmonie d'une manière qui a eu une influence permanente sur l'art occidental. Relief pourrait être très élevé, comme dans l'illustration ci-dessous Parthénon, où la plupart de la jambe du guerrier est complètement détaché de l'arrière-plan, comme l'étaient les pièces manquantes; secours cette sculptures plus susceptibles d'être endommagés haute faites. Le style classique tardif développé la statue nue libre-debout femme, soi-disant une innovation de Praxitèle, et développé de plus en plus complexes et subtiles poses qui étaient intéressants lorsqu'il est vu à partir d'un certain nombre d'angles, ainsi que plus de visages expressifs; deux tendances devaient être prises beaucoup plus loin dans la période hellénistique.
Hellénistique
Le Période hellénistique est classiquement datait de la mort de Alexandre le Grand en 323 avant JC, et se terminant soit par la conquête définitive des bastions grecs par Rome en 146 avant JC ou avec la défaite finale du dernier état-successeur restant à l'empire d'Alexandre après la bataille d'Actium en 31 avant JC, qui marque aussi la fin de la Rome républicaine. Il est donc beaucoup plus longtemps que les périodes précédentes, et comprend au moins deux grandes phases: un style "Pergamene" de l'expérimentation, l'exubérance et certains sentimentalité et la vulgarité, et dans le 2ème siècle avant JC un retour de classicisant à une simplicité plus austère et l'élégance; au-delà de ces généralisations datation est généralement très incertaine, surtout quand seules les copies ultérieures sont connus, comme cela est habituellement le cas. Le style initial de Pergame a été pas particulièrement associée à Pergame, d'où il tire son nom, mais les rois très riches de cet Etat étaient parmi les premiers à recueillir et également copier la sculpture classique, et a également commandé beaucoup de nouveaux travaux, y compris la célèbre Autel de Pergame dont la sculpture est maintenant principalement dans Berlin et qui illustre le nouveau style, tout comme le Mausolée d'Halicarnasse (un autre des Sept Merveilles), le célèbre Laocoon et ses fils dans le Musées du Vatican, un exemple tardif, et l'original en bronze de The Dying la Gaule (illustré en haut), dont nous savons faisait partie d'un groupe effectivement commandé pour Pergamon dans environ 228 BC, à partir de laquelle le Ludovisi la Gaule était aussi une copie. Le groupe a appelé le Taureau Farnèse, éventuellement une 2ème original en marbre de siècle, est encore plus grande et plus complexe,
Sculpture hellénistique considérablement élargi la gamme de sujets représentés, en partie en raison d'une plus grande prospérité générale, et l'émergence d'une classe très riche qui avait de grandes maisons ornées de sculptures, même si nous savons que quelques exemples de sujets qui semblent le mieux adapté à la maison , tels que les enfants avec les animaux, étaient en fait placés dans des temples ou d'autres lieux publics. Pour un marché beaucoup plus populaire décoration de la maison, il y avait figurines de Tanagra, et ceux des autres centres où les petites figures de poterie ont été produites à l'échelle industrielle, quelques dames religieuses mais d'autres montrant des animaux et élégamment vêtus. Sculpteurs devenus techniquement plus compétent pour représenter les expressions faciales de transport une grande variété d'émotions et de l'art du portrait des individus, ainsi représentant différents âges et races. Les reliefs du mausolée sont plutôt atypique à cet égard; la plupart des travaux était en position libre, et les compositions de groupe avec plusieurs chiffres pour être vu dans la ronde, comme le Laocoon et le groupe de Pergame célébrant la victoire sur les Gaulois sont devenus populaires, ayant été rares avant. Le Faune Barberini, montrant un satyre vautré endormi, sans doute verre après, est un exemple de la détente morale de la période, et la volonté de créer des sculptures de grandes et coûteuses de sujets qui tombent à court de l'héroïque.
Après les conquêtes d'Alexandre culture hellénistique était dominante dans les tribunaux de la plupart du Proche-Orient, et certains d' Asie centrale, et de plus en plus adoptée par les élites européennes, en particulier en Italie, où les colonies grecques d'abord contrôlés la plupart du Sud. L'art hellénistique, et les artistes, se propagent très largement, et a été particulièrement influent dans la République romaine et l'expansion quand il rencontre le bouddhisme dans les extensions orientales de la zone hellénistique. Le massif dite Alexander sarcophage trouvé dans Sidon moderne du Liban , a probablement été il fait au début de la période par des artistes grecs expatriés pour un gouverneur perse hellénisé. La richesse de la période a conduit à une production fortement accrue des formes de luxe de petite sculpture, y compris les pierres gravées et des camées, des bijoux, de l'or et de l'argenterie.
Le Bronzes de Riace, figures de bronze très rares récupéré à partir de la mer, c. 460-430
Hermès et Dionysos enfant, éventuellement un original dePraxitèle, 4ème siècle
Deux dames élégantes, figurines de poterie, 350-300
Statuette en bronze d'un cheval,2e fin - 1er siècle avant JC Metropolitan Museum of Art
Le Victoire de Samothrace , c. 190 BC, Persienne
Vénus de Milo , c. 130-100 BC, grec, le Persienne
Groupe du Laocoon, grecque, (finhellénistique),vers 160 avant JC et 20 avant JC,en marbre blanc,Musée du Vatican
Léocharès, Apollon du Belvédère , c. 130-140 AD. Copie romaine après un original grec en bronze de 330 à 320 av. Musées du Vatican
Europe après les Grecs
Sculpture romaine
Premier art roman a été influencé par l'art de la Grèce et celle des voisins Étrusques, elles-mêmes fortement influencés par leurs partenaires commerciaux grecs. Une spécialité étrusque était près de la taille de la vie tombe effigies en terre cuite, située généralement au-dessus d'un couvercle de sarcophage appuyé sur un coude dans la pose d'un dîner dans cette période. Comme l'expansion République romaine a commencé à conquérir le territoire grec, d'abord dans le sud de l'Italie, puis l'ensemble du monde hellénistique à l'exception du parthe Extrême-Orient, officielle et la sculpture patricienne devenue largement une extension du style hellénistique, à partir de laquelle les éléments spécifiquement romaines sont difficiles à démêler, d'autant plus que tant la sculpture grecque ne survit que dans des copies de la période romaine. Par la 2e siècle avant notre ère, "la plupart des sculpteurs travaillant à Rome" étaient grecs, souvent asservie dans conquêtes comme celle de Corinthe (146 BCE), et les sculpteurs ont continué d'être principalement des Grecs, souvent esclaves, dont les noms sont très rarement enregistrée. Un grand nombre de statues grecques ont été importés à Rome, que ce soit comme butin ou le résultat de l'extorsion de fonds ou le commerce, et les temples étaient souvent décorées avec réutilisés œuvres grecques.
Un style italien natif peut être vu dans les monuments funéraires, qui très souvent comporté des bustes, des prospères de la classe moyenne Romains, et le portrait est sans doute la principale force de la sculpture romaine. Il n'y a pas de survivances de la tradition des masques d'ancêtres qui ont été portés en procession aux funérailles des grandes familles et autrement affichés dans la maison, mais la plupart des bustes qui survivent doivent représenter des figures ancestrales, peut-être des grands tombeaux de la famille comme le Tombeau des Scipions ou les mausolées tard en dehors de la ville. Le célèbre chef supposé de bronze Lucius Junius Brutus est très diversement daté, mais considéré comme un taux de survie très rare du style italique sous la République, dans le milieu préféré de bronze. Têtes même sévères et énergiques sont vu sur les monnaies de la République fin, et dans les pièces d'époque impériale ainsi que des bustes envoyés autour de l'Empire pour être placé dans les basiliques de villes de province ont été la principale forme visuelle de la propagande impériale; même Londinium avait une proximité -colossal statue de Néron, mais beaucoup plus faible que les 30 mètres de haut Colosse de Néron à Rome, aujourd'hui perdu.
Les Romains ne tentent généralement de rivaliser avec autoportante œuvres grecques d'exploits héroïques de l'histoire ou de la mythologie, mais dès le début des travaux historiques produites en relief, culminant dans les grandes colonnes de triomphe romain avec reliefs narratifs continues enroulement autour d'eux, dont ceux commémorant Trajan (CE 113) et Marc-Aurèle (par 193) survivent à Rome, où l' Ara Pacis ("Autel de la Paix", 13 BCE) représente le style officiel gréco-romaine à sa plus classique et raffinée. Parmi d'autres exemples principaux sont les reliefs réutilisés antérieures sur l' Arc de Constantin et la base de la colonne d'Antonin le Pieux (161), reliefs Campana étaient des versions de poterie moins chers de reliefs en marbre et le goût pour le soulagement était de la période impériale élargis pour le sarcophage. Toutes les formes de luxe petite sculpture continué à être fréquenté, et la qualité pourrait être extrêmement élevé, comme dans l'argent Coupe Warren, verre Coupe Lycurgue, et de grandes camées comme le Gemma Augustea, Gonzaga Cameo et le « Grand Camée de France ". Pour une section beaucoup plus large de la population, moulé décor en relief des poteries et des petites figurines ont été produites en grande quantité et de la qualité souvent considérable.
Après le déplacement à travers une 2ème siècle phase tardive "baroque", dans le 3ème siècle l'art romain largement abandonnée, ou tout simplement devenu incapable de produire, de la sculpture dans la tradition classique, un changement dont les causes restent beaucoup discuté. Même les plus importants monuments impériaux montrent maintenant des chiffres trapues, grand-eyed dans un style frontal dur, dans des compositions simples mettant l'accent sur le pouvoir au détriment de la grâce. Le contraste est illustré dans le célèbre Arc de Constantin de 315 à Rome, qui combine des sections dans le nouveau style avec des cocardes dans le style gréco-romain tôt pleine prises d'ailleurs, et les Quatre Tetrarchs (c. 305) de la nouvelle capitale de Constantinople , maintenant Venise. Ernst Kitzinger trouvé dans les deux monuments les mêmes proportions trapues ", des mouvements angulaires, une commande de pièces à travers la symétrie et la répétition et un rendu de fonctionnalités et la draperie se replie à travers des incisions plutôt que la modélisation ... La caractéristique du style partout où il semble se compose d'une dureté emphatique, la lourdeur et angularité - en bref, un rejet presque complète de la tradition classique ".
Cette révolution dans le style précède de peu la période dans laquelle le christianisme a été adopté par l'État romain et la grande majorité de la population, conduisant à la fin de grande sculpture religieuse, avec de grandes statues maintenant seulement utilisés pour les empereurs. Cependant chrétiens riches ont continué à commander reliefs de sarcophages, comme dans le Sarcophage de Junius Bassus, et très petite sculpture, en particulier dans l'ivoire, a été poursuivi par les chrétiens, misant sur le style du diptyque consulaire.
Étrusque sarcophage, BCE 3ème siècle
Le " CapitoleBrutus ", daté du 3e ou du 1er siècle avant notre ère
Auguste de Prima Porta, la statue de l'empereurAuguste, 1er siècle de notre ère.Musées du Vatican
Tomb relief du Decii, 98-117 CE
Buste de l'empereur Claude , c. 50 CE, (retravaillé à partir d'un buste de l'empereur Caligula), Il a été constaté dans ce qu'on appelle la basilique Otricoli dans Lanuvium, Italie, Musées du Vatican
Commode habillée comme Hercule, c. 191 CE, dans le style de la fin impériale "baroque"
Le Quatre Tetrarchs , c. 305, montrant le nouveau style anti-classique, en porphyre, maintenant San Marco, Venise
Le joyau de camée connu comme le " Grand Camée de France ", c. 23 CE, avec une allégorie de Augustus et sa famille
Early Medieval et byzantine
Le Les premiers chrétiens se sont opposés à la sculpture religieuse monumentale, tout en continuant les traditions romaines de bustes et de bas-reliefs des sarcophages, ainsi que de petits objets tels que le diptyque consulaire. Ces objets, souvent dans des matériaux précieux, étaient également les principales traditions sculpturales (pour autant que l'on sait) des civilisations barbares de la période de migration, comme on le voit dans les objets trouvés dans le 6ème trésor funéraire siècle à Sutton Hoo , et les bijoux de art scythe et les chrétiens et hybrides productions de style animaux Enluminure insulaire. Suite à la tradition byzantine continue, l'art carolingien relancé la sculpture sur ivoire, souvent dans des panneaux pour les fixations de trésor de grands manuscrits enluminés, ainsi que les chefs de Crozier et autres petits accessoires.
L'art byzantin, si la production de reliefs d'ivoire superbes et sculpture décorative architecturale, jamais retourné à la sculpture monumentale, ou même beaucoup petite sculpture en ronde bosse. Cependant, dans l'Ouest pendant les carolingiens et périodes ottoniens il y avait les prémices d'une production de statues monumentales, dans les tribunaux et les grandes églises. Ce progressivement étendue; par la fin du 10ème et 11ème siècle il ya des enregistrements de plusieurs apparemment sculptures grandeur de la vie dans les églises anglo-saxons, probablement de métal précieux autour d'un cadre en bois, comme la Madone de Essen or. Aucun exemple anglo-saxonne a survécu, et des survivances de grande sculpture non-architecturale d'avant 1000 sont exceptionnellement rares. Une grande partie de la plus belle est la Croix Gero, de 965 à 70, qui est un crucifix, qui était évidemment le type le plus commun de la sculpture; Charlemagne avait en créer un dans la Chapelle Palatine à Aachen autour de 800. Ceux-ci continuent de croître en popularité, en particulier dans Allemagne et l'Italie. Le pierres runiques du monde nordique, les pierres pictes de l'Ecosse et éventuellement les reliefs croisés élevés de Christian Grande-Bretagne, étaient traditions sculpturales du Nord qui pontés la période de la christianisation.
Archange Ivoire, 525 à 550,Constantinople
Tard Panneau d'ivoire carolingien, probablement destiné à un livre-couverture
Le Triptyque Harbaville,byzantineivoire, mi-10ème siècle
Détail du Christ sur laCroix Gero,Cologne965-970, le premier grand exemple de la renaissance de la grande sculpture
Roman
De 1000 il y avait une renaissance générale de la production artistique dans toute l'Europe, grâce à la croissance économique générale de la production et le commerce, et le nouveau style de l'art roman a été le premier style médiéval pour être utilisé dans l'ensemble de l'Europe occidentale. Les nouvelles cathédrales et les églises de pèlerinage ont été décorées de plus en plus avec des reliefs de pierre architecturale, et de nouveaux axes pour la sculpture développés, tels que le tympan de la porte des églises dans le 12ème siècle, et la habitée capital avec figures et des scènes souvent narratives. Abbatiales en suspens avec la sculpture comprennent en France Vézelay et Moissac et en Espagne Silos.
L'art roman a été caractérisée par un style très vigoureuse dans les deux sculpture et la peinture. Les chapiteaux des colonnes étaient jamais plus excitant que dans cette période, quand ils ont été souvent sculptés avec des scènes complètes avec plusieurs figures. Le grand bois crucifix était un droit de l'innovation allemande au début de la période, comme l'étaient les statues de libre-permanents du trône Madonna, mais le relief est surtout le mode sculpturale de la période. Compositions avaient généralement peu de profondeur, et avaient besoin d'être flexible pour se faufiler dans les formes des capitales, et typanums de l'église; la tension entre un cadre enserrant, à partir de laquelle la composition échappe parfois, est un thème récurrent dans l'art roman. Les chiffres encore souvent varié en taille par rapport à leur portrait importance existaient à peine.
Objets dans des matériaux précieux tels que l'ivoire et de métal ont un statut très élevé dans la période, beaucoup plus que la sculpture monumentale - nous connaissons les noms de plus de décideurs de ces peintres, enlumineurs que ou architecte-maçons. Ferronnerie, y compris la décoration dans l'émail, est devenu très sophistiqué, et de nombreux sanctuaires spectaculaires fait pour tenir reliques ont survécu, dont la plus connue est la châsse des rois mages à la cathédrale de Cologne par Nicolas de Verdun. Le bronze Gloucester chandelier et la police de 1108 à 1117 en laiton maintenant à Liège sont de superbes exemples, très différents dans le style, de coulée de métal, l'ancien hautement complexe et énergique, en tirant sur l'enluminure, tandis que la police montre le style mosan à son plus classique et majestueux. Les portes de bronze, une colonne de triomphe et d'autres accessoires à la cathédrale de Hildesheim, les Portes Gniezno, et les portes de la basilique de San Zeno à Vérone sont autres survivances substantielles. Le Aquamanile, un récipient pour l'eau de se laver avec, semble avoir été introduit à l'Europe au 11ème siècle, et a souvent pris fantastiques formes zoomorphes; exemples survivants sont pour la plupart en laiton. Beaucoup impressions de sceaux de cire impressionnants survivent sur les chartes et documents, bien que des pièces romanes sont généralement pas d'un grand intérêt esthétique.
Le Cloisters Croix est une exceptionnellement grande ivoire crucifix, avec la sculpture complexe comprenant de nombreuses figures de prophètes et d'autres, qui a été attribué à l'un des rares artistes dont le nom est connu, Maître Hugo, qui a également manuscrits enluminés. Comme de nombreuses pièces, il a été à l'origine en partie de couleur. Le échecs de Lewis sont des exemples de petits ivoires, dont de nombreuses pièces ou framents restent de bien conservés crosses, des plaques, des croix pectorales et des objets similaires.
Fonts baptismaux à l'église, Liège, Saint-Barthélemy le Baptême du Christ, 1107-1118
Le tympan del'abbaye de Vézelay,Bourgogne,France, années 1130
Façade,Cathédrale deOurense 1160,l'Espagne
Pórtico da Groria , cathédrale de Saint Jacques de Compostelle, Galice, Espagne, c. 12e-13e siècles
Gothique
La période gothique est essentiellement défini par l'architecture gothique, et ne tient pas entièrement avec le développement du style dans la sculpture, soit dans son départ ou d'arrivée. Les façades de grandes églises, en particulier autour des portes, ont continué d'avoir de grandes typanums, mais aussi des rangées de figures sculptées répandre autour d'eux. Les statues de la Western (Royal) Portail à la cathédrale de Chartres (c. 1145) montrent un élégant mais exagérées allongement colonnaire, mais ceux au sud portail transept, de 1215 à 1220, montrent un style plus naturaliste et en augmentant le détachement du mur derrière et une certaine conscience de la tradition classique. Ces tendances se sont poursuivies dans le portail de l'ouest à la cathédrale de Reims de quelques années plus tard, où les chiffres sont presque dans la ronde, comme d'habitude est devenu comme la propagation gothique à travers l'Europe.
En Italie Nicola Pisano (1258-1278) et son fils Giovanni développé un style qui est souvent appelé Proto-Renaissance, avec l'influence indéniable de sarcophages romains et des compositions sophistiquées et encombrés, y compris un traitement favorable de la nudité, dans les panneaux de secours sur leur chaire de la cathédrale de Sienne (1265-1268), la Fontana Maggiore à Pérouse, et de Giovanni la chaire de Pistoia de 1301. Un autre renaissance de style classique se voit dans l' œuvre gothique international de Claus Sluter et ses disciples dans la Bourgogne et la Flandre vers 1400. sculpture gothique tardif poursuivie en le Nord, avec une mode pour les très grands retables sculptés en bois avec la sculpture de plus en plus virtuose et un grand nombre agités figures expressives; la plupart des exemples survivants sont en Allemagne, après beaucoup de l'iconoclasme ailleurs. Tilman Riemenschneider, Veit Stoss et autres ont continué le style bien dans le 16ème siècle, absorbant progressivement les influences de la Renaissance italienne.
Vie de taille tombe effigies en pierre ou en albâtre est devenu populaire pour les riches, et de grands tombeaux multi-niveaux ont évolué, avec les tombes Scaliger de Vérone si grand qu'ils ont dû être déplacés hors de l'église. Par le 15ème siècle il y avait une industrie exportatrice Nottingham reliefs en albâtre d'autel en groupes de panneaux sur une grande partie de l'Europe pour les paroisses économiques qui ne pouvaient pas se permettre retables en pierre. Petites sculptures, pour un marché essentiellement laïque et souvent des femmes, sont devenus une industrie considérable à Paris et quelques autres centres. Types d'ivoires inclus petits dévotion polyptyques, chiffres simples, en particulier de la Vierge, miroir-cas, des peignes, et coffrets élaborés avec des scènes de Romances, utilisés comme cadeaux engagement. Le très riche collectés pierreries extravagante élaborée et ferronnerie émaillé, à la fois laïque et religieux, comme le Duc de Berry Saint Thorn Reliquaire, jusqu'à ce qu'ils couraient à court d'argent, quand ils ont été fondus à nouveau pour de l'argent.
Ouest portail dela cathédrale de Chartres(c. 1145)
Portail sud dela cathédrale de Chartres(c. 1215-1220)
Portail Ouest àla cathédrale de Reims,groupe Annonciation
Nicola Pisano,la Nativitéet l'Adoration des Magesde la chaire de laPise Baptistère
Claus Sluter,David et unprophète duPuits de Moïse
Base de laSainte-Epine Reliquaire, unerésurrection des mortsen or, émail et pierres précieuses
Section d'un retable lambrissé avec la résurrection du Christ, en anglais, de 1450 à 1490,l'albâtre avec des restes de couleur
Détail de laCèneà partirde Tilman Riemenschneiderautel du Saint-Sang, de 1501 à 1505,Rothenburg ob der Tauber, Bavière
Renaissance
Sculpture de la Renaissance appropriée est souvent pris pour commencer par la célèbre compétition pour les portes du Baptistère de Florence en 1403, à partir de laquelle les modèles d'essais soumis par le vainqueur, Lorenzo Ghiberti et Filippo Brunelleschi survivre. Les portes de Ghiberti sont toujours en place, mais ont été sans aucun doute exclipsed par son deuxième paire pour l'autre entrée, la soi-disant "Portes du Paradis", ce qui lui a pris de 1425 à 1452, et sont éblouissante compositions classicisantes confiantes avec des profondeurs de relief varié permettant de vastes horizons. Les années avaient vu au début assistant de Ghiberti Donatello développer avec des statues séminales y compris son Davids en marbre (1408-1409) et le bronze (1440), et sa statue équestre de Gattamelata, ainsi que des reliefs. Une figure de proue de la dernière période était Andrea del Verrocchio, mieux connu pour son statue équestre de Bartolomeo Colleoni à Venise; son élève Leonardo Da Vinci a conçu une sculpture équine en 1482 Le Cheval de Milan ne -Mais a réussi à faire un de 24 pieds (7,3 m) modèle d'argile qui a été détruit par les archers français en 1499, et ses autres plans ambitieux ont été sculpturales jamais achevé.
La période a été marquée par une forte augmentation de la fréquentation de la sculpture par l'Etat pour l'art public et par les riches pour leurs maisons; surtout en Italie, sculpture publique demeure un élément crucial dans l'apparition de centres urbains historiques. Église sculpture essentiellement déplacé à l'intérieur comme à l'extérieur des monuments publics sont devenus communs. Portrait sculpture, habituellement dans des bustes, est devenu populaire en Italie vers 1450, avec l' Napolitaine Francesco Laurana spécialisée dans les jeunes femmes dans des poses méditatives, tandis que Antonio Rossellino et d'autres plus souvent représentés hommes noueux à face des affaires, mais aussi de jeunes enfants. Le portrait médaille inventé par Pisanello aussi souvent dépeint les femmes.
Michel-Ange était un sculpteur actif d'environ 1500 à 1520, et ses grands chefs-d'œuvre, y compris ses David, Pietà , Moïse , et pièces pour le Tombeau du Pape Jules II et chapelle Médicis ne pouvait être ignoré par les sculpteurs ultérieures. Son emblématique David (1504) a un contrapposto pose, emprunté à la sculpture classique. Elle diffère de représentations précédentes de l'objet en ce que David est représenté avant son combat contre Goliath et non après la défaite du géant. Au lieu d'être présentés victorieux, comme Donatello et Verrocchio avaient fait, David semble tendue et la bataille prête.
Lorenzo Ghiberti, Panneau de l' Sacrifice d'Isaacà partir desportes de Florence Baptistère;vue oblique ici
Luca della Robbia, détail de Cantoria , c. 1438, Museo dell'Opera del Duomo, Florence
Donatello, David c. 1440, musée du Bargello, Florence
Donatello, « Judith et Holopherne , c. 1460, le Palazzo Vecchio, Florence
Francesco Laurana, buste féminin (fonte)
Verrocchio, Thomas l'incrédule, 1467-1483,Orsanmichele, Florence
Michel-Ange , La Statue de David , c. 1504, Galleria dell'Accademia, Florence
Michel-Ange , Dying esclave , c. 1513-1516
Maniériste
Comme dans la peinture, au début italienne sculpture maniériste était très largement une tentative de trouver un style original qui couronner la réalisation de la Haute Renaissance, qui, dans la sculpture signifiait essentiellement Michel-Ange, et une grande partie de la lutte pour atteindre cet objectif a été joué en commissions à remplir autres endroits dans la Piazza della Signoria à Florence, à côté de Michel-Ange David . Baccio Bandinelli a repris le projet d' Hercule et Cacus du maître lui-même, mais il était un peu plus populaire à l'époque qu'elle ne l'est maintenant, et malicieusement comparée par Benvenuto Cellini " un sac de melons ", même si elle a eu un effet de longue durée apparemment en introduisant des panneaux de secours sur le piédestal de statues. Comme d'autres œuvres de ses autres maniéristes et il enlève beaucoup plus du bloc original que Michel-Ange aurait fait. Le bronze de Cellini Persée avec la tête de Méduse est certainement un chef-d'œuvre, conçu avec huit angles de vue, une autre caractéristique maniériste, mais est bien maniérée rapport à la David de Michel-Ange et de Donatello. A l'origine un orfèvre, son célèbre or et émail Salière (1543) était sa première sculpture, et montre son talent à son meilleur. Comme le montrent ces exemples, la période a élargi la gamme des sujets profanes pour les grandes œuvres au-delà des portraits, des figures mythologiques avec notamment favorisées; Auparavant, ces avaient principalement été trouvés dans de petits travaux.
Figures de bronze petits pour de collection les armoires, des sujets souvent mythologiques avec des nus, étaient une forme Renaissance populaire à laquelle Giambologna, à l'origine flamande, mais basé à Florence, a excellé dans la dernière partie du siècle, créant aussi des sculptures de taille humaine, dont deux ont rejoint le collection dans la Piazza della Signoria. Lui et ses partisans conçu élégantes exemples allongées de la serpentinata figura , souvent de deux figures entrelacées, qui étaient intéressants sous tous les angles.
Stuc dessus-àFontainebleau, probablement conçu parPrimatice, qui a peint les médaillon ovale, 1530 ou 1540
Benvenuto Cellini, Persée avec la tête de Méduse, 1545-1554
Giambologna,Samson terrassant le Philistin, environ 1562
Giambologna, viol des Sabines, 1583, Florence, Italie, 13 '6 "de haut, marbre
Baroque et rococo
En sculpture baroque, des groupes de figures supposées importance nouvelle, et il y avait un mouvement dynamique et l'énergie de l'homme formes- qu'ils spirales autour d'un tourbillon central vide, ou sont parvenus à l'extérieur dans l'espace environnant. Sculpture baroque avait souvent idéales multiples angles de vision, et reflète la poursuite générale de la Renaissance éloigner du relief à la sculpture créée dans la ronde, et conçu pour être placé au milieu d'un grand espace - fontaines élaborées telles que du Bernin Fontana dei Quattro Fiumi (Rome, 1651), ou ceux dans les jardins de Versailles étaient une spécialité baroque. Le baroque style était parfaitement adapté à la sculpture, avec Gian Lorenzo Bernini la figure dominante de l'âge dans des œuvres telles que L'extase de sainte Thérèse (1647-1652). grande sculpture baroque a ajouté des éléments extra-sculpturales, par exemple, l'éclairage dissimulé, ou des fontaines d'eau, ou condensé sculpture et l'architecture pour créer un expérience transformatrice pour le spectateur. Artistes se considéraient comme dans la tradition classique, mais admirés hellénistique et romaine sculpture tard, plutôt que celle des périodes plus "classique" car ils sont considérés aujourd'hui.
Le Réforme protestante apporté un arrêt presque total à la sculpture religieuse dans une grande partie de l'Europe du Nord, et bien que la sculpture profane, en particulier pour les bustes et monuments de la tombe, la poursuite, l' âge d'or hollandais n'a pas de composante sculpturale significative en dehors orfèvrerie. En partie en réaction directe, la sculpture était aussi important dans le catholicisme comme dans la fin du Moyen Age. Statues de souverains et la noblesse sont devenus de plus en plus populaire. Au 18e siècle, une grande sculpture a continué sur les lignes baroques - la Fontaine de Trevi fut achevée qu'en 1762. Rococo style était mieux adapté aux petits travaux, et sans doute trouvé sa forme sculpturale idéal début porcelaine européenne, et les régimes de décoration d'intérieur en bois ou en plâtre tels que ceux dans les intérieurs domestiques français et églises de pèlerinage autrichiens et bavarois.
Gian Lorenzo Bernini, Apollon et Daphnédans laGalleria Borghese, 1622-1625
Buste deLouis XIV, 1686, parAntoine Coysevox
Pierre Paul Puget,Persée et Andromède, 1715, Musée du Louvre
Franz Anton Bustelli,rococo groupe Nymphenburg Porcelaine
Neo-Classical
Le style néo-classique qui est arrivé à la fin du 18e siècle a donné une grande importance à la sculpture. Jean-Antoine Houdon illustre la sculpture portrait pénétrant le style pourrait produire, et Antonio Canova nus l'aspect idéaliste du mouvement. La période néoclassique était l'un des grands âges de la sculpture publique, bien que ses prototypes «classiques» étaient plus susceptibles d'être des copies romaines de sculptures hellénistiques. En sculpture, les représentants les plus connus sont l'Italien Antonio Canova, l'Anglais John Flaxman et le Danois Bertel Thorvaldsen. La manière néoclassique européenne a également pris attente aux Etats-Unis, où son apogée a eu lieu un peu plus tard et est illustré dans les sculptures de Hiram Powers.
Jean-Antoine Houdon,Buste deBenjamin Franklin, 1778, Metropolitan Museum of Art
Bertel Thorvaldsen: Jason et la Toison d'or(1803)
John Flaxman, Memorial dans l'église deBadger, Shropshire, c. 1780
Hiram Powers, 1851,l'esclave grecque,Yale University Art Gallery
Asie
Sculpture gréco-bouddhique et en Asie
L'art gréco-bouddhique est la manifestation artistique de gréco-bouddhisme , une culture syncrétisme entre le grec classique la culture et le bouddhisme , qui se est développé sur une période de près de 1000 ans de l'Asie centrale, entre les conquêtes d'Alexandre le Grand au 4e siècle avant notre ère, et les islamiques conquêtes de la 7e siècle de notre ère. L'art gréco-bouddhique se caractérise par la forte réalisme idéaliste de l'art hellénistique et les premières représentations du Bouddha sous forme humaine, qui ont contribué à définir le plan artistique (et en particulier, sculptural) canon pour l'art bouddhiste à travers le continent asiatique jusqu'à présent. Bien que la datation est incertaine, il semble que fortement styles hellénistiques attardés à l'Est pendant plusieurs siècles après qu'ils eurent décliné autour de la Méditerranée, aussi tard que le 5ème siècle de notre ère. Certains aspects de l'art grec ont été adoptées tandis que d'autres ne se propage pas au-delà de la zone gréco-bouddhique; en particulier la figure debout, souvent avec une ambiance détendue et pose une jambe fléchie, et les amours ou victoires, qui est devenu populaire à travers l'Asie comme battant apsaras. Feuillage grec decration était aussi influent, avec les versions indiennes du chapiteau corinthien apparaître.
Les origines de l'art gréco-bouddhique se trouvent à l'époque hellénistique Royaume gréco-bactrien (250 BCE - 130 BCE), situé dans d'aujourd'huien Afghanistan, à partir de laquelle la culture hellénistique rayonnée dans lesous-continent indien avec la création de la petite Royaume indo-grec (180 BCE-10 avant notre ère). Sous le Indo-Grecs, puis le Kouchans, l'interaction de la culture grecque et bouddhiste florissante dans la région de Gandhara, dans le nord d'aujourd'huiau Pakistan, avant de se propager plus loin dans l'Inde, en influençant l'art de Mathura, puis l' Hindu art du Empire Gupta, qui devait se étendre au reste de l'Asie du Sud-Est. L'influence de l'art gréco-bouddhique aussi se propager au nord vers L'Asie centrale, affectant fortement l'art de la Bassin du Tarim et du Dunhuang Caves et, finalement, la figure sculptée en Chine, en Corée et au Japon.
Gandhara frise avec les dévots, tenantdes feuilles de plantain, dans un style purement hellénistique, à l'intérieurdes colonnes corinthiennes, première-deuxième siècle de notre ère.Buner,Swat,au Pakistan. Victoria and Albert Museum
Fragment du dieu du vent Borée, Hadda, l'Afghanistan .
Coin Demetrius I de la Bactriane, qui régna vers 200-180 avant JC et a envahi l'Inde du Nord
Tête de Bouddha deHadda, Afghanistan, 3e-4e siècles
Gandhara Poseidon ( Musée de l'ancien orient)
Le bouddhiste dieuxPancika (à gauche) etHariti (à droite), 3ème siècle, Gandhara
Taller Bouddha de Bâmiyân, c. 547 AD., En 1963 et en 2008, après qu'ils ont été dynamitées et détruites en Mars 2001 par le Taliban
-
Statue d'un monastère bouddhiste 700 AD,l'Afghanistan
Chine
Bronzes rituels chinois du Shang et des Zhou occidentaux Dynasties proviennent d'une période de plus de mille ans de c. 1500, et qui ont exercé une influence continue sur l'art chinois. Ils sont moulés avec motifs et complexe décoration zoomorphe, mais il faut éviter la figure humaine, contrairement aux chiffres énormes que récemment découverts à Sanxingdui. Le spectaculaire Armée de terre cuite a été assemblé pour le tombeau de Qin Shi Huang , premier empereur d'une Chine unifiée 221-210 BCE , comme une version impériale grande des chiffres à long placé dans les tombes pour permettre au défunt de bénéficier du même mode de vie dans l'au-delà que de son vivant, en remplacement de sacrifices réels des périodes très reculées. Les petits chiffres en poterie ou en bois ont été placées dans les tombes pour de nombreux siècles plus tard, atteignant un sommet de la qualité dans la dynastie des Tang .
Religions chinoises autochtones ne utilisent habituellement images de culte des divinités, ou même de les représenter, et une grande sculpture religieuse est presque tous bouddhistes, la plupart datant du 4ème au 14ème siècle, et d'abord en utilisant des modèles gréco-bouddhiques arrivant par la Route de la Soie . Le bouddhisme est également le contexte de toute grande sculpture de portrait; en contraste total avec certains autres domaines dans médiévales images Chine même peintes de l'empereur ont été considérées comme privé. Tombeaux impériaux ont avenues spectaculaires de l'approche bordée d'animaux réels et mythologiques sur une échelle correspondant à l'Egypte, et de plus petites versions décorer les temples et les palais. De petits personnages et groupes bouddhistes ont été produites à une très haute qualité dans une gamme de médias, comme ce fut le soulagement décoration de toutes sortes d'objets, en particulier dans la métallurgie et jade. Sculpteurs de toutes sortes ont été considérés comme des artisans et de très peu de noms sont enregistrés.
Shang Dynasty Ding en bronze
pot de vin, Dynastie des Zhou de l'Ouest (1050 BC-771 BC)
Lifesize calvalryman de l'armée de terre cuite,la dynastie Qin
Tomb figure de fille de danse, la dynastie des Han (202 BC-220 AD)
-
Dynastie des Wei du Nord Maitreya (386-534)
Dynastie des Tang(618-907) cheval de la poterie et du cavalier
Dynastie des Tang(618-907) la poterie de Tomb Guardian
Assis Bouddha , dynastie Tang ca. 650.
Le Grand Bouddha de Leshan, dynastie Tang , achevé en 803.
Portrait de moine, dynastie des Song , 11ème siècle
Un bois Bodhisattva de ladynastie des Song(960-1279)
Un bois Bodhisattva de ladynastie des Song(960-1279)
Chine Coupe de jade avec Dragon Poignées, 12ème siècle
Un vitrage grès statue d'un juge de l'Enfer,de la dynastie Ming(16e siècle)
Statue de Guanyin, par Chaozhong Il,la dynastie des Ming(1368-1644)
Bleu sous la statue d'un homme avec sa pipe, à partir de Jingdezhen,la dynastie des Ming(1368-1644)
Japon
Vers la fin de la longue Néolithique période Jōmon, quelques poteries étaient «flamme cerclées" avec des extensions extravagantes à la jante qui ne peuvent être appelées sculptural, et des poteries très stylisés chiffres de Dogu ont été produites, beaucoup avec les yeux "neige-lunettes" caractéristiques . Durant la période Kofun du troisième au sixième siècle de notre ère, les chiffres haniwa en terre cuite de l'homme et les animaux dans un style simpliste ont été érigées à l'extérieur des tombes importantes. L'arrivée du bouddhisme dans le 6ème siècle a apporté avec elle des traditions sophistiquées dans la sculpture, les styles chinois médiation via la Corée. Le 7ème siècle Hōryū-ji et son contenu ont survécu plus intacte que tout temple asiatique bouddhiste de sa date, avec des œuvres dont un Shaka Trinity de 623 en bronze, montrant le Bouddha historique flanqué de deux bodhisattvas et aussi le Rois gardiens des quatre directions.
L'image en bois (9e siècle) de Shakyamuni, le "historique" Bouddha, enchâssé dans un bâtiment secondaire à la Muro-ji, est typique du début du Sculpture Heian, avec son corps lourd, couverte par des plis de draperie épais sculptés dans le hompa-shiki (laminage-ondes) de style, et son austère, l'expression du visage retirée. L'école Kei de sculpteurs, en particulier Unkei, a créé un nouveau style, plus réaliste de la sculpture.
Presque tous subséquente grande sculpture significative au Japon était bouddhiste, avec quelques shintoïstes équivalents, et après le bouddhisme a diminué au Japon au 15ème siècle, la sculpture monumentale est devenu largement la décoration architecturale et moins significative. Cependant travail sculptural dans les arts décoratifs a été développé à un niveau remarquable de réussite technique et de raffinement dans de petits objets tels que inro et netsuke dans de nombreux matériaux, et le métal tosogu ou supports de sabre japonais. Au 19e siècle, il y avait des industries d'exportation des petites sculptures en bronze de virtuosité extrême, d'ivoire et de porcelaine figurines, et d'autres types de petite sculpture, en insistant de plus en plus la réalisation technique.
Dogu avec les yeux "neige-lunettes", 1000-400 av.
6ème siècle haniwa chiffre
Kongo Rishiki (divinité gardienne) à la porte centrale deHoryu-ji
Prêtre Ganjin (Zhen),période Nara, 8e siècle
Jōchō,Bouddha Amida,Période Heian, 1053,Byodo-dans, Kyoto
Tsuba raccord avec un "Rabbit Regarde la lune d'automne", bronze, or et argent, entre 1670 et 1744 l'épée
Izumiya Tomotada,netsuke sous la forme d'un chien, fin du 18e siècle
Yamada Chözaburö,Vent Dieuenfer repoussé, c. 1915
Inde
Le premier connu sculpture dans le sous-continent indien est de la civilisation de l'Indus (3300-1700 avant JC), trouvés dans des sites à Mohenjo Daro et Harappa dans le jour moderne le Pakistan . Celles-ci comprennent le célèbre petit bronze femme danseur. Toutefois, ces chiffres en bronze et en pierre sont rares et beaucoup plus nombreux que par des figurines de poterie et des joints de pierre, souvent des animaux ou des divinités très finement représentés. Après l'effondrement de la civilisation de l'Indus il ya peu de traces de la sculpture jusqu'à l'ère bouddhiste, en dehors d'une horde de chiffres de cuivre (un peu controversée) c. 1500 BCE de Daimabad. Ainsi la grande tradition de la sculpture monumentale indienne dans la pierre semble commencer relativement tard, avec le règne de Asoka 270-232 BCE, et les piliers d'Ashoka, il a érigé autour de l'Inde, portant ses édits et surmonté de sculptures célèbres d'animaux, principalement des lions , dont six ont survécu. De grandes quantités de sculpture figurative, principalement en relief, survivent à partir de début stupas de pèlerinage bouddhistes, surtout Sanchi; ceux-ci ont probablement développé sur une tradition en utilisant du bois qui a également embrassé l'hindouisme .
Le grès rose hindoue, jaïns et bouddhistes sculptures de Mathura du 1er au 3ème siècle de notre ère reflète à la fois les traditions indiennes indigènes et les influences occidentales reçu à travers l'art gréco-bouddhique du Gandhara, et a effectivement établi la base pour la suite de la sculpture religieuse indienne. Le style a été élaboré et diffusé à travers la plupart de l'Inde sous l' empire Gupta (c. 320-550) qui reste une période «classique» pour la sculpture indienne, couvrant les premières grottes d'Ellora, bien que les Grottes d'Elephanta sont probablement un peu plus tard. Plus tard, la sculpture à grande échelle demeure presque exclusivement religieux, et généralement plutôt conservatrice, souvent revenir à la simple règle frontale pose pour divinités, si les esprits auxiliaires tels que les apsaras et Yakshi poses ont souvent sensuellement courbes. Carving est souvent très détaillée, avec un support complexe derrière le personnage principal en haut-relief. Les célèbres bronzes de la Chola dynastie (c. 850 à 1250) à partir de l'Inde du sud, beaucoup conçu pour être transporté dans les processions, inclure la forme iconique de Shiva comme Nataraja, avec les sculptures de granit massives de Mahabalipuram datant du précédent Dynastie des Pallava.
La "danseuse deMohenjo Daro ", 3ème millénaire avant notre ère (réplique)
Pilier d'Ashoka, Vaishali, Bihar, c. 250 BCE
passerelle Stupa à Sanchi, c. 100 CE ou peut-être plus tôt, avec des reliefs denses
Bouddha deSarnath, CE 5-6th siècle
Le ColossaltrimurtiauGrottes d'Elephanta
Temples rupestres à Ellora
Hindoue,Cholapériode, 1000
Statue médiévale frontale debout typique deVishnu, 950-1150
En Khajuraho
Sculpture en marbre de la femelle yakshi en courbe typique pose, c. 1450, Rajasthan
Gopuram duNataraja Temple Thillai, Chidambaram,Tamil Nadu, densément emballé avec des rangées de statues peintes
Sculpture de gardien à l'entrée de la Mandapam du Sri Jalagandeeswarar Temple, Vellore, Tamil Nadu
Asie Du Sud Est
La sculpture de la région tend à être caractérisé par un degré élevé d'ornement, comme on le voit dans les grands monuments de hindoue et bouddhiste sculpture khmère (9e à 13e siècles) à Ankor Wat et ailleurs, l'énorme complexe bouddhiste du 9ème siècle à Borobudur en Java et les monuments hindous de Bali. Deux d'entre eux comprennent de nombreux reliefs ainsi que des chiffres dans la ronde; Borobudur a 2672 panneaux de secours, 504 statues de Bouddha, de nombreux demi-caché dans ajourées grandes figures stupas, et de nombreux gardiens. En Thaïlande et le Laos , la sculpture était principalement d' images de Bouddha, souvent dorés, grands pour les temples et les monastères, et de petites figurines pour les maisons privées. Sculpture traditionnelle en Myanmar a émergé avant la période de Bagan. Comme ailleurs dans la région, la plupart des sculptures en bois des périodes Bagan et Ava ont été perdus. Dans des périodes postérieures influence chinoise prédominait dans le Vietnam , le Laos et le Cambodge , et la sculpture en bois survit plus de toute la région.
sculpture en relief du temple de Borobudur, en Indonésie , c. 760-830
Dragon head palais décoration de la dynastie des Ly, Vietnam , c. 1009-1225
Pierre bas-relief deapsaras dutemple Bayon,le Cambodge, c. 1200
Colossales de Bouddha "face-tours" à Bayon, c. 1200
Bouddha, du 14ème siècle,le Cambodge
Phra Achana, Wat image de Big Bouddha dans Chum Si,Sukhothai, c. 14ème siècle
Statues de Bouddha à l'intérieur de la grotte inférieure desgrottes de Pak Ou,Laos
"Bouddha appelant la terre à témoin,« Les mains du Bouddha sont dans le mudrā de Bhumisparsa poste (soumettre Mara). Phra Kaeo temple Ho, Vientiane, Laos
Islam
L'Islam est célèbre aniconique, de sorte que la grande majorité de la sculpture est la décoration arabesque en relief ou ajouré, sur la base de motifs végétaux, mais qui tend à des formes abstraites géométriques. Dans les tout premiers Mshatta Façade (740s), désormais essentiellement dans Berlin , il ya des animaux dans les arabesques denses en haut-relief, et des figures d'animaux et les hommes dans la plupart du temps bas-relief sont trouvés en conjonction avec une décoration sur de nombreux morceaux plus tard dans différents matériaux, y compris le travail des métaux, de l'ivoire et de la céramique.
Des figures d'animaux dans la ronde étaient souvent acceptable pour les œuvres utilisées dans des contextes privés si l'objet était clairement pratique, si l'art islamique médiéval contient de nombreux animaux de métal qui sont aquamaniles, brûleurs d'encens ou des partisans de fontaines, comme dans les lions de pierre soutenant la célèbre dans l' Alhambra, culminant dans le plus grand chiffre médiévale animale islamique connu, le Pisa Griffin. De la même manière, le luxe des sculptures de pierres dures telles que poignées de poignard et de tasses peuvent être formés comme des animaux, en particulier dans l'art moghol. Le degré d'acceptabilité de ces assouplissements des règles islamiques strictes varie entre les périodes et les régions, avec l'Espagne islamique, la Perse et l'Inde qui conduit souvent la relaxation, et est généralement plus élevé dans les contextes de cour.
Le Mshatta Façade, à partir d'un palais près deDamas, 740s
Le Pise Griffin, 107 cm de haut, probablement 11ème siècle
Partie d'un panneau en céramique 15e siècle deSamarkand avec la calligraphie blanc sur un fond bleufond arabesque.
Mughal poignard à manche en jade, d'or, rubis et émeraudes. Blade of damasquiné incrusté d'acier avec de l'or.
Afrique
Historiquement, à l'exception de certains monumentale sculpture égyptienne, plus la sculpture africaine a été créé en bois et d'autres matières organiques qui ne l'ont pas survécu à partir plus tôt que il ya quelques siècles; figures de poterie plus âgés se retrouvent à partir d'un certain nombre de domaines. Les masques sont des éléments importants dans l'art de beaucoup de peuples, avec des figures humaines, souvent très stylisé. Il ya une grande variété de styles, variant souvent dans le même contexte d'origine en fonction de l'utilisation de l'objet, mais de larges tendances régionales sont apparents; la sculpture est plus fréquente parmi les «groupes de cultivateurs sédentaires dans les zones drainées par les nigériens et fleuves Congo "en Afrique de l'Ouest . Images directes de divinités sont relativement rares, mais des masques en particulier, sont ou ont été souvent prises pour des cérémonies religieuses; aujourd'hui, beaucoup sont faits pour les touristes que «l'art de l'aéroport". Masques africains étaient une influence sur l'Union européenne l'art moderniste, qui a été inspiré par leur manque d'intérêt pour la description naturaliste.
Le Nubien Royaume de Kush dans moderne Soudan était en contact étroit et souvent hostile avec l'Egypte, et produit la sculpture monumentale principalement dérivé de styles au nord. En Afrique de l'Ouest, les premières sculptures sont connus de la culture Nok qui a prospéré entre 500 avant JC et 500 après JC dans moderne Nigeria , avec des figurines d'argile typiquement avec des corps allongés et des formes angulaires. Plus tard cultures ouest-africaines développées fonte de bronze pour les reliefs pour décorer les palais comme les célèbres bronzes du Bénin, et très fines têtes royales naturalistes de partout dans le village de Yoruba Ifé en terre cuite et en métal à partir des 12e-14e siècles. goldweights Akan sont une forme de petite métal sculptures produites sur la période 1400-1900, certains apparemment représentant proverbes et donc avec un élément narratif rare dans la sculpture africaine et insignes royaux comprenaient des éléments sculptés d'or impressionnant.
Beaucoup de chiffres Afrique de l'Ouest sont utilisés dans les rituels religieux et sont souvent recouverts avec des matériaux qui leur sont imposées pour les offrandes cérémonielles. Le mandé parlant de la même région font des morceaux de bois avec de larges surfaces, et les bras et les jambes sont plates en forme cylindres. En Afrique centrale, cependant, les principales caractéristiques distinctives comprennent visages en forme de coeur qui sont courbées vers l'intérieur et les modèles de cercles et des points affichage.
Africains de l'Est ne sont pas connus pour leur sculpture, mais un style à partir de la région est sculptures pôles, taillées dans des formes humaines et décorées avec des formes géométriques, tandis que les sommets sont sculptés avec des figures d'animaux, des personnes et des objets divers. Ces pôles sont alors placés à côté des tombes et sont associés à la mort et le monde ancestral. La culture connue de Grande- Zimbabwe a quitté les bâtiments les plus impressionnants que la sculpture, mais les huit stéatite Zimbabwe oiseaux semblent avoir eu une signification particulière et ont été montés sur des monolithes. Modernes zimbabwéens sculpteurs en stéatite ont atteint un succès international considérable. La plus ancienne connue argile chiffres date d'Afrique australe de 400 à 600 après JC et ont la tête cylindriques avec un mélange de caractéristiques humaines et animales.
Cuites Nok, 6ème siècle avant JC-6ème siècle de notre ère
Tête Ife, terre cuite, probablement 12-14 siècles CE
Yoruba tête de la sculpture en bronze,Ife, Nigéria c. 12ème siècle
Sculpture d'une «Reine Mère» du Bénin, du 16ème siècle.
16ème siècle masque en ivoire du Bénin
L'un des Bénin Bronzes, 16e au 18e siècle, le Nigeria.
Masque duBurkina Faso, du 19ème siècle
Mambila figure, le Nigeria
Les Amériques
Sculpture dans ce qui est maintenant l'Amérique latine développé en deux zones distinctes, Méso-Amérique dans le nord et le Pérou dans le sud. Dans les deux zones, la sculpture était à l'origine de la pierre, et plus tard de terre cuite et métal que les civilisations dans ces domaines sont devenus plus compétents sur le plan technologique. Le Région méso-américaine produite sculpture monumentale plus, des travaux massifs de bloc-like de laolmèqueet Cultures toltèques, à la superbe bas reliefs qui caractérisent les mayas et aztèques cultures. Dans la région andine, sculptures étaient généralement de petite taille, mais présentent souvent une maîtrise incroyable.
Précolombienne
Olmèque bébé Figure 1200-900 BCE
Olmèque jadéite Masque 1000-600 BCE
Olmèque Colossal Head No. 3 1200-900 BCE
La Mojarra Stela 1 2e siècle de notre ère
Chalchiuhtlicue de Teotihuacán 200-500 CE
Masque Teotihuacan 200-600 CE
Teotihuacan- Détail du Temple duSerpent à plumes 200-250 CE
Un urne funéraire dans la forme d'un "dieu de la chauve-souris» ou un jaguar,Oaxaca, 300-650 CE
Navire portrait Moche avecétrier bec,le Pérou, 100 700 BCE-CE
K'inich Janaab Pakal I dePalenque, Maya, 603-683
Ahkal Mo 'Naab III de Palenque, 8e siècle
Upakal K'inich 8ème siècle après JC, Palenque
Island Type Jaina figure (maya) 650-800
Veracruz visage de culture classique 600-900
Atlante de Tollan-Xicocotitlan également connu comme Tula 1000
Déplacement vers l'art moderne
Amérique Du Nord
En Amérique du Nord, le bois a été sculpté pour totémiques poteaux, des masques, des ustensiles, canots de guerre et une variété d'autres utilisations, avec une variation nette entre différentes cultures et régions. Les styles les plus développés sont ceux de la Pacific Northwest Coast, où un groupe de styles formelles élaborées et très stylisées développé formant la base d'une tradition qui se poursuit aujourd'hui. En plus des célèbres totems, peint et sculpté façades ont été complétées par des poteaux sculptés à l'intérieur et à l'extérieur, ainsi que des chiffres mortuaires et autres articles. Parmi les Inuits du Grand Nord, les styles de sculpture traditionnelle en ivoire et en stéatite sont toujours continué.
L'arrivée de la culture catholique européenne facilement adapté compétences locales pour la vigueur baroque le style, produisant énormément complexe retables et autres sculptures de l'église pour la plupart dans une variété de styles hybrides. Le plus célèbre de ces exemples au Canada est la zone de l'autel de la Basilique Notre-Dame à Montréal, au Québec, qui a été sculpté par paysan Habitant ouvriers.Plus tard, des artistes formés dans la tradition académique occidentale suivies styles européens jusqu'à la fin du 19e siècle, ils ont commencé à tirer à nouveau sur les influences indigènes, notamment dans le style grotesque baroque mexicain connu comme Churrigueresque. Les peuples autochtones ont également adaptés sculpture de l'église dans les variations sur Carpenter gothique; un exemple célèbre est l'église de la Sainte-Croix à Skookumchuck Hot Springs, Colombie-Britannique.
L'histoire de sculpture aux États-Unis après l'arrivée des Européens reflète 18ème siècle de la fondation du pays enromainesvaleurs civiques républicains et Christianisme protestant. Comparativement aux zones colonisées par les Espagnols, la sculpture a connu un démarrage très lent dans les colonies britanniques, avec presque pas de place dans les églises, et a été seulement donné une impulsion par la nécessité d'affirmer la nationalité après l'indépendance. La sculpture américaine du milieu à la fin du 19e siècle était souvent classique, souvent romantique, mais a montré un penchant pour une dramatique, narrative, réalisme quasi journalistique. Bâtiments publics cours du dernier trimestre du 19ème siècle et la première moitié du 20e siècle souvent fournis un cadre architectural pour la sculpture, en particulier en relief.par les années 1930, lestyle international de l'architecture et de la conception et del'art déco caractérisé par le travail dePaul Manship etLee Lawrie et d'autres est devenu populaire. Dans les années 1950, l'enseignement de la sculpture traditionnelle serait presque être complètement remplacé par un Préoccupation pour Bauhaus influencé abstraite conception. La sculpture minimaliste remplacé la figure dans les lieux publics et les architectes presque complètement cessé d'utiliser la sculpture dans ou sur leurs conceptions. Sculpteurs modernes (21ème siècle) utilisent deux conceptions classiques et abstraites inspirées. Au début des années 1980, il y avait une balançoire en arrière vers la sculpture figurative du public; En 2000, un grand nombre des nouvelles pièces publiques aux États-Unis étaient figuratives dans la conception.
Gutzon Borglum et son fils, Lincoln Borglum, le mont Rushmore , 1927-1941. LR, George Washington , Thomas Jefferson , Theodore Roosevelt et Abraham Lincoln qui représente les 150 premières années de l'histoire américaine .
Robert Gould Shaw Memorial parAugustus Saint-Gaudens, 1884 - 1897, la version en plâtre
Lee Lawrie,Le Semeur, 1928Art Déco relief surBeaumont Tower,Michigan State University
Daniel Chester français, Abraham Lincoln(1920) dans leLincoln Memorial,Washington, DC
Le K'alyaan Totem de la Tlingit Kiks.ádi clan, érigé à Sitka National Historical Park pour commémorer les vies perdues dans le 1804 Bataille de Sitka
Frederic Remington, Le Bronco Buster, édition limitée # 17 du 20, 1909.
Paul Manship,danseur et Gazelles1916,Smithsonian American Art Museum, Washington, DC
Gertrude Vanderbilt Whitney,The Scout, 1924, commémorantBuffalo Bill dansCody, Wyoming
19ème siècle, et le réalisme continue
François Rude, unromantique Jeanne d 'Arc, 1852, Persienne
Jean-Baptiste Carpeaux,Ugolin et ses fils, 1857-1860, Metropolitan Museum of Art
Edgar Degas, la petite danseuse de quatorze ans , moulé en 1922 à partir d'une sculpture ca. mixte des médias modélisé 1879-1880, Bronze, partiellement teinté, avec du coton
Auguste Rodin Les Bourgeois de Calais1889, Calais, France
Alfred Gilbert, le soi-disantEros, 1893, premier du mondeen aluminiumstatue,Piccadilly Circus, Londres
Détail de la tombe deCyprian Kamil Norwid dans Cathédrale de Wawel, Cracovie par Czesław Dźwigaj
Antoine Bourdelle,Jour et Nuit, marbre, 1903,Musée Bourdelle, Paris
Jan Štursa,avant le bain,1906,Galerie nationale de Prague
Constantin Brancusi,Muse endormie,1910, bronze, Metropolitan Museum of Art
Amedeo Modigliani,Tête de femme, 1911/1912,Tate
Aristide Maillol,La Nuit,1920,Stuttgart
Classicisme moderne contraste à bien des égards avec la sculpture classique du 19ème siècle qui a été caractérisé par des engagements au naturalisme (Antoine-Louis Barye) -les mélodramatiques ( François Rude) sentimentalité ( Jean Baptiste Carpeaux) - ou une sorte de grandeur majestueuse ( Lord Leighton).Plusieurs directions différentes dans la tradition classique ont été prises au tournant du siècle, mais l'étude de la modèle vivant et de la tradition post-Renaissance était toujours fondamentale pour eux.Auguste Rodinest le sculpteur le plus célèbre européenne du début du 20ème siècle. Il est souvent considéré comme une sculptureimpressionniste, comme le sont ses élèves dontCamille Claudel, et Hugo Rheinhold, de tenter de modéliser d'un moment éphémère de la vie ordinaire.le classicisme moderne ont montré une moindre intérêt dans le naturalisme et un plus grand intérêt dans la stylisation formelle. Une plus grande attention a été accordée aux rythmes des volumes et des espaces-ainsi qu'une plus grande attention aux qualités contrastées de surface (ouvert, fermé, plane, cassé, etc.), tandis que moins d'attention a été accordée à raconter des histoires et des détails convaincants de l'anatomie ou un costume. Une plus grande attention a été accordée à l'effet psychologique que de réalisme physique, et les influences de styles antérieurs ont été utilisés à travers le monde.
Les premiers maîtres du classicisme moderne inclus: Aristide Maillol, Alexander Matveyev, Joseph Bernard, Antoine Bourdelle, Georg Kolbe, Libero Andreotti, Gustav Vigeland, Jan Stursa, Constantin Brancusi. Au cours du siècle, le classicisme moderne a été adopté comme style national des deux grands empires totalitaires européens: l'Allemagne nazie et la Russie soviétique , qui a co-opté le travail des artistes antérieurs, tels que Kolbe et Wilhelm Lehmbruck en Allemagne et en Russie Matveyev. au cours des 70 années de l'URSS, les nouvelles générations des sculpteurs ont été formés et choisis dans leur système, et un style distinct, réalisme socialiste, développé, qui a renvoyé à l'accent mis par le 19ème siècle sur le mélodrame et le naturalisme.
Formation classique a été extirpé de l'éducation artistique en Europe occidentale (et les Amériques), en 1970, et les variantes classiques du 20e siècle ont été marginalisés dans l'histoire du modernisme. Mais le classicisme a continué comme le fondement de l'éducation artistique dans les académies soviétiques jusqu'en 1990, offrant une fondation pour l'art figuratif expressif dans toute l'Europe de l'Est et dans certaines parties du Moyen-Orient. En l'an 2000, la tradition classique européenne conserve un grand attrait pour le public, mais attend une tradition éducative pour relancer son développement contemporain.
Une partie de la classique moderne est devenu soit plus décoratif / Art déco (Paul Manship,Jose de Creeft,Carl Milles) ou plus abstraite stylisée ou plus expressif (et gothique) (Anton Hanak, Wilhelm Lehmbruck, Ernst Barlach, Arturo Martini) -ou plus tourné à la Renaissance (Giacomo Manzù,Venanzo Crocetti) ou est restée la même (Charles Despiau,Marcel Gimond).
Modernisme
Mouvements de sculpture modernistes comprennentcubisme, Abstraction géométrique, De Stijl,suprématisme,constructivisme,dadaïsme,surréalisme,futurisme,Formalismeexpressionnisme abstrait,Pop-Art, Minimalisme, Land art, etl'art d'installation, entre autres.
Dans les premiers jours du 20e siècle, Pablo Picasso a révolutionné l'art de la sculpture quand il a commencé à créer ses constructions façonnées en combinant des objets et des matériaux disparates en une seule pièce construite de la sculpture; l'équivalent sculpturale du collage dans l'art de deux dimensions. L'avènement de la surréalisme a conduit à des choses en étant parfois décrits comme "sculpture" qui ne serait pas ont été si précédemment, tels que "la sculpture involontaire» dans plusieurs sens, y compris coulage. Des années plus tard Picasso est devenu un prolifique potier , leader, avec intérêt dans la poterie historique du monde entier, à un renouveau de la céramique d'art, avec des personnalités comme George E. Ohr et ensuite Peter Voulkos, Kenneth Price, et Robert Arneson. Marcel Duchamp l'origine de l'utilisation de la « objet trouvé »(en français: objet trouvé) ou readymade avec des morceaux tels que Fountain (1917).
De même, le travail de Constantin Brancusi au début du siècle a ouvert la voie pour plus tard la sculpture abstraite. En révolte contre le naturalisme de Rodin et de ses contemporains la fin du 19ème siècle, Brâncuşi distillé sujets bas pour leurs essences comme l'illustrent les formes élégant et raffiné de son Oiseau dans l'espace série (1924).
L'impact de Brancusi, avec son vocabulaire de la réduction et de l'abstraction, est vu à travers les années 1930 et 1940, et illustré par des artistes tels queGaston Lachaise,Sir Jacob Epstein,Henry Moore, Alberto Giacometti, Joan Miró, Julio González,Pablo Serrano,Jacques Lipchitz et par les années 1940, la sculpture abstraite était impact et élargi parAlexander Calder,Len Lye,Jean Tinguely, etFrederick Kiesler qui étaient des pionniers del'art cinétique.
Sculpteurs modernistes largement manqué sur l'énorme boom dans l'art public résultant de la demande de monuments commémoratifs de guerre pour les deux guerres mondiales, mais à partir des années 1950, les organismes publics et de mise en service sont devenus plus à l'aise avec la sculpture et de grandes commandes publiques modernistes à la fois abstrait et figuratif est devenu commun . Picasso a été chargé de faire une maquette pour un énorme de 50 pieds (15 m) -high sculpture publique, la soi-disant Chicago Picasso (1967). Son dessein était ambigu et quelque peu controversé, et ce que le chiffre représente est pas clair; il pourrait être un oiseau, un cheval, une femme ou une forme totalement abstrait.
Pendant les années 1950 et les années 1960 sculpteurs abstraits commencé à expérimenter avec un large éventail de nouveaux matériaux et différentes approches de la création de leur travail. L'imagerie surréaliste, abstraction anthropomorphique, de nouveaux matériaux et de combinaisons de sources d'énergie nouvelles et des surfaces et des objets variés sont devenus beaucoup plus caractéristique de nouvelle sculpture moderniste. Les projets de collaboration avec les architectes paysagistes, architectes et architectes paysagistes élargi le site extérieur et de l'intégration contextuelle. Des artistes tels que Isamu Noguchi, David Smith, Alexander Calder Jean Tinguely, Richard Lippold, George Rickey, Louise Bourgeois et Louise Nevelson venus pour caractériser le look de moderne sculpture.
Dans les années 1960 l'expressionnisme abstrait, l'abstraction géométrique et Minimalisme, ce qui réduit la sculpture de ses traits les plus essentiels et fondamentaux, prédominé. Certaines œuvres de la période sont: l'Cubi fonctionne de David Smith, et les travaux en acier soudés de Sir Anthony Caro, le travail à grande échelle de John Chamberlain, et l'échelle de l'installation de l'environnement fonctionne par Mark di Suvero. Autres minimalistes comprennent Tony Smith, Donald Judd, Robert Morris, Anne Truitt, Giacomo Benevelli, Arnaldo Pomodoro, Richard Serra, Dan Flavin, Carl Andre, et John Safer qui a ajouté le mouvement et la monumentalité au thème de la pureté de la ligne.
Pendant les années 1960 et 1970 la sculpture figurative par des artistes modernistes dans des formes stylisées a été faite par des artistes tels queLeonard Baskin,Ernest Trova, George Segal, Marisol Escobar,Paul Thek,Robert Graham dans un style articulé classique, etFernando Botero apportant «figures surdimensionnées» de sa peinture dans sculptures monumentales.
Mouvements contemporains
Site spécifique et art environnemental œuvres sont représentées par des artistes: Andy Goldsworthy, Walter De Maria, Richard Long, Richard Serra, Robert Irwin, George Rickey et Christo et Jeanne-Claude a conduit la sculpture abstraite contemporaine dans de nouvelles directions. Artistes créés sculpture environnementale sur les sites vastes dans le « land art dans l'Ouest américain «groupe de projets. Ces land art ou art de la terre 'des œuvres de la sculpture à l'échelle de l'environnement illustrés par des artistes tels que Robert Smithson, Michael Heizer, James Turrell ( Roden Crater). Eva Hesse, Sol LeWitt, Jackie Winsor, Keith Sonnier, et Bruce Nauman, entre autres étaient pionniers de Postminimalist sculpture.
Aussi pendant les années 1960 et 1970, des artistes aussi divers que Eduardo Paolozzi, Chryssa, Claes Oldenburg, George Segal, Edward Kienholz,Nam Juin Paik,Wolf Vostell,Duane Hanson etJohn DeAndrea exploré l'abstraction, de l'imagerie et de la figuration à traversl'art vidéo, l'environnement, la sculpture de lumière, et del'art de l'installation dans de nouveaux moyens.
L'art conceptuel est un art dans lequel le concept (s) ou une idée (s) impliqué dans le travail l'emportent sur les préoccupations esthétiques et matérielles traditionnelles.Les travaux comprennentUne et trois chaises, 1965, est parJoseph Kosuth, etun chêne parMichael Craig-Martin, et ceux deJoseph Beuys et deJames Turrell.
Minimalisme
Tony Smith,Free Ride,1962, 6'8 x 6'8 x 6'8 (la hauteur d'une ouverture standard de la porte des États-Unis), Musée d'Art Moderne, New York
Larry Bell,Untitled1964, le bismuth, le chrome, l'or et rhodium sur laiton doré;Hirshhorn Museum and Sculpture Garden
Richard Serra,Fulcrum1987, la sculpture autoportante 55 pieds de haut duacier Cor-ten près dela gare de Liverpool Street,London
Donald Judd,Untitled,1991,Musée d'Israël Art Garden,Jérusalem
Postminimalisme
Bruce Nauman,Human / Need / Desire1983, Neon sculpture
Richard Long,Cercle de la Banque du Sud,1991 Tate Liverpool, en Angleterre
Rachel Whiteread,Maison, elle a remporté le 1993Turner Prize 1994 etprix K Foundation
Anish Kapoor,tournant le monde à l'envers,Musée d'Israël 2010
Genres contemporains
Certaines formes de la sculpture modernes sont maintenant pratiquées à l'extérieur, comme l'art environnemental et de sculpture environnementale, souvent à la vue des spectateurs. Sculpture de lumière et art in situ aussi font souvent usage de l'environnement. sculpture sur glace est une forme de sculpture éphémère qui utilise glace la matière première. Il est populaire en Chine, le Japon, le Canada, la Suède et la Russie. Les sculptures sur glace disposent décorative dans certaines cuisines, en particulier en Asie. sculptures cinétiques sont des sculptures qui sont conçus pour se déplacer, qui comprennent les mobiles. sculptures de neige sont généralement taillés dans un seul bloc de neige d'environ 6 à 15 pieds (4,6 m) de chaque côté et pesant environ 20-30 tonnes. La neige est densément emballé dans une forme après avoir été produite par des moyens artificiels ou ramassées sur le sol après une chute de neige. sculptures sonores prennent la forme d'installations sonores intérieurs, des installations de plein air comme harpes éoliennes, automates, ou être plus ou moins proche classique instruments de musique. Sculpture sonore est souvent spécifique au site. Art jouets sont devenus un autre format pour les artistes contemporains depuis la fin des années 1990, tels que ceux produits par Takashi Murakami et Kid Robot, conçue par Michael Lau, ou en fait à la main , Michael Leavitt (artiste).
Statut social des sculpteurs
Dans le monde entier, les sculpteurs ont généralement été artisans dont le travail est non signé; dans certaines traditions, par exemple la Chine, où la sculpture ne partageait pas le prestige de la peinture des lettrés, ce qui a affecté le statut de la sculpture elle-même. Même dans la Grèce antique , où les sculpteurs comme Phidias sont devenus célèbres, ils semblent avoir conservé une grande partie le même statut social que les autres artisans, et peut-être pas beaucoup plus de récompenses financières, même si certains ont signé leurs œuvres. Dans les Moyen Age artistes tels que le 12ème siècle Gislebertus signait parfois leur travail, et ont été recherchés par les différentes villes, en particulier à partir du Trecento partir en Italie, avec des personnalités comme Arnolfo di Cambio, et Nicola Pisano et son fils Giovanni. Orfèvres et bijoutiers, traiter avec des matériaux précieux et souvent doubler en tant que banquiers, appartenu à de puissantes guildes et avaient un statut considérable, tenant souvent bureau civique. Beaucoup de sculpteurs également pratiquées dans les autres arts; Andrea del Verrocchio a également peint, et Giovanni Pisano, Michel-Ange, et Jacopo Sansovino étaient architectes . Certains sculpteurs maintenus grands ateliers. Même dans la Renaissance de la nature physique du travail a été perçue par Leonardo da Vinci et d'autres comme tirant vers le bas le statut de la sculpture dans les arts, mais la réputation de Michel-Ange peut-être mettre cette idée de longue date pour se reposer.
Du Haute Renaissance artistes tels que Michel-Ange, Leone Leoni et Giambologna pourraient devenir riche, et ennoblie, et entrer dans le cercle des princes, après une période de forte argumentation sur le statut relatif de la sculpture et la peinture. Sculpture décorative beaucoup sur les bâtiments est restée un métier, mais sculpteurs produisant des pièces individuelles ont été reconnus au niveau de peintres. A partir du 18ème siècle ou la sculpture tôt également attiré des étudiants de la classe moyenne, même si elle a été plus lente à le faire que la peinture. Sculpteurs femmes prenaient plus de temps à apparaître que les femmes peintres, et étaient moins importante jusqu'à ce que le 20ème siècle.
Préservation
Sculptures sont sensibles aux conditions environnementales telles que la température , l'humidité et l'exposition à la lumière et la lumière ultraviolette . Les pluies acides peut aussi causer des dommages à certains matériaux de construction et des monuments historiques. Ce phénomène survient lorsque l'acide sulfurique sous la pluie réagit chimiquement avec les composés de calcium dans les pierres (calcaire, grès, marbre et granit) pour créer le gypse , qui a ensuite écaille.
A tout moment, de nombreuses sculptures contemporaines ont généralement été exposés dans les lieux publics; le vol était pas un problème en tant que pièces étaient instantanément reconnaissable. Au début du siècle twentyfirst la valeur du métal a augmenté à tel point que le vol de sculpture en bronze massif de la valeur du métal est devenu un problème; sculpture des millions volés et fondues pour la valeur relativement faible du métal, une infime fraction de la valeur de l'œuvre.
Les mouvements anti-sculpture
Aniconisme est resté limité à judaïsme , qui n'a pas accepté la sculpture figurative jusqu'à ce que le 19ème siècle, les religions zoroastriens et certains autres, avant de l'étendre au début bouddhisme et christianisme primitif, ni de ce qui a d'abord accepté grandes sculptures. Dans le christianisme et le bouddhisme ces premières vues ont ensuite été inversés, et la sculpture est devenue très importante, en particulier dans le bouddhisme. Christian orthodoxie orientale n'a jamais accepté la sculpture monumentale, et l'Islam a toujours rejeté la quasi-totalité sculpture figurative. De nombreuses formes de protestantisme également ne pas approuver la sculpture religieuse. Il ya eu beaucoup iconoclasme de la sculpture à partir de motifs religieux, des premiers chrétiens, l' Beeldenstorm de la Réforme protestante à la destruction des 2001 Bouddhas de Bamyan par le Taliban.
Les arts plastiques
Arts plastiques est un terme, devenu superflu sein usage de l'anglais, englobant spécifiquement les formes d'art qui impliquent une manipulation physique d'un milieu plastique par moulage ou de modélisation comme la sculpture ou de la céramique. Le terme a également été ambiguë appliquée à tous les visuels (non-littéraire, non musicaux) arts .
Les matériaux qui peuvent être gravés ou façonné, comme la pierre ou le bois, le béton ou l'acier, ont également été inclus dans la définition plus étroite, depuis, avec des outils appropriés, de tels matériaux sont également capables de modulation. Cette utilisation du terme «plastique» dans les arts ne devrait pas être confondu avec l'utilisation de Piet Mondrian, ni avec le mouvement qu'il a appelé, en français et en anglais, " Neoplasticism. "
Ainsi, même la définition plus étroite pourrait inclurel'architecture,la céramique,collage,art conceptuel,dessin,art du verre,Land art,travail des métaux,mosaïque,peinture,art du papier, l'utilisation dematières plastiquesdans lesarts ou comme une forme d'art elle-même,gravure,sculpture,art textile,de soudage,travail du bois,Film,Film Photographie,New art des médias.
définition des droits d'auteur de l'art visuel
Aux États-Unis, la loi protégeant le droit d'auteur sur une œuvre d'art visuel donne une définition plus restrictive de «l'art visuel». La citation suivante est du droit d'auteur des États-Unis d'Amérique-Chapitre 1:
Une «œuvre d'art visuel" est -
(1) une peinture, le dessin, l'impression ou la sculpture, existant en un seul exemplaire, dans une édition limitée de 200 exemplaires ou moins qui sont signés et numérotés consécutivement par l'auteur, ou, dans le cas d'une sculpture, en fonte multiple, sculpté ou sculptures de 200 ou moins qui sont numérotées consécutivement par l'auteur et portent la signature ou autre marque d'identification de l'auteur fabriqué; ou
(2) une image fixe photographique produite uniquement à des fins d'exposition, existante en un seul exemplaire qui est signé par l'auteur, ou dans une édition limitée de 200 exemplaires ou moins qui sont signés et numérotés consécutivement par l'auteur.
Une œuvre d'art visuel ne comprend pas -
(A) (i) toute affiche, carte, globe, graphique, dessin technique, diagramme, modèle, art appliqué, de cinéma ou une autre œuvre audiovisuelle, livre, magazine, journal, périodique, base de données, le service électronique d'information, publication électronique, ou toute publication similaire;
(ii) toute merchandising article ou de la publicité, de promotion, descriptif, couvrant ou du matériel d'emballage ou du conteneur;
(iii) une partie ou partie de tout article visé à l'alinéa (i) ou (ii);
(B) tout work made for hire; ou
(C) tout fonctionnera pas soumis à la protection du droit d'auteur en vertu du présent titre.
